Die “Master Class” der Philippine Opera Company: 5 Lektionen, die Künstler von Maria Callas lernen müssen

In einer Ära des viralen Ruhms und der Übernacht-Sensationen verfallen Künstler leicht der Versuchung, ihr eigenes Ego über das Werk selbst zu stellen. Der Ansatz von Maria Callas ist das ultimative Gegengift zu dieser Eitelkeit. In McNallys Drehbuch erklärt sie ihren Schülern unmissverständlich, dass sie sich ihrem gewählten Medium voll und ganz hingeben müssen: “Sie müssen bereit sein, sich zu unterwerfen... sich der Musik zu unterwerfen. Immer der Musik. Sie sind ihr Diener. Der Komponist ist Gott.”

Dies bedeutet eine Hingabe zur absoluten Präzision. In dem Stück tadelt Callas eine Schülerin allein deshalb, weil sie ohne Bleistift erschienen ist, um ihre Partitur zu markieren. Dabei erinnert sie an ihre eigenen Tage in Athen während des Krieges, als ein Bleistift wertvoller war als eine Mahlzeit. Für Callas trennen diese Details wahre Künstler von Amateuren: “Eine Karriere am Theater erfordert absolute Konzentration. Hundertprozentige Liebe zum Detail”, rezitiert Lauchengco-Yulo die Zeilen. Sie teilt diese Auffassung und betont, dass man, egal ob man Opernsängerin ist oder als Koch ein Gericht kreiert, weder bei den Zutaten noch beim Ergebnis Kompromisse eingehen darf. Die Kunst erlaubt keine Abkürzungen.

Es reicht nicht aus, lediglich technische Brillanz zu besitzen. Sie mögen über das absolute Gehör oder makellose Pinselstriche verfügen, doch ohne emotionale Wahrheit verliert die Kunst ihre Seele.

Lauchengco-Yulo erzählt von einem gängigen Scherz, wonach die Opernwelt praktisch in zwei Epochen unterteilt ist: “BC und AC”, also Before Callas (Vor Callas) und After Callas (Nach Callas). Der Grund dafür ist, dass La Divina die Oper grundlegend revolutionierte, indem sie wahrhaftiges Schauspiel und intensives Drama auf die Bühne brachte. Arman Ferrer, der den Tenor Anthony Candolino spielt, weist darauf hin, dass Maria Callas bei einem hohen B absichtlich ihre Stimme brechen ließ, wenn die Szene erforderte, dass ihr Charakter im Sterben lag. Für Callas war es weitaus wichtiger, das Publikum die ungeschönte Realität einer sterbenden Frau spüren zu lassen, als einen makellosen Ton zu treffen. 

In McNallys Textbuch unterbricht Callas eine Schülerin fast augenblicklich und drängt sie dazu, nicht bloß zu “singen”, sondern die dramatische Realität zu begreifen: “Jeder kann im Schlaf gehen. Aber nur sehr wenige Menschen können im Gesang weinen.” Für heutige Kulturschaffende ist die Lektion unmissverständlich: Ihre technischen Fähigkeiten sind lediglich das Vehikel. Das eigentliche Ziel ist stets die ungeschönte, menschliche Wahrheit.

In einer Welt voller Trends und viraler Nachahmung ist es verlockend, einfach das zu kopieren, was bereits funktioniert. Maria Callas verbietet dies jedoch strikt. Als sie einer Schülerin eine verheerend emotionale Phrase vorführt, warnt sie sogleich: “Ich möchte nicht, dass Sie mich imitieren... Ich möchte Ihnen lediglich zeigen, wie ich es gemacht habe.”

Anstatt ihr feuriges Temperament zu kopieren, fordert Callas von ihren Schülern, in ihr Innerstes zu blicken. Für die Kreativen von heute lautet die Lektion: Wahre künstlerische Meisterschaft kann nicht geliehen oder gestohlen werden. Sie müssen Ihre eigene, unverwechselbare Handschrift entwickeln. Wie sie einem unvorbereiteten Schüler sagt, müssen Sie “Jemand sein”, anstatt bloß ein weiteres Gesicht in der Menge zu bleiben.

