Le créateur hongkongais Angus Tsui utilise du cuir végane pour dépeindre la chair blessée dans “404: Safety Not Found”

“404: Safety Not Found” est un titre très provocateur. Que signifie la “sécurité” pour vous dans le contexte de la mode, et pourquoi avez-vous senti qu'elle devait être remise en question ou supprimée cette saison ?

La sécurité, dans la mode, a traditionnellement signifié le confort — tant physique que conceptuel. C'est la coupe prévisible, la silhouette familière, le vêtement qui rassure plutôt qu'il ne défie. Mais dans nos vies numériques, la sécurité est devenue une illusion. On nous dit que nos données sont protégées, nos identités sécurisées, nos connexions privées. Pourtant, chaque jour, nous laissons fuiter des informations. Chaque défilement, chaque “j'aime”, chaque pensée intime partagée en ligne laisse une trace.

Je voulais déchirer cette illusion. “404: Safety Not Found” n'est pas seulement un message d'erreur — c'est la vérité de notre époque. Il n'y a pas de sécurité dans l'hyper-connexion. Il n'y a que l'exposition. Et peut-être, au sein de cette vulnérabilité brute, y a-t-il quelque chose de plus honnête que le confort. Cette collection pose la question : si la sécurité est un mensonge, que reste-t-il ? La réponse est la chair, l'instinct et le besoin désespéré de ressentir quelque chose de réel.

Vous utilisez du cuir végane pour ces textures intenses ressemblant à la chair. Y avait-il une signification conceptuelle à utiliser des matériaux sans cruauté pour créer des images de chair déchirée et blessée ?

Absolument. La contradiction est intentionnelle. Nous vivons à une époque où nous nous soucions profondément de l'éthique — ce que nous consommons, ce que nous portons, quelle empreinte nous laissons. Et pourtant, nos vies intérieures sont plus blessées que jamais. Nous présentons des extérieurs soignés et sans cruauté tout en saignant intérieurement à cause de la surexposition numérique, de la comparaison et de l'isolement.

Utiliser des matériaux durables pour dépeindre la violence contre soi-même crée une tension puissante. Cela demande : pouvons-nous être doux avec le monde tout en étant brutaux avec nous-mêmes ? Le cuir végane se déchire, mais aucun animal n'a été blessé. Qu'en est-il de l'humain qui le porte ? Cette dissonance est exactement là où vit la collection — entre nos aspirations éthiques et nos réalités émotionnelles.

Après plus d'une décennie de pionnier dans la mode durable, qu'est-ce qui vous frustre encore dans l'approche de l'industrie en matière de durabilité ? Qu'est-ce qui vous donne de l'espoir ?

Frustration : L'industrie traite encore la durabilité comme une catégorie marketing plutôt que comme une restructuration fondamentale. Ce sont des “collections vertes” et des “lignes conscientes” au lieu de demander : pourquoi tout n'est-il pas durable par défaut ? Il y a encore cette hypothèse que l'éthique et l'esthétique ne peuvent pas fusionner complètement — que la mode durable doit avoir un certain aspect, une certaine sensation, faire certains compromis. Je rejette cela entièrement.

Espoir : La nouvelle génération. Les jeunes créateurs qui entrent dans l'industrie ne demandent pas “devrions-nous être durables ?” Ils demandent “comment pouvons-nous aller plus loin ?” Ils ne voient aucune séparation entre créativité et responsabilité. De plus, la science des matériaux évolue plus vite que jamais. Ce que nous ne pouvions pas réaliser il y a cinq ans — texture, durabilité, drapé — est maintenant possible. Les outils correspondent enfin à la vision.

C'est la première fois que vous concevez des chaussures. Comment cette expérience a-t-elle changé votre façon de penser aux mouvements du corps et à la façon dont les pièces fonctionnent ensemble ?

La chaussure m'a rendu humble. Pendant une décennie, j'ai conçu pour le corps du cou aux pieds — sculptant des silhouettes, construisant des volumes. Mais les chaussures me rappellent que la mode commence par le sol. Chaque pas, chaque transfert de poids, chaque moment d'immobilité commence là.

