Angus Tsui nutzt veganes Leder, um in seiner HW26-Kollektion verwundetes Fleisch darzustellen

“404: Safety Not Found” ist ein solch provokanter Titel. Was bedeutet “Sicherheit” für Sie im Kontext der Mode, und warum hatten Sie das Gefühl, dass sie in dieser Saison hinterfragt oder entfernt werden musste?

Sicherheit bedeutete in der Mode traditionell Komfort — sowohl physisch als auch konzeptionell. Es ist der vorhersehbare Schnitt, die vertraute Silhouette, das Kleidungsstück, das eher beruhigt als herausfordert. Aber in unserem digitalen Leben ist Sicherheit zu einer Illusion geworden. Uns wird gesagt, unsere Daten seien geschützt, unsere Identitäten gesichert, unsere Verbindungen privat. Doch jeden Tag geben wir unfreiwillig Informationen preis. Jedes Scrollen, jedes Like, jeder intime Gedanke, der online geteilt wird, hinterlässt eine Spur.

Ich wollte diese Illusion zerstören. “404: Safety Not Found” ist nicht nur eine Fehlermeldung — es ist die Wahrheit unserer Zeit. In der Hypervernetzung gibt es keine Sicherheit. Es gibt nur die Bloßstellung. Und vielleicht liegt in dieser rohen Verletzlichkeit etwas Ehrlicheres als im Komfort. Diese Kollektion fragt: Wenn Sicherheit eine Lüge ist, was bleibt dann? Die Antwort ist Fleisch, Instinkt und das verzweifelte Bedürfnis, etwas Echtes zu fühlen.

Sie verwenden veganes Leder für diese intensiven, fleischähnlichen Texturen. War es konzeptionell bedeutsam, tierleidfreie Materialien zu verwenden, um Bilder von zerrissenem, verwundetem Fleisch zu erzeugen?

Absolut. Der Widerspruch ist beabsichtigt. Wir leben in einem Zeitalter, in dem uns Ethik sehr wichtig ist — was wir konsumieren, was wir tragen, welchen Fußabdruck wir hinterlassen. Und doch ist unser Innenleben verwundeter denn je. Wir präsentieren kuratierte, tierleidfreie Fassaden, während wir innerlich durch digitale Überexposition, Vergleiche und Isolation ausbluten.

Nachhaltige Materialien zu verwenden, um Gewalt gegen das Selbst darzustellen, erzeugt eine starke Spannung. Es stellt die Frage: Können wir sanft zur Welt sein, während wir brutal zu uns selbst sind? Das vegane Leder reißt, aber kein Tier kam zu Schaden. Was ist mit dem Menschen, der es trägt? Genau in dieser Dissonanz lebt die Kollektion — zwischen unseren ethischen Bestrebungen und unseren emotionalen Realitäten.

Nach über einem Jahrzehnt als Pionier der nachhaltigen Mode, was frustriert Sie immer noch am Ansatz der Branche zur Nachhaltigkeit? Was gibt Ihnen Hoffnung?

Frustration: Die Branche behandelt Nachhaltigkeit immer noch als Marketingkategorie statt als fundamentale Umstrukturierung. Es gibt “grüne Kollektionen” und “bewusste Linien”, anstatt zu fragen: Warum ist nicht alles standardmäßig nachhaltig? Es herrscht immer noch die Annahme, dass Ethik und Ästhetik nicht vollständig verschmelzen können — dass nachhaltige Mode auf eine bestimmte Weise aussehen, sich auf eine bestimmte Weise anfühlen und gewisse Kompromisse eingehen muss. Das lehne ich vollkommen ab.

Hoffnung: Die neue Generation. Junge Designer, die in die Branche kommen, fragen nicht “sollten wir nachhaltig sein?”. Sie fragen “wie können wir es noch weiter treiben?”. Sie sehen keine Trennung zwischen Kreativität und Verantwortung. Zudem entwickelt sich die Materialwissenschaft schneller als je zuvor. Was vor fünf Jahren nicht möglich war — Textur, Haltbarkeit, Fall — ist jetzt machbar. Die Werkzeuge passen endlich zur Vision.

Dies ist Ihr erstes Mal, dass Sie Schuhe entwerfen. Wie hat diese Erfahrung Ihre Denkweise über Körperbewegungen und das Zusammenspiel der Stücke verändert?

Das Schuhdesign hat mich Demut gelehrt. Ein Jahrzehnt lang habe ich für den Körper abwärts des Halses entworfen — Silhouetten geformt, Volumen konstruiert. Aber Schuhe erinnern mich daran, dass Mode am Boden beginnt. Jeder Schritt, jede Gewichtsverlagerung, jeder Moment der Stille beginnt dort.

