Cover Der Dresscode der Met Gala lautet “Mode ist Kunst”. Wir beleuchten die ikonischen Designer, die weit über bloße Drucke hinausgingen, um museale Meisterwerke in tragbare Architektur zu verwandeln (Foto: metmuseum.org)
Der Dresscode der Met Gala lautet “Mode ist Kunst”. Wir beleuchten die ikonischen Designer, die weit über bloße Drucke hinausgingen, um museale Meisterwerke in tragbare Architektur zu verwandeln (Foto: metmuseum.org)
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Der Dresscode der Met Gala lautet in dieser Saison “Mode ist Kunst”; wir beleuchten die ikonischen Designer, die diese Grenzen als Erste überwanden
Die jährliche Met Gala dient als wichtigster Berührungspunkt zwischen der globalen Modebranche und der institutionellen Kunstwelt. Als zentrale Spendenveranstaltung für das Costume Institute des Metropolitan Museum of Art erforscht die Gala vielfältige Themen, die Kleidungsstücke von bloßer Bekleidung in den Rang der “Kostümkunst” erheben. In diesem Jahr untersucht die Ausstellung, wie Designer Textilien manipulieren, um Strömungen der bildenden Kunst widerzuspiegeln, was einen Dresscode unter dem Motto Mode ist Kunst erfordert. Dieses Konzept legt nahe, dass ein Kleidungsstück als dreidimensionales Meisterwerk und nicht nur als rein kommerzielles Produkt existieren kann.
Bevor der rote Teppich ausgerollt wird und die ersten Gäste die Stufen des Metropolitan Museum of Art hinaufschreiten, beleuchten wir die technische Alchemie hinter dem Dresscode dieser Saison: “Mode ist Kunst”. Das Postulat Mode ist Kunst anzuerkennen, bedeutet, eine Riege von Designern zu würdigen, die sich weigerten, den Körper als bloße Schaufensterpuppe zu behandeln, und ihn stattdessen als strukturelle Erweiterung der Leinwand betrachteten. Von den strengen Geometrien der niederländischen Moderne bis hin zur fließenden Dynamik eines japanischen Holzschnitts — diese archivarischen Momente dienen als Blaupause für einen Abend, der der gekleideten Form als kuratiertem Objekt gewidmet ist.
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Christian Dior & Hokusai (2007)
John Gallianos Couture-Frühjahrskollektion 2007 für Dior präsentierte eine strukturelle Hommage an die japanische Kunst. Anstatt lediglich einen grafischen Druck von Katsushika Hokusais “Die große Welle vor Kanagawa” zu verwenden, übersetzte Galliano die Kraft und die geschwungene Form des Holzschnitts aus der Edo-Zeit in die Silhouette seiner Entwürfe. Die Kragen und Röcke wiesen aufwendige Falt- und Plisseetechniken auf, um massive weiße und blaue Kämme zu kreieren. Diese textilen Wellen ahmten den Schaum und die Gischt des originalen Kunstwerks aus dem 19. Jahrhundert nach. Indem die Welle in eine physische Form verwandelt wurde, bewies die Kollektion durch das Medium der architektonischen Schnittkunst eindrucksvoll das Prinzip: Mode ist Kunst.
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Elsa Schiaparelli & Salvador Dalí (1937)
Die Zusammenarbeit zwischen Elsa Schiaparelli und Salvador Dalí gipfelte 1937 in dem legendären Hummerkleid, einem wegweisenden Beispiel surrealistischer Mode. Dieses weiße Abendkleid aus Seidenorganza wurde von Dalí mit einem großen roten Hummer bemalt. Die Platzierung des Krustentiers war bewusst provokant und spiegelte das Interesse der Surrealisten am Unterbewusstsein sowie die Gegenüberstellung von profanen Objekten mit formaler Eleganz wider. Als Wallis Simpson es für ein Fotoshooting der Vogue trug, fungierte das Kleid als ein Stück avantgardistischer Gesellschaftskritik. Aufgrund seines direkten Ursprungs in der surrealistischen Bewegung bleibt dieses Gewand ein zentraler Referenzpunkt für die These Mode ist Kunst.
Yves Saint Laurent & Piet Mondrian (1965)
Mit der Herbst-/Winterkollektion 1965 führte Yves Saint Laurent das Mondrian-Kleid ein, welches zu einer der bekanntesten Schnittmengen von Mode und bildender Kunst avancierte. Saint Laurent übertrug Piet Mondrians neoplastizistische Gemälde, insbesondere die “Komposition mit Rot, Gelb und Blau”, auf ein ärmelloses Wollkleid. Das Design stützte sich auf eine komplexe Konstruktion und unsichtbare Nähte, um sicherzustellen, dass die strengen schwarzen Raster und primären Farbblöcke nicht durch die Kurven des Körper verzerrt wurden. Dieser Ansatz verwandelte die Trägerin in eine wandelnde Leinwand und festigte die Überzeugung “Mode ist Kunst” im Kontext der Moderne des 20. Jahrhunderts weiter.
