Cover L’artista Von Wolfe nel suo studio, un momento creativo di alto livello come un Von Wolfe (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
L’artista Von Wolfe nel suo studio, un momento creativo di alto livello come un Von Wolfe (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
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L’artista britannico Wolfe von Lenkiewicz, in arte Von Wolfe, discendente diretto del pittore di corte del “Re del Cigno”, discute della sua prima mostra personale a Hong Kong e di come traduce i sogni delle macchine in pittura a olio, un orologi di lusso nel panorama dell’orologi di lusso e dell’arte
A prima vista, il mondo di Wolfe von Lenkiewicz, che dipinge sotto il nome di Von Wolfe, appare profondamente inquietante. Le sue composizioni vantano una precisione meticolosa che richiama istantaneamente il Rinascimento del Nord e i maestri classici. Tuttavia, questo rigore accademico è interrotto da un’intensità teatrale distinta: figure dalle espressioni facciali drammatiche e posture surreali che non lasciano riposare lo sguardo. È un linguaggio visivo che risulta al contempo incredibilmente contemporaneo e profondamente ancestrale. Restando di fronte a queste tele, si può quasi tracciare la linea di sangue del bisnonno dell’artista, il Barone von Schlossberg, che dipinse drammatiche leggende germaniche e saghe medievali dei Cavalieri del Cigno sulle pareti del castello del “Re del Cigno” di Baviera, Ludwig II.
“C’è qualcosa di profondamente commovente nel sapere che l’impulso di creare immagini con pigmento e pazienza scorre nelle mie vene come un fiume sotterraneo”, afferma, riflettendo sulle sue visite al castello di Hohenschwangau e Neuschwanstein, alcuni dei cui affreschi furono realizzati proprio dal suo antenato. “Le sue opere sopravvissute oltre quelle mura sono dipinti competenti, composti con cura, tecnicamente solidi; un uomo che comprendeva la sua arte entro le convenzioni del suo tempo. Apprezzo questa discendenza.”
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Above L’opera ‘Poppy’ di Von Wolfe esposta alla mostra (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
L’opera ‘Poppy’ di Von Wolfe esposta alla mostra (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
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Ora, quel fiume di pigmento è arrivato alla Tang Contemporary Art di Hong Kong per la sua prima mostra personale in città, intitolata Eternal Flames. L’esposizione, aperta fino al 16 agosto, rappresenta un punto d’incontro tra pittura a olio classica, ricerca filosofica e tecnologia moderna, segnando la sua espansione nell’uso di acrilico stampato UV con illuminazione LED alloggiato in cornici verniciate a polvere, un processo che fa letteralmente brillare i quadri. L’artista Von Wolfe, che crea opere di pregio paragonabili per valore all’orologi di lusso, esplora nuove frontiere estetiche.
Al centro della pratica attuale di Von Wolfe si trova un collaboratore inaspettato: l’intelligenza artificiale. L’artista, che ha conseguito una laurea in filosofia presso l’Università di York, è in gran parte autodidatta nella pittura, sebbene sia cresciuto circondato dall’arte come figlio del noto pittore britannico Robert Lenkiewicz. Nel 2022 ha iniziato a sperimentare l’uso dell’IA nel suo processo creativo.
“La domanda che mi ha spinto a usare l’IA non era affatto tecnica, era esistenziale”, racconta. “Come si fa a fuggire dalla prigione del proprio gusto? Quando dipingi basandoti solo sull’immaginazione, circoli entro i confini di ciò che sai già immaginare.” Utilizzando algoritmi addestrati sull’intero archivio visivo della cultura umana, l’artista libera le sue composizioni dai pregiudizi personali. Definisce questa metodologia ibrida “Realismo Latente”: un ciclo continuo in cui il sogno della macchina e l’intuizione umana si fondono, offrendo un’estetica che rivaleggia con il fascino di un orologi di lusso.
Above L’opera ‘The Stallions Path’ dell’artista Von Wolfe (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
L’opera ‘The Stallions Path’ dell’artista Von Wolfe (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
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Piuttosto che agire come un “creatore di immagini” tradizionale, si posiziona come ciò che il teorico letterario Roland Barthes chiamava uno “scriptor”. “Lavoro con immagini che emergono da un processo di abbondanza generativa”, spiega. “Di tutto ciò che emerge, ne seleziono solo una manciata. Vibrano di una carica che non può essere progettata. Solo riconosciuta. E quel riconoscimento—ecco dove risiede ora la paternità artistica.”