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Kunst zu erschaffen bedeutet stets, sich dem Urteil anderer auszusetzen – dies erfordert eine besondere Form der Tapferkeit. Callas verwendet hierfür oft das deutsche Wort Mut. Sie verlangte von ihren Schülern, eben diesen Mut zu kultivieren, um die brutalen Realitäten der Bühne zu überleben.

“Es gibt nur Disziplin, Technik und Mut”, warnt Callas in dem Stück. Moderne Kulturschaffende schützen sich oft mit Ironie oder digitalen Filtern, doch große Kunst verlangt es, intellektuell und emotional nackt zu sein. Maria Callas erwartet von ihren Schülern nichts Geringeres und erinnert sie daran, ihre Gefühle offen zu zeigen.

Alexandra Bernas, die die Sopranistin Sophie de Palma spielt, merkt an, dass Callas ein erfülltes Leben mit all dem dazugehörigen Schmerz führte, und genau diese Verletzlichkeit von jedem Sänger einfordert. Bernas beobachtet zudem, dass selbst ein junges, modernes Publikum unglaublich empfänglich für diese rohen Emotionen ist, wenn es damit konfrontiert wird. Sie müssen den Mut haben, aus Ihrem eigenen Herzschmerz zu schöpfen und ihn der Welt ungeschönt zu präsentieren.

Letztendlich existiert Kunst nicht in einem Vakuum; sie ist ein Akt der Kommunikation. Lauchengco-Yulo betont, dass Kunst und Schönheit stets für ein Publikum erschaffen werden, dem man genau das geben muss, was es verdient. Selbst wenn nur eine einzige Person im Saal sitzt, hat diese Person den Aufwand auf sich genommen, dort zu sein – und der Künstler schuldet ihr alles.

In Master Class zitiert Callas eine Zeile aus der Oper Medea: “Ho dato tutto a te”, was übersetzt bedeutet: “Ich habe dir alles gegeben”. Ferrer verbindet dies mit einem weiteren ikonischen Zitat aus Tosca, einer von Maria Callas' berühmtesten Aufführungen: “Vissi d’arte. Vissi d’amore.” (Ich lebe für die Kunst, ich lebe für die Liebe.)

“Ich glaube, dass Kunst nicht exklusiv sein sollte—nicht nur für ältere oder gebildete Menschen reserviert”, erklärt Ferrer. “Ich bin der Überzeugung, dass Kunst für alle da ist. Wir sollten Kunst auch der jüngeren Generation näherbringen, denn wenn ein Kind die Kunst in sich trägt, entdecken wir bei ihm mehr Tiefe, mehr Menschlichkeit... und letztendlich ist es die Kunst, die bleibt.”

Während die POC ihr bedeutendes 25-jähriges Jubiläum feiert, ist die Inszenierung von Master Class weit mehr als eine bloße Retrospektive auf das Leben einer Diva; sie ist ein unerlässliches Manifest für die Künste. Gutierrez erinnert uns: “Kunst ist kein Luxus. Sie ist eine Notwendigkeit.”

Für die Künstler von heute ist der Weg nicht einfacher als zu Zeiten von Maria Callas. Die Medien mögen sich gewandelt haben, und die Bühnen mögen anders aussehen, doch die grundlegenden Anforderungen bleiben unverändert. Es bedarf Disziplin, es bedarf Mut, und es bedarf einer unnachgiebigen Hingabe zur Schönheit. Nehmen Sie es von La Divina selbst: “Je älter ich werde, desto weniger weiß ich, aber ich bin mir gewiss, dass das, was wir tun, von Bedeutung ist.”

Master Class feiert am 15. Mai Premiere und wird bis zum 30. Mai im Carlos P Romulo Auditorium, RCBC Plaza, in Makati City aufgeführt.

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