“A Chorus Line” (2026) festigt die Position der Theatre Group Asia in der lokalen Theaterszene

Das Material selbst ist eine Zeitkapsel der Broadway-Industrie, doch die darin aufgeworfenen Themen bleiben bis heute bestehen und finden insbesondere bei People of Color, die um eine Chance auf der Bühne kämpfen, noch größeren Anklang. Es ist eine Ode an das unermüdliche Engagement, die wiederholten Ablehnungen und die pure Entschlossenheit, die erforderlich sind, um in der Kunst seinen Lebensunterhalt zu verdienen.

Da die lokale Theaterbranche jedoch derzeit floriert — zahlreiche neue Produktionen entstehen, Talente wechseln nahtlos von einer Bühne zur nächsten und ein mit digitalen Medien aufgewachsenes Publikum schätzt das mitreißende Erlebnis von Live-Auftritten zunehmend — wirken die Erzählstränge von A Chorus Line bei einer Aufführung in Manila mitunter leicht melodramatisch und fast übertrieben. Doch kann man die Realität ignorieren, dass die Theaterbranche dringend mehr Schutzmaßnahmen benötigt? Sollten diese Darsteller die Auswirkungen dieses “Booms” nicht viel greifbarer spüren, sei es durch finanzielle Sicherheit oder zumindest eine leise Aussicht auf Ruhm? Ganz zu schweigen von der dringenden Notwendigkeit, den Proberaum und die Bühne zu sicheren Orten zu machen, an denen Kreativität ungestört aufblühen kann.

Zweifellos gibt es Realitätsprüfungen, die die Entscheidung von TGA, ihre Saison 2025/2026 mit A Chorus Line abzuschließen, komplexer erscheinen lassen. Doch in einem Land, in dem Theaterschauspieler und Tänzer in Film, Theater und Fernsehen gleichermaßen aufblühen und die Bühnen oder Bildschirme mit Leben füllen, hat TGA seine Zielgruppe für diesen Saisonabschluss bereits sicher. Was letztendlich präsentiert wird, ist keine melodramatische Produktion, die lediglich “zu den ohnehin schon Überzeugten predigt”, sondern vielmehr eine zutiefst feierliche Darbietung. Es ist eine Inszenierung, die sich die populäre, von westlichen Werken und weißen Gesichtern dominierte Broadway-Industrie zu eigen macht. Sie lenkt den Fokus auf die eigenen Wurzeln der philippinischen Talente. Sie verleiht den Begriffen “global” oder “Weltklasse”, die oft mit philippinischem Talent assoziiert werden, in der eigenen Heimat eine neue Bedeutung und setzt ein klares Statement: Es spielt keine Rolle, ob wir keine Theaterindustrie wie den Broadway oder das West End haben. Wir besitzen das Talent, die Bandbreite und die feinen Nuancen — und das Publikum muss nicht weit reisen, um dies zu erleben.

Darsteller wie Conrad Ricamora haben offen über den ständigen Kampf gesprochen, Zugang zu Audition-Räumen zu erhalten und auf den Bühnen dieser Welt Fuß zu fassen. Diese international gefeierten Künstler in Manila zusammenzubringen, um eine Geschichte über den Kampf um Zugehörigkeit zu erzählen, wirkt unglaublich berührend. Es spiegelt das universelle Streben nach Leidenschaft wider und verdeutlicht die gemeinsamen Erfahrungen philippinischer Künstler, die über den gesamten Globus verstreut sind und nun auf heimischem Boden eine vereinte Stimme finden.

Darüber hinaus weicht Ricamoras Darstellung des Zach erfreulich von dem Stereotyp ab, dass Regisseure furchteinflößend sein müssen. Seine tiefe Stimme entspringt einer Aufrichtigkeit, die die individuelle Kraft jedes einzelnen Darstellers an die Oberfläche bringt. Getreu der Textvorlage wird deutlich, wie seine Geduld allmählich schwindet und sich Frustration breitmacht. Doch dies geschieht nicht aus dem egoistischen Wunsch nach Ruhm oder unter dem Druck, eine perfekte Show abzuliefern. Vielmehr formuliert seine Präsenz, strategisch inmitten des Publikums platziert, das Gefühl aller Anwesenden: Lasst uns den ungeschliffenen Diamanten in jedem einzelnen Darsteller erkennen.

