La obra “Master Class” de la Philippine Opera Company: 5 lecciones que los artistas deben aprender de Maria Callas

En una era de fama viral y sensaciones de la noche a la mañana, resulta fácil para los artistas priorizar su propio ego por encima de la obra en sí. El enfoque de Maria Callas es el antídoto definitivo contra esta vanidad. En el guion de McNally, ella les dice sin rodeos a sus alumnos que deben entregarse por completo a su medio elegido: “Debe estar dispuesto a subyugarse... subyugarse a la música. Siempre a la música. Usted es su sirviente. El compositor es Dios”.

Esto implica una dedicación a la precisión absoluta. En la obra, la soprano reprende a una alumna simplemente por presentarse sin un lápiz para marcar su partitura, recordando sus propios días en Atenas durante la guerra, donde un lápiz era una elección prioritaria por encima de la comida. Para la diva, estos detalles separan a los verdaderos artistas de los aficionados: “Una carrera en el teatro exige concentración total. Un cien por ciento de detalle”, recuerda Lauchengco-Yulo entre sus líneas. Ella hace eco de este sentimiento, enfatizando que, ya sea usted un cantante de ópera o un chef preparando un platillo, no debe comprometer ni sus ingredientes ni su resultado. El arte no admite atajos.

No basta con poseer brillantez técnica. Usted puede tener un oído absoluto o pinceladas impecables, pero sin la verdad emocional, el arte carece de vida.

Lauchengco-Yulo comparte la broma habitual de que el mundo de la ópera está prácticamente dividido en dos eras: “a. C. y d. C.”, es decir, antes de Callas y después de Callas. Esto se debe a que La Divina transformó fundamentalmente el género al llevar al escenario una actuación genuina y un intenso dramatismo. Arman Ferrer, quien interpreta al tenor Anthony Candolino, señala que Maria Callas incluso dejaba deliberadamente que su voz se quebrara en un si bemol alto si la escena requería que su personaje estuviera agonizando. Para ella, lograr que el público sintiera la realidad visceral de una mujer moribunda era inmensamente más importante que alcanzar una nota prístina.

En el guion de McNally, Callas interrumpe a una estudiante casi de inmediato, instándola a dejar de simplemente “cantar” y comenzar a comprender la realidad dramática: “Cualquiera puede caminar dormido. Muy pocas personas pueden llorar en una canción”. Para los creadores de hoy, la lección es clara: sus habilidades técnicas son simplemente el vehículo. El destino es siempre la cruda verdad humana.

En un mundo saturado de tendencias y de mímica viral, resulta tentador copiar lo que ya funciona. Sin embargo, Maria Callas prohíbe esto estrictamente. Al demostrar una frase emocional devastadora a una alumna, advierte de inmediato: “No quiero que me imite... Solo quiero mostrarle cómo lo hice yo”.

En lugar de replicar su fiero temperamento, exige a sus estudiantes que profundicen en su interior. Para los creativos actuales, la lección radica en que la verdadera maestría artística no puede tomarse prestada ni robarse. Usted debe forjar su propio sello. Como le dice a una estudiante que no está preparada, debe “ser alguien” en lugar de ser simplemente un rostro más en la multitud.

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Crear arte es exponerse al juicio, lo cual requiere un tipo específico de valentía. Maria Callas a menudo se refiere a la palabra alemana para el coraje: Mut. Exigía a sus alumnos cultivar esta valentía para sobrevivir a las brutales realidades del escenario.

“Solo existe la disciplina, la técnica y el mut”, advierte Callas en la obra. Los creativos modernos a menudo se escudan en la ironía o los filtros digitales, pero el gran arte requiere que usted se desnude intelectual y emocionalmente. La diva no espera menos de sus pupilos, recordándoles que deben llevar el corazón en la mano.

Alexandra Bernas, quien interpreta a la soprano Sophie de Palma, señala que la icónica artista vivió una vida plena con todo el dolor que ello conlleva, y exige esa misma vulnerabilidad a cualquier cantante. Bernas también observa que incluso las audiencias jóvenes y modernas están increíblemente en sintonía con estos sentimientos crudos cuando se exponen a ellos. Usted debe tener el mut de extraer fuerzas de su propia aflicción y presentarla sin tapujos ante el mundo.

En última instancia, el arte no existe en el vacío; es un acto de comunicación. Lauchengco-Yulo señala que el arte y la belleza siempre se crean para un público, y que usted debe brindarles lo que merecen. Aunque solo asista una persona, esa persona hizo el esfuerzo de estar allí, y el artista le debe todo.

En Master Class, Callas cita una línea de la ópera Medea: “Ho dato tutto a te”, que se traduce como “Te lo he dado todo”. Ferrer relaciona esto con otra frase icónica de Tosca, una de las actuaciones más renombradas de Maria Callas: “Vissi d’arte. Vissi d’amore.” (He vivido para el arte, he vivido para el amor).

“Creo que el arte no debe ser exclusivo, solo para las personas mayores o los más cultivados”, afirma Ferrer. “Considero que el arte es para todos. Deberíamos fomentarlo incluso entre los jóvenes, porque cuando un niño lleva el arte en su interior, descubrimos que posee más profundidad, más humanidad... y, al final de todo, el arte perdura”.

Mientras la POC celebra su 25º aniversario, la puesta en escena de Master Class resulta mucho más que una simple retrospectiva de la vida de una diva; es un manifiesto vital a favor de las artes. Gutierrez nos recuerda: “El arte no es un lujo. Es una necesidad”.

Para los artistas de hoy, el camino no es más fácil que en los tiempos de Maria Callas. Es posible que los medios hayan cambiado y que los escenarios luzcan distintos, pero los requisitos fundamentales permanecen inalterables. Se necesita disciplina, se necesita valentía y se requiere una dedicación inquebrantable a la belleza. Tómelo de la propia La Divina: “Cuanto mayor me hago, menos sé, pero estoy segura de que lo que hacemos importa”.

Master Class se estrena el 15 de mayo y estará en cartelera hasta el 30 de mayo en el Auditorio Carlos P. Romulo, RCBC Plaza, en la ciudad de Makati

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