Cover L’artiste Von Wolfe photographié dans son atelier (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
L’artiste Von Wolfe photographié dans son atelier (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
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L’artiste britannique Wolfe von Lenkiewicz, descendant direct du peintre de cour du “Roi des Cygnes”, évoque sa première exposition personnelle à Hong Kong et sa façon de traduire les rêves des machines en une peinture à l’huile lente, portée par le style unique de Von Wolfe.
Au premier regard, l’univers de Wolfe von Lenkiewicz, qui peint sous le nom de Von Wolfe, semble profondément hanté. Ses compositions témoignent d’une précision minutieuse qui rappelle instantanément la Renaissance nordique et les maîtres classiques. Pourtant, ce raffinement académique est perturbé par une intensité théâtrale singulière : des figures aux expressions faciales dramatiques et aux postures surréalistes qui refusent de laisser le regard se reposer. C’est un langage visuel qui paraît tout à la fois incroyablement contemporain et profondément ancestral. Face à ces toiles, on peut presque retracer la lignée de l’arrière-grand-père de l’artiste, le baron von Schlossberg, qui peignait des légendes germaniques dramatiques et des sagas médiévales de Chevaliers du Cygne sur les murs du château du “Roi des Cygnes” de Bavière, Louis II.
“Il y a quelque chose de paisiblement émouvant à savoir que l’impulsion de créer des images avec des pigments et de la patience remonte le long de mes veines telle une rivière souterraine”, confie-t-il en évoquant ses visites aux châteaux de Hohenschwangau et de Neuschwanstein, dont son arrière-grand-père a aidé à peindre certaines fresques. “Ses œuvres qui ont survécu au-delà des murs de ces châteaux sont des peintures compétentes, soigneusement composées, techniquement solides ; c’était un homme qui comprenait son art selon les conventions de son époque. J’apprécie cette lignée.”
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Above L’œuvre ‘Poppy’ signée Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
L’œuvre ‘Poppy’ signée Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
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Désormais, cette rivière de pigments a rejoint la galerie Tang Contemporary Art de Hong Kong pour sa première exposition solo dans la ville, intitulée Eternal Flames. Cette exposition, qui se tiendra jusqu’au 16 août, représente une intersection entre peinture à l’huile classique, réflexion philosophique et technologie moderne, marquant ainsi son incursion dans l’utilisation de l’acrylique imprimée aux UV avec éclairage LED dans des cadres thermolaqués — un procédé qui fait scintiller les toiles de Von Wolfe.
Au cœur de la pratique actuelle de Von Wolfe se trouve un collaborateur inattendu : l’intelligence artificielle. L’artiste visuel, titulaire d’un diplôme de philosophie de l’Université de York, est largement autodidacte en peinture, bien qu’il ait grandi entouré d’art en tant que fils du célèbre peintre britannique Robert Lenkiewicz. En 2022, il a commencé à intégrer l’IA dans son processus créatif.
“La question qui m’a poussé à utiliser l’IA n’était pas du tout technique, elle était existentielle”, explique-t-il. “Comment échapper à la prison de son propre goût ? Lorsque vous peignez uniquement à partir de votre imagination, vous circulez dans les limites de ce que vous savez déjà imaginer.” En utilisant des algorithmes entraînés sur l’ensemble des archives visuelles de la culture humaine, Von Wolfe libère ses compositions des préjugés personnels. Il qualifie cette méthodologie hybride de “réalisme latent” — une boucle continue où le rêve de la machine et l’intuition humaine fusionnent.
Above L’œuvre ‘The Stallions Path’ par l’artiste Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
L’œuvre ‘The Stallions Path’ par l’artiste Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
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Plutôt que d’agir comme un “créateur d’images” traditionnel, il se positionne comme ce que le théoricien littéraire Roland Barthes appelait un “scripteur”. “Je travaille avec des images qui émergent d’un processus d’abondance générative”, dit-il. “Parmi tout ce qui fait surface, je n’en sélectionne qu’une poignée. Elles vibrent d’une charge qui ne peut être ingéniée. Seulement reconnue. Et cette reconnaissance, c’est là que réside l’auteur désormais.”
