Cover Présentation par le Rockbund Art Museum de “Wan Hai Hotel: Breaking the Waves” (2024) à Shanghai, préfigurant le programme d'Art SG (Photo : Leo/Rockbund Art Museum)
Présentation par le Rockbund Art Museum de “Wan Hai Hotel: Breaking the Waves” (2024) à Shanghai, préfigurant le programme d'Art SG (Photo : Leo/Rockbund Art Museum)
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Sous la direction de X Zhu-Nowell, le nouveau secteur dédié à la performance d'Art SG ralentit le tempo de la foire, plaçant l'intimité et la rencontre au cœur de cette plateforme majeure.
La foire d'art se déploie comme une chorégraphie en mouvement. Les visiteurs naviguent entre les stands, l'attention glisse d'une œuvre à l'autre, et les objets se révèlent par la proximité et le flux. Parcourir une foire, c'est entrer dans un rythme concentré — un rythme qui privilégie l'immédiateté, la circulation et l'échange. Pourtant, alors que la foire d'art contemporain mondiale d'Asie du Sud-Est Art SG revient pour sa quatrième édition — du 23 au 25 janvier, avec un aperçu VIP et un vernissage le 22 janvier au Sands Expo and Convention Centre de Marina Bay Sands — ce rythme est délibérément interrompu par l'immobilité, la lenteur et le temps lui-même.
Au centre de ce recalibrage se trouve X Zhu-Nowell, directeur exécutif et conservateur en chef du Rockbund Art Museum (RAM) de Shanghai, nommé conservateur du film et de l'art de la performance pour Art SG. Leur mission marque l'introduction formelle d'un secteur dédié à l'art de la performance au sein de la foire — une réorientation structurelle qui positionne la performance, le film et d'autres pratiques temporelles non pas comme une programmation supplémentaire, mais comme un langage curatorial central intégré à l'architecture de la foire.
Zhu-Nowell est franc au sujet de son scepticisme initial. La performance au sein d'une foire d'art, note-t-il, risque d'être absorbée par le spectacle, ses arêtes critiques émoussées par l'intensité commerciale environnante. Mais sa réflexion a évolué après avoir découvert l'œuvre Manicomio! de l'artiste croate Dora Budor à New York. L'œuvre a démontré comment la performance pouvait opérer comme un contre-mécanisme, interrompant l'organisation de l'attention plutôt que de la décorer.
“Une foire d'art est déjà une sorte de scène involontaire”, observe Zhu-Nowell, la décrivant comme “hyper-visible, transactionnelle et encombrée de temporalités concurrentes”. Leur ambition pour Art SG n'est pas de présenter des performances isolées, mais d'introduire ce qu'ils appellent des “architectures temporelles” — des œuvres qui se déploient, dérivent ou recalibrent tranquillement la manière dont les visiteurs habitent la foire.
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Above X Zhu-Nowell, directeur exécutif et conservateur en chef du Rockbund Art Museum de Shanghai, nommé conservateur du film et de la performance pour Art SG
X Zhu-Nowell, directeur exécutif et conservateur en chef du Rockbund Art Museum de Shanghai, nommé conservateur du film et de la performance pour Art SG
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Cette approche est façonnée par la pratique institutionnelle plus large de Zhu-Nowell. Au RAM, ils testent depuis longtemps des modèles d'exposition qui brouillent les frontières entre architecture, performance et étude collective, réimaginant le musée comme une structure fluide. Cette pensée migre désormais à Singapour, où la foire Art SG elle-même devient un site d'expérimentation sur la durée et la présence incarnée.
Au sein du secteur de l'art de la performance, l'artiste singapourien John Clang, présenté par la Fost Gallery, réunit trois œuvres interdépendantes — Reading by an Artist, Nine Chairs et Table of Inquiry — qui résistent collectivement à l'optique du spectacle. Au lieu de cela, elles se déploient à travers des gestes domestiques, des échanges manuscrits et des rencontres individuelles, ancrés dans l'astrologie de l'Étoile Violette (Purple Star Astrology), un art métaphysique traditionnel chinois complexe utilisé pour cartographier le destin d'une personne.
La pratique de Clang navigue depuis longtemps entre deux réalités : entre Singapour et New York, entre la photographie et le film, entre le factuel et le surréel. Dans ces performances, cette dualité est distillée en une forme de portrait sans images. “Je m'intéresse beaucoup aux gens”, dit-il. Après des années de travail à travers l'objectif de la caméra, il a cherché un moyen d'aller au-delà de la représentation vers quelque chose d'interne et de durable — “un portrait sans caméra, sans film ni matériel imprimé” — créé par le dialogue plutôt que par des dispositifs, et emporté “droit dans leur cœur”, où il devient plus permanent.