Viktor & Rolf & Action Painting (2015)
Für ihre Wearable Art-Show im Herbst 2015 erkundeten Viktor & Rolf die physischen Grenzen zwischen einer Leinwand und einem Kleidungsstück. Die Kollektion ließ sich vom Action Painting und den Techniken von Künstlern wie Jackson Pollock inspirieren. Die Models erschienen in starren, vergoldeten Rahmen, die mit Farbspritzern übersäte Stoffe hielten, welche an einen Atelierboden erinnerten. Während der Präsentation lösten die Designer diese Rahmen von den Models und hängten sie an eine Galeriewand. Diese Performance unterstrich den wörtlichen Übergang eines Kleidungsstücks von einem dreidimensionalen Objekt zu einem zweidimensionalen Wandkunstwerk und hinterfragte die traditionelle Definition von Funktionalität in der Kleidung.
Moschino & Pablo Picasso (2020)
Jeremy Scotts Frühjahrskollektion 2020 für Moschino diente als Tribut an die von Pablo Picasso angeführte kubistische Bewegung. Die Kleidungsstücke wurden entworfen, um wie flache, verzerrte Gemälde zu wirken, wobei versteifte Stoffe verwendet wurden, um zweidimensionale Effekte an der menschlichen Form zu erzeugen. Scott integrierte gemalte Pinselstriche und asymmetrische Formen, die sich direkt auf Picassos “Les Demoiselles d'Avignon” bezogen. Indem das Subjekt dekonstruiert und gleichzeitig aus mehreren Blickwinkeln präsentiert wurde, übersetzte die Kollektion die ästhetische Philosophie des Kubismus erfolgreich in eine moderne Garderobe und beweist den Leitsatz “Mode ist Kunst”, wenn sie die Wahrnehmung von Perspektive und Volumen des Betrachters herausfordert.
Alexander McQueen & Hieronymus Bosch (2010)
In seiner letzten Kollektion mit dem Titel Angels and Demons ließ sich Alexander McQueen von der nördlichen Renaissance inspirieren. Er nutzte den Digitaldruck, um den Körper in Szenen aus Hieronymus Boschs Triptychon “Garten der Lüste” aus dem 15. Jahrhundert zu hüllen. Diese komplexen und chaotischen Darstellungen von Himmel und Hölle wurden auf stark strukturierte Kleidungsstücke, darunter Jacken und Abendkleider, appliziert. Die Kollektion schlug eine Brücke zwischen der religiösen Ehrfurcht der Spätgotik und der Präzision der modernen Schneiderkunst. McQueens Einsatz dieser historischen Meisterwerke verlieh den Gewändern ein erzählerisches Gewicht, das normalerweise Gemälden in Museumsqualität vorbehalten ist.
Rodarte & Vincent van Gogh (2012)
Die von Kate und Laura Mulleavy entworfene Frühjahrskollektion 2012 von Rodarte konzentrierte sich auf die strukturellen und emotionalen Qualitäten von Vincent van Goghs postimpressionistischen Werken. Die Designerinnen übersetzten die dicken, pastosen Pinselstriche von Gemälden wie “Sternennacht” und “Sonnenblumen” in taktile Textilien. Dies wurde durch die Verwendung von geschichteter Seide, Pailletten und aufwendigen Stickereien erreicht, welche die wirbelnde Bewegung der Ölfarbe nachahmten. Die Ästhetik ging weit über eine rein visuelle Reproduktion hinaus, indem durch Stoffmanipulation die physische Tiefe und Intensität von Van Goghs Leinwänden nachgebildet wurde. Indem sie die turbulente Energie der Hand des Künstlers einfing, bekräftigte die Kollektion, dass Mode ist Kunst, wenn sie sich auf die tiefgründige Erfahrung des Mediums konzentriert.
Chonx Tibajia ist leitende Redakteurin im T-Labs-Team von Tatler Asia und schreibt dort über Lifestyle-Themen wie Beauty, Mode, Unterhaltung und Reisen. Sie blickt auf eine lange journalistische Karriere zurück, unter anderem als Kolumnistin beim Philippine Star , und ist Gründerin der Kreativplattform Pineappleversed. Neben Tatler veröffentlicht sie Artikel in regionalen Lifestyle- und Wirtschaftsmagazinen und deckt damit ein breites Spektrum ab, das Beauty-Trends, Reiseführer und Kulturbeiträge umfasst.
