Venedig Biennale 2026: Die singapurische Künstlerin Amanda Heng über die Praxis hinter “A Pause”

Dies zeigte sich bereits in der frühen fotografischen Serie Parts of My Body aus dem Jahr 1990, in der sie direkte Nahaufnahmen ihrer Gliedmaßen und Gelenke nutzte, um den Körper als unumstößliche Tatsache zu behaupten: als einen Ort der Handlungsmacht und nicht der bloßen Zurschaustellung. Spätere Arbeiten weiteten diese Ausdrucksform auf den sozialen Raum aus. Let’s Chat (seit 1996), Let’s Walk (seit 1999) und Walking the Stool (1999–2000) nutzen allesamt einfache, alltägliche Handlungen, um zu ergründen, wie Menschen aufeinander zugehen, wie Fürsorge ausgedrückt wird und wie das öffentliche Leben durch Gewohnheiten, Architektur und ungeschriebene Regeln geformt wird.

Über Performances, Installationen, Fotografie und partizipative Aktionen hinweg basierte ihre Praxis niemals auf plötzlichen Wendungen oder grandiosen Erklärungen. Vielmehr bewegt sie sich durch stetige Wiederholung: der Körper, das Alltägliche, die soziale Begegnung und die tiefgreifende Frage, wie Identität in Bezug auf Familie, Geschlecht, Geschichte und Ort geformt wird.

Heng spricht über diese Gesten mit außergewöhnlicher Klarheit. “Gelebte Erfahrungen sind konkrete und geerdete Ressourcen mit vielen Geschichten, die es zu erzählen gilt”, sagt sie. “Jedes Individuum trägt etwas in sich. Ein Körper ohne Geschichte ist nur eine Leiche oder eine leere Hülle.” Es ist eine fesselnde Formulierung und vielleicht der deutlichste Schlüssel zu ihrer Praxis. In ihrem Werk ist das Alltägliche niemals nebensächlich. Es ist vielmehr das Material, durch das Erinnerungen, Werte, Beziehungen und soziale Spannungen überhaupt erst sichtbar werden.

Dieses tiefgehende Verständnis ist eng mit dem Verlauf ihres eigenen Lebens verknüpft. Heng fand, anders als viele andere Künstler, erst spät, aber mit einer äußerst klaren Zielstrebigkeit zur Kunst. Ende dreißig gab sie ihre Stelle als Steuerbeamtin auf und schrieb sich 1986 am Lasalle College of the Arts ein, um Druckgrafik zu studieren. “Ich wurde an einen Punkt gedrängt, an dem es um alles oder nichts ging”, erinnert sich die heute 75-jährige singapurische Künstlerin. “Wenn ich es nicht versucht hätte, würde ich es mein Leben lang bereuen.” Dieser Satz verdeutlicht die Natur ihres Schaffens. Sie verfolgte die Kunst, weil sie ihr einen Raum bot, der groß genug war, um all jene existentiellen Fragen aufzunehmen, für die das gewöhnliche Leben keinen Platz hatte.

Sie beschreibt Singapur in den 1980er Jahren als “erstickend — ein Ort, an dem alles vorgegeben ist”. Das Reisen veränderte ihr Gefühl für Dimensionen radikal; sobald man draußen sei, so sagt sie, “öffnet sich alles”. In dieser Zeit der Ungewissheit reiste sie mit dem Rucksack durch Europa und kehrte ohne festen Plan, jedoch mit dem Mut und der Begeisterung zurück, einen völlig neuen Weg einzuschlagen. Hengs Kunst sollte sich fortan vorgeschriebenen Rollen widersetzen, so wie sie sich einst dem engen Drehbuch des Büroalltags widersetzt hatte. Was sie fand, war nicht nur eine neue Disziplin, sondern eine weitreichende Methode, um darüber nachzudenken, wer sie wirklich war.

Diese Frage der Selbstfindung weitete sich schnell aus. Hengs Praxis begann mit Fragen der eigenen Identität und den sich stetig wandelnden Bedingungen des Singapurer-Seins in den herausfordernden Jahren nach der Unabhängigkeit. “Die Frage, wer ich bin, was singapurisch und was chinesisch ist”, sagt sie, erwuchs direkt aus den rasanten sozialen Umbrüchen jener Zeit.