Above Vue de l'installation “Reading by an Artist” (2023) de l'artiste John Clang (Photo : John Clang)
Vue de l'installation “Reading by an Artist” (2023) de l'artiste John Clang (Photo : John Clang)
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Above L'œuvre “Nine Chairs” (2025) de Clang, une réflexion sur le temps (Photo : John Clang)
L'œuvre “Nine Chairs” (2025) de Clang, une réflexion sur le temps (Photo : John Clang)
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Reading by an Artist se déroule comme une rencontre individuelle pouvant durer jusqu'à une heure. Les participants s'assoient face à Clang alors qu'il interprète leur thème d'astrologie de l'Étoile Violette, un système qu'il étudie rigoureusement depuis plus d'une décennie. L'échange est précis plutôt que théâtral ; Clang prend soin de ne pas présenter la pratique comme de la voyance, mais comme une méthode structurée pour comprendre l'identité, les schémas et le potentiel. “Il n'y a rien de superstitieux là-dedans”, explique-t-il, faisant référence au système que les érudits utilisaient autrefois pour discuter de la manière dont les empereurs gouvernaient un royaume. Le résultat est souvent une expérience intense et incarnée. Après une séance avec Clang, les participants rapportent souvent se sentir physiquement instables en se levant, comme recalibrés par la densité de l'information échangée.
Nine Chairs étend cette logique dans l'espace. Chaque chaise est empruntée à un foyer différent et porte le résidu silencieux de la vie domestique. “Les chaises sont les témoins silencieux de ce qui se passe au sein d'une famille”, réfléchit Clang. Lentement tournées tout au long de la journée, les chaises sont orientées vers des directions propices, enregistrant le temps de manière presque imperceptible. Pour Zhu-Nowell, l'œuvre est emblématique de la manière dont des changements temporels minimes peuvent altérer la perception. “Ce petit ajustement rend visibles les recalibrages quotidiens par lesquels nous nous orientons au sein de structures qui bougent généralement trop vite pour être perçues.” Les visiteurs sont invités à s'asseoir, se reposer ou simplement observer — qu'ils soient fatigués par la foire ou en quête d'un moment d'alignement — permettant à la tranquillité domestique d'entrer dans un environnement à haute énergie, non pas comme un refuge, mais comme un recalibrage.
Si Reading by an Artist concerne la présence, Table of Inquiry concerne l'accumulation. Les questions soumises anonymement reçoivent une réponse manuscrite de Clang sur une surface de table grandissante. Au fil du temps, la table devient une archive de préoccupations collectives — lestée par des pierres, des questions et des réponses. Il la décrit comme “une collaboration entre le participant et moi-même”, permettant aux individus de rencontrer non seulement leurs propres questions, mais aussi celles des autres, réfractées à travers le temps.
Above L'artiste singapourien John Clang, figure de la scène artistique (Photo : John Clang et Fost Gallery)
L'artiste singapourien John Clang, figure de la scène artistique (Photo : John Clang et Fost Gallery)
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Le secteur de l'art de la performance comprend également des interventions improvisées de Brian Fuata, un artiste samoan né à Aotearoa et basé en Australie, dont les apparitions vont et viennent “à travers la foire comme la météo — parfois présentes, parfois en retrait”. Zhu-Nowell décrit le travail de Fuata comme introduisant “un mode temporel différent”, qui répond directement aux conditions sociales et physiques du site, déstabilisant davantage les attentes concernant ce que peut être la performance dans une foire.
Étendant cette attention à la durée au-delà de la rencontre en direct, le programme de films de Zhu-Nowell pour Art SG — “Would You Tell Me a Story Until I Fall Asleep?” — réimagine le cinéma comme un espace de contemplation. Conçu comme un lieu de dérive, c'est, selon leurs mots, “une invitation à rêver ou à faire une sieste” à l'intérieur de l'ArtScience Museum — une proposition radicale dans la logique d'une foire d'art.
Dans l'obscurité, les images se déploient lentement. Deep Sleep de Basma Alsharif dérive entre transe et géographie ; You May Own the Lanterns, but We Have the Light (Ep 1) de Haig Aivazian transforme le black-out en méditation sur l'illumination et les infrastructures invisibles. Les œuvres de Lêna Bùi, Marcel Odenbach et Rebekka Friedli naviguent entre réincarnation, rupture historique et lumière fragile, tandis que Sim Chi Yin, Geoffrey Pugen, Samson Young et Lo Lai Lai Natalie sondent la mémoire, la croyance et le deuil. Collectivement, ils nous rappellent que les images — comme le sommeil — se vivent en communauté, et non seul.