Als echtes Broadway-Ausnahmetalent erfüllt deGuzman die Rolle der Cassie mit authentischer, gelebter Erfahrung — nachdem sie sich von Ensemble-Swings bis hin zu Hauptrollen wie Elphaba in Wicked hochgearbeitet hat. Ihre Interpretation von The Music and the Mirror ist durchdrungen von Sehnsucht und Verzweiflung, wobei sie die komplexen Tanzpassagen nicht nur als simple Schritte ausführt, sondern als tiefgreifenden Ausdruck von Cassies innerem emotionalen Zustand.

Die Emmy-Preisträgerin Karla Puno Garcia stellt sich einer enormen Herausforderung: Sie ehrt Michael Bennetts unantastbare, ikonische Originalchoreografie und verleiht ihr gleichzeitig eine frische, künstlerische Note. Dieses Vorhaben gelingt ihr auf faszinierende Weise. Garcia balanciert geschickt die hart umkämpfte Natur der Eröffnungsnummern mit der stimmigen, einheitlichen Vision des Finales. Ihre Choreografie ermöglicht es, dass die individuellen Persönlichkeiten der Darsteller durchscheinen, und beweist eindrucksvoll, dass eine Chorus Line nicht einfach nur ein Monolith ist, sondern eine facettenreiche Ansammlung herausragender Künstler, die sich als vollkommene Einheit bewegen.

Die gesamte Besetzung — ausgewählt durch eine rigorose weltweite Suche, die sich von New York über das Vereinigte Königreich bis zu den Philippinen erstreckte — funktioniert wie ein perfekt abgestimmter Motor. Zu den herausragenden Talenten gehören Christina Glur als die unverwüstliche Diana Morales, Universe Ramos, der Pauls herzzerreißend verletzlichen Monolog darbietet, sowie ein dynamisches Nebencast, das sicherstellt, dass der kurze Moment jedes Charakters im Rampenlicht optimal genutzt wird. Die anfängliche Zurückhaltung bei der Perfektion wirkt keinesfalls beabsichtigt. Sie hilft dem Publikum vielmehr zu erkennen, ob ein Charakter die Auditions überstehen würde. Dies macht die meisterhafte Umsetzung der Chorus-Line-Choreografie am Ende umso verdienter und zu einem wahrhaft befriedigenden Anblick, bei dem die strahlende Sonne unserer philippinischen Flagge als symbolträchtige Kulisse für unseren Nationalstolz dient.

Miguel Urbino respektiert die ikonische Ästhetik der kahlen Bühne und der verspiegelten Rückwand und kreiert eine unerbittliche Umgebung, in der sich die Schauspieler nicht verstecken können. Die Broadway-Lichtdesignerin Cha See formt die emotionale Landschaft mit meisterhafter Präzision. Da es keine aufwendigen Kulissen gibt, übernimmt ihr Lichtdesign die anspruchsvolle Aufgabe, Charaktere während ihrer intimen Monologe zu isolieren und bei den Ensemble-Nummern in voller Brillanz zu erstrahlen. Das Sounddesign von Megumi Katayama sorgt dafür, dass die rasanten Dialoge und inneren Gedanken kristallklar verständlich bleiben, während Kat Ibascos Kostüme die authentische, schweißtreibende Realität eines zermürbenden Tanz-Castings einfangen, bevor sie elegant in das schimmernde Gold des Finales übergehen.

Während sich das Ensemble auf eine kraftvolle Saison 2026/2027 vorbereitet — mit der internationalen Premiere von The Notebook: The Musical, einer neuen philippinischen Übersetzung des Welttheaterklassikers Bernarda Albas Haus von Federico García Lorca und dem beliebten Musical Sunday in the Park with George — bleibt zu erwarten, dass TGA uns weiterhin überraschen wird. Wird die Gruppe ihrer unverkennbaren Handschrift treu bleiben und philippinische Elemente in das Produktionsdesign einfließen lassen, wie sie es bereits in vergangenen Produktionen und bei A Chorus Line eindrucksvoll getan hat? Wenn ja, worauf dürfen wir uns noch freuen?

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