Die Kunst wurde zu dem exklusiven Raum, in dem sie Herkunft, Geschichte, Geschlecht und Zugehörigkeit reflektieren konnte. Nur wenige Werke verkörpern dies bewegender als Another Woman, die eindrucksvolle fortlaufende Fotoserie, die in den Jahren 1996, 2014 und 2023 in intensiver Zusammenarbeit mit ihrer Mutter entstand. Heng erzählt, dass sie sich auf der Suche nach Geschlechtsidentität und kulturellem Erbe an ihre Mutter wandte, um zutiefst zu verstehen, “was sie geerbt hat und womit ich geboren wurde”. Was daraufhin folgte, waren fast drei Jahrzehnte der künstlerischen Zusammenarbeit, die bis zum Tod ihrer Mutter im Jahr 2023 andauerte. Das Werk liest sich heute als Untersuchung und Versöhnung zugleich: ein herausragendes Zeugnis der intergenerationellen Intimität, das im Laufe der Zeit durch immer wiederkehrende Porträts mit ihrer Mutter geformt wurde.

Ihr weitreichender Beitrag zur Kunstgeschichte Singapurs ist von ebenso immenser Bedeutung. Heng war 1988 Mitbegründerin von The Artists Village, wodurch sie maßgeblich dazu beitrug, eine der wichtigsten experimentellen Kunstgemeinschaften des Landes zu prägen, und initiierte später im Jahr 1999 Women in the Arts, Singapurs allererstes Kollektiv für Künstlerinnen. Beide mutigen Schritte waren zugleich praktisch und intellektuell motiviert. Sie erkannte messerscharf, dass Künstlerinnen zwar präsent, aber systematisch wenig gewürdigt waren, und dass Bildung, Solidarität und Sichtbarkeit aktiv aufgebaut werden mussten, anstatt passiv darauf zu warten. “Warum können Frauen keine ernsthaften Künstlerinnen sein? Warum können wir nicht wie andere männliche Künstler respektiert werden?”, erinnert sie sich an ihre damaligen bohrenden Fragen. Die beachtliche Kraft dieser Fragen ist bis heute uneingeschränkt spürbar.

Es wäre ein Leichtes, A Pause als die reine Essenz einer derart produktiven Karriere zu betrachten. Weitaus interessanter ist jedoch die Art und Weise, wie Heng sich genau dieser einfachen Einordnung entzieht. Noch heute spricht sie von der Zusammenarbeit eher als einem fortlaufenden Prozess denn als einem finalen Resultat. Ihre bewusste Entscheidung, auf der Venedig Biennale 2026 mit Yap zusammenzuarbeiten, erwuchs aus wertvollen gemeinsamen Erfahrungen — darunter die hochgelobte Präsentation von Hengs Werken im Benesse House Museum in Naoshima, Japan, im Jahr 2024, wo sie als Benesse-Preisträgerin gewürdigt wurde — und durch eine weitreichende Offenheit dafür, was eine solche Partnerschaft überhaupt ermöglichen könnte. “Es ist ein gemeinschaftlicher Prozess”, sagt sie. “Es gleicht einer weißen Leinwand — man setzt eine erste Markierung und entscheidet von dort aus, was aus der eigenen Erfahrung und dem Ausdruck am Ende wird.”

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A Pause verwandelt den Singapur-Pavillon in den Sale d’Armi des altehrwürdigen Arsenale in einen außergewöhnlichen Raum für kollektive Ruhe und Reflexion und überführt Hengs jahrzehntelanges Interesse am Körper und dem Alltäglichen auf der Venedig Biennale 2026 in ein noch kontemplativeres Register. Singapur manifestiert sich in Venedig somit eher durch leibhaftige Verkörperung als durch reine verbale Erklärung. Heng drückt es schlicht und ergreifend aus: “Wir sind alle Menschen.” Kulturelle Unterschiede bleiben selbstverständlich bestehen, aber ebenso die verbindenden gemeinsamen Erfahrungen. Für ein anspruchsvolles internationales Publikum mag dies die leiseste und zugleich stärkste Kraft des Werkes sein: das lokale Leben durch pure Präsenz anstatt durch eine künstliche Inszenierung zu vermitteln.

Nach vier Jahrzehnten ist Heng noch immer tief davon fasziniert, was Kunst unter der bloßen Oberfläche des Sichtbaren bewirken kann. “Ich denke, es ist nicht nur ein Kunstwerk, das man betrachtet, sondern vielmehr das, was man nicht sieht”, erklärt sie nachdrücklich. “Und wie man seine Betrachter auf einer wahrhaft emotionalen Ebene berührt.” Darin mag letztendlich auch der wahre Maßstab ihres Vermächtnisses liegen. Es zeigt sich vor allem darin, wie sie ihr Publikum eindrucksvoll gelehrt hat, sehr viel genauer hinzusehen: auf Körper, auf zwischenmenschliche Beziehungen, auf die oft unbeachteten Strukturen des alltäglichen Lebens. Und nicht zuletzt auf die Zeit selbst, wie sie tagtäglich gelebt wird. In Venedig, inmitten der pulsierenden Schnelllebigkeit einer Weltbühne, bietet Heng den Besuchern etwas weitaus Selteneres als ein flüchtiges Spektakel. Sie bietet die wertvolle Disziplin des Innehaltens.

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