Critique Tatler : “Arirang” de BTS, entre identité, création et le poids de la pop mondiale

2.0 réintroduit une véritable propulsion. Hybride de production hip-hop et électronique, ce titre se veut autoréférentiel, son nom même suggérant une itération. La ligne rap (RM, Suga et J-Hope) livre des couplets qui rappellent la cadence d'anciens morceaux comme Dope, Mic Drop ou, pour les auditeurs plus pointus—la série des Cypher ou le titre culte de Soundcloud Ddaeng. Pourtant, 2.0 est repensé à travers le prisme d'artistes qui ne cherchent plus la validation de l'Occident.

Au-delà de ces titres, Normal s'impose comme l'une des digressions les plus frappantes de l'album : un morceau R&B sombre qui confronte la dissonance de la célébrité mondiale avec une franchise inhabituelle, allant jusqu'à intégrer quelques rares jurons pour souligner l'urgence de son thème. Parallèlement, Merry Go Round et Aliens prolongent la critique de l'industrie des idoles portée par l'album, dépeignant sa nature cyclique et ses effets isolants.

Le morceau de clôture, Into the Sun, est peut-être la conclusion la plus poignante de l'album. Teinté de vocoder et d'une tonalité fataliste, il se lit à la fois comme un vœu et une reddition, un engagement envers leur public et les uns envers les autres, même face aux changements inéluctables. Cette fin est idéale pour un album qui s'interroge sur qui et ce que BTS est aujourd'hui. Elle concrétise le fardeau du groupe : ils demeurent, comme RM le dit souvent, “juste quelques garçons de Corée”. Il est facile d'imaginer ce morceau comme un candidat idéal pour clôturer les concerts ; Mikrokosmos pourrait bien avoir trouvé son remplaçant.

On observe un éloignement conscient de l'éclat de leur phase “pop américaine”, vers un recentrage sur l'identité culturelle coréenne. Pourtant, il ne s'agit pas d'une régression ; c'est une intégration. L'album synthétise leurs expériences mondiales avec leurs origines, plutôt que de privilégier l'une au détriment de l'autre.

Le rôle de la distance est tout aussi significatif. La période d'activités individuelles a engendré une dynamique de groupe qui semble moins monolithique et plus axée sur le dialogue, sept voix artistiques distinctes en pleine conversation. L'alchimie demeure, mais elle est désormais sous-tendue par une véritable autonomie. 

Le concept purement coréen de han—un registre émotionnel complexe englobant la nostalgie, la résilience et le deuil non résolu—traverse l'album. Il est particulièrement évident dans les morceaux qui abordent le prix de la célébrité : le sentiment d'aliénation, la répétition, la dissonance silencieuse entre l'image publique et la réalité privée.

BTS, comme l'affirme affectueusement le président de Hybe dans le documentaire Netflix BTS: The Return, est un groupe “unique dans une vie”. Et c'est précisément cette pression, tant interne qu'externe, que décortique Arirang.

Sans surprise, l'album a été accueilli à la fois par des éloges et des débats. Les critiques ont souligné son utilisation intensive du traitement vocal et son parti pris évident pour le rap et le hip-hop.

Sur le plan commercial, cependant, l'impact de l'album est indéniable : des chiffres de streaming records, une domination des classements mondiaux et une réaffirmation de la portée inégalée de BTS, malgré une pause de quatre ans. 

Leur retour sur scène est tout aussi significatif. La performance de retour du groupe sur la place Gwanghwamun, un espace civique hautement symbolique, replace BTS au cœur même de Séoul, un geste qui reflète parfaitement le retour aux sources thématique de l'album.

Arirang n'est pas conçu pour l'immédiateté. C'est une œuvre qui privilégie la structure, l'intention et la réflexion—un album qui exige un véritable engagement plutôt qu'une consommation passive.

Pour BTS, cela fonctionne à la fois comme une consolidation et un manifeste. Il ne leur reste plus grand-chose à prouver à l'Occident. Ce qui demeure—et ce qu'Arirang articule avec une clarté absolue—c'est leur dialogue permanent avec eux-mêmes, leur culture et leur public, les ARMY.

Dans l'ensemble, Arirang peut sembler inabouti pour certains, en raison de sa liste de morceaux mélangeant les genres et les langues, mais c'est peut-être exactement ce que le groupe a l'intention de dire. C'est ce qu'ils sont aujourd'hui—diversifiés et en plein discours avec le passé et l'avenir. C'est une thèse de ce que représente BTS aujourd'hui.

Depuis leurs humbles débuts, partageant des lits superposés et dansant devant une poignée de spectateurs, jusqu'à leur renommée mondiale, dansant à Grand Central Station et au musée Guggenheim avec un public inégalé ; Arirang est leur tentative honnête de se réapproprier qui ils sont. Les sept membres se penchent sur leurs racines artistiques et posent la question : qui sommes-nous maintenant ? Et surtout, que voulons-nous devenir ? 

L'album Arirang se vit mieux comme une conversation—un dialogue continu entre BTS et son public. Pour un groupe qui a longtemps considéré les ARMY comme son huitième membre non officiel, chaque choix créatif porte un courant sous-jacent de loyauté, d'intimité et d'histoire partagée.

Cet album s'adresse directement aux fans qui ont été témoins de leur évolution—de No More Dream à Swim—un récit bouclé façonné tout autant par les artistes que par la communauté qui a grandi à leurs côtés.

En matière de retours, Arirang ressemble à un triomphe qui se dévoile lentement. Mais BTS ne semble plus trop se soucier de dominer les classements. Si l'on se fie au documentaire Netflix, le septuor s'oriente désormais vers la construction d'un héritage durable, cherchant l'art au milieu de la machine de la célébrité mondiale. Comme Jimin le chante dans le morceau Normal, “heavy is the head, when you chasin’ true” (lourde est la tête, quand on poursuit la vérité). Et cette vérité, en tant qu'artistes et en tant qu'individus, est exactement ce que BTS continue de découvrir alors qu'ils font leur grand retour sur scène et à leur art.

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