Biennale de Venise 2026 : l'artiste singapourienne Amanda Heng et la genèse de “A Pause”

Cette vision s'imposait déjà dans sa première série photographique Parts of My Body (1990), qui utilisait des plans rapprochés de ses membres et articulations pour affirmer le corps comme une réalité tangible : un espace d'action plutôt que de simple représentation. Ses œuvres ultérieures ont étendu ce langage vers l'espace social. Let's Chat (depuis 1996), Let's Walk (depuis 1999) et Walking the Stool (1999-2000) s'appuient toutes sur des actions simples et quotidiennes pour observer comment les individus vont les uns vers les autres, comment la bienveillance s'exprime et comment la vie publique est façonnée par les habitudes, l'architecture et les codes tacites.

À travers la performance, l'installation, la photographie et les actes participatifs, sa démarche artistique ne s'est jamais construite sur des revirements soudains ou de grandes déclarations. Elle progresse plutôt par la récurrence : le corps, le quotidien, la rencontre sociale, et la question de la formation de l'identité en lien avec la famille, le genre, l'histoire et le lieu.

L'artiste évoque ces gestes avec une clarté remarquable. “Les expériences vécues sont des ressources concrètes et ancrées qui ont d'innombrables histoires à raconter”, confie-t-elle. “Chaque individu porte quelque chose en lui. Un corps sans histoire n'est qu'un cadavre ou une coquille vide.” Cette formulation saisissante constitue sans doute la clé de voûte de son travail. Dans son œuvre, le quotidien n'est jamais anecdotique. Il devient la matière même à travers laquelle la mémoire, les valeurs, les relations et les pressions sociales prennent forme.

Cette compréhension est intimement liée à sa propre trajectoire de vie. Amanda Heng est venue à l'art plus tardivement que la plupart de ses pairs, avec une détermination sans faille. À l'aube de la quarantaine, elle quitte son poste d'inspectrice des impôts et s'inscrit au Lasalle College of the Arts en 1986 pour y étudier la gravure. “J'avais atteint un point de non-retour”, se souvient l'artiste singapourienne aujourd'hui âgée de 75 ans. “Si je n'essayais pas, je le regretterais toute ma vie.” Cette confession éclaire la nature même de sa pratique. Elle s'est tournée vers l'art car il lui offrait un espace suffisamment vaste pour accueillir les questionnements que la vie ordinaire ne pouvait contenir.

Elle décrit le Singapour des années 1980 comme “étouffant — un lieu où tout est programmé”. Les voyages ont bouleversé sa perception des échelles ; une fois à l'étranger, dit-elle, “tout s'ouvre”. Durant cette période d'incertitude, elle a parcouru l'Europe sac au dos, revenant sans plan précis mais portée par le courage et l'enthousiasme de forger sa propre voie. Son art s'attachera dès lors à refuser les rôles imposés, tout comme elle avait rejeté le scénario de la vie de bureau. Elle y a trouvé non seulement une discipline, mais une véritable méthode d'introspection.

Cette quête de soi s'est rapidement élargie. La pratique d'Amanda Heng a débuté par des interrogations sur l'identité et l'évolution de l'identité singapourienne dans les années qui ont suivi l'indépendance. “La question de savoir qui je suis, ce qu'est un Singapourien, ce qu'est un Chinois”, explique-t-elle, a germé des transformations sociales fulgurantes de cette époque.

L'art est devenu le refuge idéal pour explorer l'ascendance, l'histoire, le genre et l'appartenance. Rares sont les œuvres qui incarnent cela avec autant d'émotion que Another Woman, une série photographique de longue haleine réalisée avec sa mère en 1996, 2014 et 2023. Amanda Heng raconte s'être tournée vers sa mère en explorant son identité de genre et son héritage culturel, cherchant à comprendre “ce qu'elle avait hérité et ce avec quoi j'étais née”. S'en sont suivies près de trois décennies de collaboration, jusqu'au décès de sa mère en 2023. L'œuvre, que l'on pourra certainement redécouvrir à la Biennale de Venise 2026, se lit aujourd'hui comme une quête et une réconciliation : le témoignage d'une intimité intergénérationnelle façonnée par le temps à travers ces portraits maternels répétés.

Sa contribution à l'histoire de l'art singapourien est tout aussi remarquable. Elle a cofondé The Artists Village en 1988, contribuant ainsi à façonner l'une des communautés d'art expérimental les plus influentes du pays. Plus tard, en 1999, elle a initié Women in the Arts, le premier collectif de femmes artistes de Singapour. Ces deux initiatives étaient à la fois pratiques et intellectuelles. Elle constatait que les femmes artistes étaient présentes mais cruellement sous-estimées, et que l'éducation, la solidarité et la visibilité devaient être bâties, et non attendues. “Pourquoi les femmes ne pourraient-elles pas être des artistes sérieuses ? Pourquoi ne pouvons-nous pas être respectées au même titre que nos confrères masculins ?” se souvient-elle avoir demandé. La puissance de cette interrogation résonne encore aujourd'hui.

Il serait aisé de présenter l'installation A Pause comme la quintessence d'une carrière aussi prolifique. Il est d'autant plus fascinant d'observer comment Amanda Heng refuse cette étiquette. Aujourd'hui encore, elle perçoit la collaboration comme un processus plutôt qu'un aboutissement. Sa décision de s'associer à Selene Yap est née d'une expérience commune — notamment leur présentation de ses œuvres en 2024 au Benesse House Museum à Naoshima, au Japon, en tant que lauréate du Benesse Prize — et d'une ouverture aux infinies possibilités qu'offre un partenariat. “C'est un travail de collaboration”, affirme-t-elle. “C'est comme une toile blanche : vous y laissez une empreinte, et à partir de là, vous décidez de ce que deviennent votre expérience et votre expression.”

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L'œuvre A Pause métamorphose le Pavillon de Singapour, situé dans la Sale d'Armi de l'Arsenale, en un sanctuaire dédié au repos collectif et à la contemplation, inscrivant l'intérêt viscéral d'Amanda Heng pour le corps et le quotidien dans un registre profondément introspectif. L'essence même de Singapour s'invite à la Biennale de Venise 2026 par l'incarnation plutôt que par de vaines explications. L'artiste le résume avec simplicité : “Nous sommes tous des êtres humains.” Si les différences culturelles demeurent indéniables, l'expérience partagée l'est tout autant. Pour un public international, c'est peut-être là que réside la force tranquille de l'œuvre : traduire la réalité locale par la simple présence plutôt que par la représentation théâtrale.

Après quarante années de création, Amanda Heng demeure passionnée par ce que l'art peut accomplir au-delà des apparences. “Je crois qu'il ne s'agit pas seulement de l'œuvre que vous contemplez, mais bien plus de ce qui reste invisible”, souligne-t-elle. “Et de la manière dont vous touchez émotionnellement vos spectateurs.” C'est peut-être là que réside l'essence de son héritage. Il se trouve dans sa capacité à apprendre au public à observer avec une attention renouvelée : les corps, les relations humaines, les rouages invisibles de la vie quotidienne. Mais aussi le temps lui-même, tel qu'il se vit au jour le jour. À Venise, dans le tourbillon frénétique de la scène internationale, Amanda Heng offre une expérience infiniment plus précieuse qu'un simple spectacle. Elle nous offre la discipline de la pause.

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