Above Image tirée de l'œuvre “Time Travels with a Rotten Suitcase” (2025) de l'artiste singapourienne Sim Chi Yin (Photo : Sim Chi Yin et Zilberman Gallery)
Image tirée de l'œuvre “Time Travels with a Rotten Suitcase” (2025) de l'artiste singapourienne Sim Chi Yin (Photo : Sim Chi Yin et Zilberman Gallery)
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Au-delà de la foire elle-même, la logique curatoriale de Zhu-Nowell s'étend à travers Wan Hai Hotel: Singapore Strait, une collaboration entre le RAM et Art SG qui se déroule simultanément du 22 au 25 janvier. Transformant le hall de The Warehouse Hotel sur Robertson Quay en un environnement d'exposition immersif, le projet marque la première présentation de ce modèle hors de Shanghai et introduit l'hospitalité comme partie intégrante de la conception d'expositions.
“Un hôtel est un espace intermédiaire — intime mais anonyme, domestique mais public”, note Zhu-Nowell. Dans un tel cadre, le temps ralentit, les visiteurs s'engagent avec le film ou la performance selon leurs propres termes, et l'expérience semble ouverte et accueillante plutôt que contrôlée ou instructive.
L'exposition rassemble des artistes d'Asie du Sud-Est, d'Australasie et d'Asie-Pacifique dont les pratiques s'engagent dans une pensée archipélagique et une identité maritime. Les œuvres de Stephanie Comilang, Ho Tzu Nyen, Wantanee Siripattananuntakul, Ming Wong, Robert Zhao, Dawn Ng et Hoo Fan Chon se déploient aux côtés de performances de Joshua Serafin, Bhenji Ra et John Clang. Des programmes de films, des installations in situ et des rassemblements dirigés par des artistes activent l'hôtel comme une structure vivante plutôt que comme un conteneur neutre.
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Above L'œuvre “Relics An Eye Once Blind” (2025) de l'artiste philippin Joshua Serafin (Photo : Rockbund Art Museum)
L'œuvre “Relics An Eye Once Blind” (2025) de l'artiste philippin Joshua Serafin (Photo : Rockbund Art Museum)
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Pour Clang, performer au sein d'un hôtel introduit un registre émotionnel différent. Retirée des conventions du "cube blanc", l'œuvre peut initialement être confondue avec un rituel familier avant de révéler son sérieux et sa profondeur. “On pense que ça pourrait être amusant”, dit-il, “et puis on s'assoit et on réalise à quel point c'est sérieux.” Ce moment — où l'attente cède la place à l'attention — est précisément là où le sens s'accumule. Les participants, observe-t-il, repartent souvent avec “une découverte très profonde sur leur vie”, une expérience qui perdure bien au-delà de la rencontre elle-même.
À travers Art SG et Wan Hai Hotel: Singapore Strait, le contexte devient une variable critique. La même œuvre résonne différemment dans la temporalité compressée d'une foire et l'atmosphère durable d'un hôtel patrimonial. Les chaises deviennent des lieux de repos ; les tables deviennent des archives ; les conversations deviennent des portraits. La valeur n'émerge pas par la possession, mais par la présence.
Above Une visiteuse lors de l'édition 2025 d'Art SG, la principale foire internationale d'art d'Asie du Sud-Est (Photo : Art SG)
Une visiteuse lors de l'édition 2025 d'Art SG, la principale foire internationale d'art d'Asie du Sud-Est (Photo : Art SG)
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À un niveau plus large, les interventions de Zhu-Nowell signalent un recalibrage au sein de l'écologie artistique de l'Asie du Sud-Est. Alors qu'Art SG continue de mûrir — co-présentant désormais Sea Focus et réunissant plus de 100 galeries de plus de 30 pays et territoires — la formalisation de la performance redéfinit ce qu'une foire d'art peut être : plus qu'un marché, elle devient un site de rencontre soutenue, de risque et de réflexion.
Les questions curatoriales les plus pressantes, suggère Zhu-Nowell, ne portent plus sur ce qui est montré, mais sur comment, où et pour qui l'art se déploie. En réimaginant la foire comme une structure temporelle — qui façonne la manière dont l'art est rencontré — ils invitent collectionneurs et publics à ralentir, à écouter et à reconsidérer ce que signifie être présent.
En tant que rédactrice en chef de Tatler Singapour , Hashirin promeut et affine l'art du récit sur toutes les plateformes, en sélectionnant et en créant des portraits, des articles de couverture et des reportages captivants qui mettent en lumière des visionnaires qui façonnent la culture, le monde des affaires et l'impact social. Animée par la curiosité, elle puise son inspiration auprès des artistes , des acteurs du changement et des pionniers qu'elle rencontre dans le cadre de son travail. En dehors des pages de Tatler , elle soutient activement le théâtre local et prend plaisir à découvrir l'art dans chaque ville qu'elle visite.