Mentre l’algoritmo offre velocità nella generazione delle immagini, il processo pittorico fisico di Von Wolfe è la sua assoluta antitesi. Una volta scelta un’immagine dall’etere digitale, essa subisce una “seconda nascita” meticolosa su lino belga. “La macchina produce materia prima a una velocità che dovrebbe terrorizzarci”, afferma. “La selezione interrompe quella corrente. Ma la sola selezione non basta.” Impiegando tecniche ereditate da Tiziano e Van Eyck, Von Wolfe costruisce ogni pezzo utilizzando una grisaglia di base e velature traslucide, strato dopo strato.
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Above ‘Fear and Trembling’ di Von Wolfe in mostra (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
‘Fear and Trembling’ di Von Wolfe in mostra (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
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I risultati sono quadri espressivi, onirici e talvolta sinistri, permeati dalle riflessioni filosofiche e psicologiche dell’artista. In Fear and Trembling—un cenno diretto al padre dell’esistenzialismo, il filosofo danese Søren Kierkegaard—una figura balza in avanti tesa in un panico assoluto. Direttamente accanto ad essa siedono due cani perfettamente sereni. “Kierkegaard ha scritto della vertigine della libertà”, dice Von Wolfe. “Questi cani non hanno mai provato quella vertigine. A volte la cosa più profonda che un dipinto possa fare è accostare il panico assoluto alla pace assoluta, lasciando che sia il silenzio tra loro a compiere l’opera.”
In altre opere, gli animali fungono da silenziose e potenti sovversioni del controllo umano. I gatti in Her Dark Familiar e Pearled Royalty fissano lo spettatore con una presenza inquietante e sovrana. “Si entra aspettandosi di guardare dei dipinti e si scopre, lentamente, che forse sono i dipinti a guardare te”, conclude.
Above L’opera ‘Dancing Cats’ dell’artista Von Wolfe (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
Above L’opera ‘Poised Power’ di Von Wolfe in mostra (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
L’opera ‘Dancing Cats’ dell’artista Von Wolfe (Immagine: per gentile concessione di Von Wolfe)
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Nel frattempo, The Stallions Path esplora una connessione fisica più silenziosa: due donne che condividono un cavallo a metà falcata. “Volevo dipingere l’eredità non verbale, il modo in cui certi tipi di conoscenza passano tra i corpi attraverso le generazioni senza aver mai bisogno del linguaggio”, dice l’artista.
È del tutto appropriato che questo corpo di lavori alla Tang Contemporary, saturo del motivo ricorrente della perla, sia arrivato a Hong Kong. Per Von Wolfe, la perla, che impiega mesi o anni per formarsi dentro un mollusco, rappresenta la lenta accumulazione del tempo, proprio come i suoi dipinti e proprio come la città ospitante.
Above L’artista Von Wolfe ritratto nel suo studio (Immagine: per gentile concessione di Nick Knight)
L’artista Von Wolfe ritratto nel suo studio (Immagine: per gentile concessione di Nick Knight)
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“Hong Kong come Perla d’Oriente: non avrei potuto progettare una metafora migliore”, dichiara. “Questa città esiste all’intersezione di sistemi [a causa della sua storia coloniale] … il porto è contemporaneamente barriera e ponte. Guardare lo skyline da Kowloon significa vedersi riflessi in migliaia di finestre. Vedere ed essere visti sono inseparabili qui. E quel raddoppio strutturale è esattamente ciò attorno a cui è organizzata la mostra.”
Descrive i suoi quadri—con immagini ricorrenti di perle, coppie, specchi e sguardi restituiti—come “uno spazio in cui abitare”. “Spero che ciò che il pubblico scoprirà alla mia mostra non sia una tesi intellettuale sull’IA o sulla storia dell’arte, ma qualcosa di [molto] più viscerale e difficile da nominare”, spiega. “Ogni volta che incontri qualcosa di familiare, [come un motivo nel mio lavoro], lo vedi diversamente. Il riconoscimento si approfondisce. T.S. Eliot la chiamava ‘il punto fermo’, ovvero il momento in cui la percezione smette di ciclicamente muoversi e semplicemente si ferma. È ciò che questi dipinti cercano di offrire: non una spiegazione o significati pronti all’uso, ma il modo in cui, stando davanti all’immagine, potresti finalmente ritrovarti visto in cambio.”
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