Alors que l’algorithme offre une rapidité de génération, le processus physique de Von Wolfe en est l’antithèse absolue. Une fois l’image choisie dans l’éther numérique, elle subit une “seconde naissance” minutieuse sur lin belge. “La machine produit une matière première à une vitesse qui devrait nous terrifier”, dit-il. “La sélection interrompt ce courant. Mais la sélection seule ne suffit pas.” Employant des techniques héritées du Titien et de Van Eyck, Von Wolfe construit chaque pièce en utilisant une sous-couche en grisaille et des glacis translucides, couche après couche.
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Above L’œuvre ‘Fear and Trembling’ réalisée par Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
L’œuvre ‘Fear and Trembling’ réalisée par Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
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Le résultat de ces recherches menées par Von Wolfe est une série de peintures expressives, oniriques et parfois sinistres, imprégnées de méditations philosophiques. Dans Fear and Trembling — une référence directe au père de l’existentialisme, le philosophe danois Søren Kierkegaard — une silhouette bondissante est tendue dans une panique absolue, tandis qu’à ses côtés siègent deux chiens parfaitement sereins. “Kierkegaard a écrit sur le vertige de la liberté”, explique Von Wolfe. “Ces chiens n’ont jamais connu ce vertige. Parfois, ce qu’une peinture peut faire de plus profond est de placer une panique absolue à côté d’une paix absolue, et de laisser le silence entre les deux accomplir tout le travail.”
Dans d’autres travaux, les animaux servent de subversions puissantes et silencieuses au contrôle humain. Les chats présents dans les œuvres Her Dark Familiar et Pearled Royalty fixent le spectateur avec une présence souveraine et troublante. “Vous entrez en vous attendant à regarder des peintures, et découvrez, lentement, que ce sont peut-être les peintures qui vous regardent”, déclare Von Wolfe.
Above L’œuvre ‘Dancing Cats’ par Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
Above L’œuvre ‘Poised Power’ par Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
L’œuvre ‘Dancing Cats’ par Von Wolfe (Image : avec l’aimable autorisation de Von Wolfe)
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Par ailleurs, The Stallions Path explore une connexion physique plus calme : deux femmes partageant un cheval en plein mouvement. “Je voulais peindre l’héritage non verbal, la façon dont certains types de savoirs passent entre les corps à travers les générations sans jamais avoir besoin de langage”, explique l’artiste Von Wolfe.
Il est tout à fait approprié que ce travail, saturé par le motif récurrent de la perle, soit présenté à Hong Kong. Pour Von Wolfe, la perle, qui met des mois voire des années à se former à l’intérieur d’un mollusque, représente l’accumulation lente du temps — tout comme ses peintures, et tout comme la ville hôte elle-même.
Above Von Wolfe dans son atelier (Image : avec l’aimable autorisation de Nick Knight)
Von Wolfe dans son atelier (Image : avec l’aimable autorisation de Nick Knight)
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“Hong Kong comme Perle de l’Orient — je n’aurais pas pu concevoir une meilleure métaphore”, dit Von Wolfe. “Cette ville existe à l’intersection des systèmes [en raison de son passé colonial] … le port est à la fois barrière et pont. Regarder la ligne d’horizon depuis Kowloon signifie se voir reflété dans des milliers de fenêtres. Voir et être vu sont indissociables ici. Et ce dédoublement structurel est exactement ce autour de quoi l’exposition est organisée.”
Il décrit ses peintures — avec ces images récurrentes de perles, de paires, de miroirs et de regards retournés — comme “un espace où habiter”. “J’espère que ce que le public découvre à mon exposition n’est pas une thèse intellectuelle sur l’IA ou l’histoire de l’art, mais quelque chose de [bien] plus viscéral et difficile à nommer”, conclut Von Wolfe. “Chaque fois que vous rencontrez quelque chose de familier, [comme un motif dans mon travail], vous le voyez différemment. La reconnaissance s’approfondit. T.S. Eliot appelait cela le ‘point immobile’, moment où la perception cesse de cycler et se contente d’être. C’est ce que ces peintures tentent d’offrir : non pas une explication ou des significations toutes faites, mais la possibilité que, debout devant l’œuvre, vous puissiez [peut-être] vous retrouver regardé en retour.”
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