Cover El código de vestimenta de la Met Gala afirma que la moda es arte. Analizamos a los diseñadores icónicos que fueron más allá del estampado para convertir obras maestras de los museos en arquitectura ponible (Foto: metmuseum.org)
El código de vestimenta de la Met Gala afirma que la moda es arte. Analizamos a los diseñadores icónicos que fueron más allá del estampado para convertir obras maestras de los museos en arquitectura ponible (Foto: metmuseum.org)
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El código de vestimenta de la Met Gala declara esta temporada que la moda es arte; analizamos a los diseñadores icónicos que fueron pioneros en unir ambos mundos
La Met Gala anual representa la principal intersección entre la industria global de la moda y el mundo del arte institucional. Como evento central de recaudación de fondos para el Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte, la gala explora diversos temas que elevan las prendas, pasando de ser simple ropa a alcanzar el estatus de “arte del vestuario”. Este año, la exposición investiga cómo los creadores manipulan los tejidos para reflejar movimientos de las bellas artes, lo que hace imprescindible un código de vestimenta bajo la premisa de que la moda es arte. Este concepto sugiere que una prenda puede existir como una obra maestra tridimensional en lugar de ser un mero producto comercial.
Antes de que se despliegue la alfombra roja y los primeros invitados suban las escaleras del Museo Metropolitano de Arte, examinamos la alquimia técnica detrás del código de vestimenta de esta temporada, “la moda es arte”. Sugerir que la moda es arte es reconocer un linaje de diseñadores que se negaron a tratar el cuerpo humano como un simple maniquí, optando en cambio por considerarlo como una extensión estructural del lienzo. Desde las geometrías rígidas del modernismo holandés hasta la fluida violencia de un grabado japonés en madera, estos momentos de archivo sirven como modelo para una velada dedicada a la figura vestida como un objeto de exposición meticulosamente seleccionado.
Christian Dior y Hokusai (2007)
La colección de Alta Costura Primavera 2007 de John Galliano para Dior exploró un homenaje estructural al arte japonés. En lugar de aplicar un estampado gráfico de “La gran ola de Kanagawa” de Katsushika Hokusai, Galliano tradujo el poder y la curva del grabado del período Edo en la silueta de las prendas. Los cuellos y las faldas presentaban intrincadas técnicas de plegado y plisado para crear enormes crestas blancas y azules. Estas ondas de tela imitaban la espuma y la salpicadura que se aprecian en la obra de arte original del siglo XIX. Al convertir la ola en una forma física, la colección demostró que la moda es arte a través del medio de la sastrería arquitectónica.
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Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí (1937)
La colaboración entre Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí dio como resultado el vestido Langosta de 1937, un ejemplo fundamental de la moda surrealista. Este vestido de noche de organza de seda blanca presentaba una gran langosta roja pintada por Dalí. La colocación del crustáceo fue intencionalmente provocativa, reflejando el interés surrealista en el subconsciente y la yuxtaposición de objetos cotidianos con la elegancia formal. Cuando Wallis Simpson lo lució para una sesión fotográfica en Vogue, el vestido funcionó como una pieza de crítica social vanguardista. Esta prenda sigue siendo un punto de referencia primordial para quienes sostienen que la moda es arte, debido a su origen directo en el movimiento surrealista.
Yves Saint Laurent y Piet Mondrian (1965)
La colección Otoño/Invierno de 1965 de Yves Saint Laurent introdujo el vestido recto Mondrian, que se convirtió en una de las intersecciones más reconocidas entre la moda y las bellas artes. Saint Laurent adaptó las pinturas neoplasticistas de Piet Mondrian, específicamente la “Composición en rojo, azul y amarillo”, a un vestido de lana sin mangas. El diseño se basó en una construcción compleja y costuras ocultas para garantizar que las rígidas cuadrículas negras y los bloques de colores primarios no se distorsionaran por las curvas del cuerpo. Este enfoque convirtió a la persona que lo llevaba en un lienzo andante, consolidando aún más la creencia de que la moda es arte en el contexto del modernismo del siglo XX.
Viktor & Rolf y el Action Painting (2015)
Para su desfile de arte ponible de Otoño 2015, Viktor & Rolf exploraron los límites físicos entre un lienzo y una prenda. La colección se inspiró en el Action Painting y las técnicas de artistas como Jackson Pollock. Los modelos aparecieron en marcos rígidos y dorados que sostenían telas salpicadas que evocaban el suelo de un estudio. Durante la presentación, los diseñadores desengancharon estos marcos de los modelos y los colgaron en la pared de una galería. Esta pieza performática destacó la transición literal de una prenda desde un objeto tridimensional de vestir a una pieza bidimensional de arte de pared, cuestionando la definición tradicional de utilidad en la ropa.
Moschino y Pablo Picasso (2020)
La colección Primavera 2020 de Jeremy Scott para Moschino sirvió como tributo al movimiento cubista liderado por Pablo Picasso. Las prendas se diseñaron para que parecieran pinturas planas y distorsionadas, utilizando telas rígidas para crear efectos bidimensionales sobre la forma humana. Scott incorporó pinceladas pintadas y formas asimétricas que hacían referencia directa a “Las señoritas de Aviñón” de Picasso. Al deconstruir al sujeto y presentarlo desde múltiples ángulos a la vez, la colección tradujo con éxito la filosofía estética del cubismo en un guardarropa moderno, demostrando que la moda es arte cuando desafía la percepción que tiene el espectador sobre la perspectiva y el volumen.
Alexander McQueen y Hieronymus Bosch (2010)
En su última colección, titulada “Ángeles y Demonios”, Alexander McQueen buscó inspiración en el Renacimiento nórdico. Utilizó la impresión digital para envolver el cuerpo en escenas del tríptico del siglo XV de Hieronymus Bosch, “El jardín de las delicias”. Estas intrincadas y caóticas representaciones del cielo y el infierno se aplicaron a prendas altamente estructuradas, incluyendo chaquetas y vestidos de noche. La colección acortó la brecha entre el asombro religioso del período gótico tardío y la precisión de la sastrería moderna. El uso que hizo McQueen de estas obras maestras históricas permitió que las prendas tuvieran un peso narrativo generalmente reservado para pinturas dignas de museo.
Rodarte y Vincent van Gogh (2012)
La colección Primavera 2012 de Rodarte, diseñada por Kate y Laura Mulleavy, se centró en las cualidades textuales y emocionales de las obras posimpresionistas de Vincent van Gogh. Las diseñadoras trasladaron las pinceladas gruesas y el empaste de pinturas como “La noche estrellada” y “Los girasoles” a textiles táctiles. Esto se logró mediante el uso de seda en capas, lentejuelas y elaborados bordados que imitaban el movimiento arremolinado de la pintura al óleo. La estética fue más allá de la reproducción visual al usar la manipulación de la tela para replicar la profundidad física y la intensidad de los lienzos de Van Gogh. Al capturar la energía turbulenta de la mano del artista, la colección reafirmó que la moda es arte cuando se enfoca en la experiencia visceral del medio.
Chonx Tibajia es editora sénior del equipo T-Labs de Tatler Asia, donde escribe extensamente sobre temas de estilo de vida, incluyendo belleza, moda, entretenimiento y viajes. Cuenta con una larga trayectoria en el periodismo, incluyendo su labor como columnista en The Philippine Star , y es la fundadora de la plataforma creativa Pineappleversed. Además de Tatler, sus artículos aparecen en publicaciones regionales de estilo de vida y negocios, mostrando un amplio portafolio que abarca tendencias de belleza, guías de viaje y artículos culturales.