Concevoir des chaussures m'a forcé à penser au mouvement comme une narration. Une collection n'est pas seulement des vêtements sur des corps statiques — ce sont des corps en mouvement, racontant des histoires à travers leur façon de marcher, de se tenir, de tourner. Les ceintures industrielles et les contraintes de cette collection, par exemple, devaient fonctionner avec les chaussures — et non contre elles. La restriction et le mouvement doivent coexister. On ne peut pas concevoir l'enfermement sans comprendre ce que la liberté ressent sous le pied.

Au-delà de la référence à Hellraiser, qu'est-ce qui a inspiré cette exploration du corps, de la technologie et de la violence ? Y a-t-il eu des films, des œuvres d'art ou des expériences spécifiques qui ont façonné votre vision ?

J'ai été profondément influencé par le surréalisme biomécanique et le mouvement artistique post-humaniste — en particulier des artistes comme Berlinde De Bruyckere, dont les sculptures en cire et époxy de chair blessée capturent la vulnérabilité avec une tendresse terrifiante. Aussi, l'horreur corporelle précoce de H.R. Giger, en particulier Necronomicon et Biomechanical Nightmares, où la technologie et la chair deviennent indiscernables.

Mais l'inspiration la plus directe était personnelle : regarder ma propre génération faire défiler des traumatismes. Nous consommons la violence numériquement — guerre, catastrophe, tragédie personnelle — puis retournons à nos vies soignées. Le corps devient un réceptacle pour une douleur de seconde main. Je voulais explorer ce qui se passe quand cette douleur redevient directe. Quand l'écran disparaît et qu'il ne reste que la peau, déchirée, exigeant d'être ressentie.

Que signifie Hong Kong pour votre identité créative ? L'énergie ou la culture de la ville apparaissent-elles dans cette collection de manière non évidente ?

Hong Kong est la tension dans chaque couture. Cette ville vous apprend à vivre avec la contradiction — l'ultra-modernité à côté de la tradition ancienne, une immense liberté à côté de contraintes invisibles, un mouvement constant à côté de moments de calme profond.

Dans “404: Safety Not Found”, cette tension se manifeste par le choc entre l'exposition et la contrainte. La chair s'ouvre, mais les ceintures tiennent bon. Le corps veut la liberté, mais le système le lie. Ce tiraillement, c'est Hong Kong pour moi — un endroit qui ne résout jamais rien, ne se pose jamais, ne cesse jamais de négocier entre ce qu'il est et ce qu'il pourrait être.

Visuellement, la palette de la collection — noirs profonds, tons chair pâles, rouges choquants — fait écho aux néons de Hong Kong saignant dans la nuit, à la lueur des écrans sur la peau, à l'énergie brute et non polie de la ville. Mais c'est subtil. On le ressent plus qu'on ne le voit.

Alors que la marque entre dans une nouvelle décennie, que laissez-vous derrière vous ? Qu'embrassez-vous pour l'avenir ?

Laisser derrière : La peur de l'inconfort. Pendant trop longtemps, la mode a assimilé la beauté à l'aisance. Je laisse derrière moi le besoin d'être acceptable. Cette collection n'est pas confortable. Elle n'est pas censée l'être.

Embrasser : La vulnérabilité comme force. Matières brutes. Émotions brutes. Conversations brutes. La prochaine décennie d'ANGUS TSUI sera plus exposée, plus honnête, plus disposée à ouvrir des questions difficiles. Nous embrassons la collaboration — avec d'autres artistes, d'autres médiums, d'autres voix. La mode seule ne peut pas répondre aux questions que cette collection soulève. Mais la mode peut lancer la conversation.

Aussi, embrasser le corps dans toute sa complexité — non pas comme une surface à décorer, mais comme une entité vivante, saignante, sentante qui mérite plus que de la décoration. Elle mérite la vérité.