Das Entwerfen von Schuhen zwang mich dazu, Bewegung als Erzählung zu betrachten. Eine Kollektion besteht nicht nur aus Kleidungsstücken an statischen Körpern — es sind Körper in Bewegung, die Geschichten erzählen durch die Art, wie sie gehen, stehen, sich drehen. Die Industriegurte und Fesseln in dieser Kollektion mussten beispielsweise mit den Schuhen funktionieren — nicht gegen sie. Einschränkung und Bewegung müssen koexistieren. Man kann keine Enge entwerfen, ohne zu verstehen, wie sich Freiheit unter den Füßen anfühlt.

Abgesehen von der Hellraiser-Referenz, was hat diese Auseinandersetzung mit Körper, Technologie und Gewalt noch inspiriert? Gab es bestimmte Filme, Kunstwerke oder Erfahrungen, die Ihre Vision geprägt haben?

Ich wurde tief vom biomechanischen Surrealismus und der posthumanistischen Kunstbewegung beeinflusst — insbesondere von Künstlern wie Berlinde De Bruyckere, deren Wachs- und Epoxidharzskulpturen von verwundetem Fleisch Verletzlichkeit mit erschreckender Zärtlichkeit einfangen. Auch der frühe Body-Horror von H.R. Giger, besonders Necronomicon und Biomechanical Nightmares, wo Technologie und Fleisch ununterscheidbar werden.

Aber die direkteste Inspiration war persönlich: zu beobachten, wie meine eigene Generation durch Traumata scrollt. Wir konsumieren Gewalt digital — Krieg, Katastrophen, persönliche Tragödien — und kehren dann zu unserem kuratierten Leben zurück. Der Körper wird zum Gefäß für Schmerz aus zweiter Hand. Ich wollte erforschen, was passiert, wenn dieser Schmerz wieder aus erster Hand erfahren wird. Wenn der Bildschirm verschwindet und alles, was bleibt, Haut ist, aufgerissen, die verlangt, gefühlt zu werden.

Was bedeutet Hongkong für Ihre kreative Identität? Zeigt sich die Energie oder Kultur der Stadt in dieser Kollektion auf Weisen, die vielleicht nicht offensichtlich sind?

Hongkong ist die Spannung in jeder Naht. Diese Stadt lehrt einen, mit Widersprüchen zu leben — Ultramoderne neben alter Tradition, immense Freiheit neben unsichtbaren Zwängen, ständige Bewegung neben Momenten tiefer Stille.

In “404: Safety Not Found” manifestiert sich diese Spannung als Konflikt zwischen Enthüllung und Zurückhaltung. Das Fleisch reißt auf, aber die Gurte halten fest. Der Körper will Freiheit, aber das System fesselt. Dieses Spannungsfeld ist Hongkong für mich — ein Ort, der sich nie auflöst, nie zur Ruhe kommt, nie aufhört, zwischen dem, was er ist, und dem, was er sein könnte, zu verhandeln.

Visuell spiegelt die Farbpalette der Kollektion — tiefes Schwarz, blasse Fleischtöne, schockierendes Rot — Hongkongs Neonlicht wider, das in die Nacht blutet, das Leuchten von Bildschirmen auf Haut, die rohe, ungeschliffene Energie der Stadt. Aber es ist subtil. Man fühlt es mehr, als man es sieht.

Da die Marke in ein neues Jahrzehnt eintritt: Was lassen Sie hinter sich? Was nehmen Sie für die Zukunft an?

Hinter mir lasse ich: Die Angst vor dem Unbehagen. Zu lange hat die Mode Schönheit mit Leichtigkeit gleichgesetzt. Ich lasse das Bedürfnis hinter mir, gefällig zu sein. Diese Kollektion ist nicht bequem. Das soll sie auch nicht sein.

Ich nehme an: Verwundbarkeit als Stärke. Rohe Materialien. Rohe Emotionen. Rohe Gespräche. Das nächste Jahrzehnt von ANGUS TSUI wird exponierter, ehrlicher und bereitwilliger sein, schwierige Fragen aufzuwerfen. Wir setzen auf Zusammenarbeit — mit anderen Künstlern, anderen Medien, anderen Stimmen. Mode allein kann die Fragen, die diese Kollektion aufwirft, nicht beantworten. Aber Mode kann das Gespräch beginnen.

Außerdem nehme ich den Körper in all seiner Komplexität an — nicht als Oberfläche zum Dekorieren, sondern als lebendiges, blutendes, fühlendes Wesen, das mehr als Dekoration verdient. Es verdient Wahrheit.