Lucy Liu cambia la cámara por el lienzo en una nueva exposición de arte en Nueva York que explora la herencia familiar y cultural

Su exposición individual inaugural, Unraveling, celebrada en la Cast Iron Gallery de Nueva York en 1993, fue una muestra fotográfica que finalmente le valió una prestigiosa beca para estudiar en la Universidad Normal de Pekín. Fue durante este tiempo en China cuando Lucy Liu volvió sobre su herencia cultural y amplió su comprensión del potencial simbólico del arte visual. Desde aquel periodo formativo, ha exhibido su trabajo en un circuito globalmente reconocido de galerías, museos, escuelas de arte y ferias internacionales, incluido el Museo Nacional de Singapur, Objective x Chambers Fine Art en Shanghái y la New York Studio School.

Este mes, Lucy Liu traslada su evolución creativa a su ciudad natal para una nueva exposición individual en Alisan Fine Arts en Nueva York. Abierta hasta el 6 de junio, la exposición, titulada Hard Feelings, presenta obras seleccionadas de su serie en curso What Was. La colección cuidadosamente seleccionada explora el terreno emocional y psicológico de la memoria, prestando aguda atención a los lazos familiares, la herencia cultural y la naturaleza fluida y cambiante de la historia personal.

Tatler conversó con Lucy Liu para discutir la exposición y descubrir qué formas únicas de expresión puede ofrecer el lienzo que el cine no puede capturar.

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Para una audiencia que le conoce tan íntimamente a través de la imagen en movimiento, ¿qué partes de su paisaje interno siente que captura la pintura que la actuación o la dirección simplemente no pueden alcanzar?
Me permite sentarme con recuerdos y emociones que no siempre tienen un lenguaje claro o una resolución. Hay algo íntimo en el proceso porque no se interpreta ni se explica nada; es simplemente un reflejo honesto de lo que está debajo.

¿Qué revela esta exposición Hard Feelings sobre su propia crianza y vida personal?
Al crecer en una familia de inmigrantes, a menudo existía un instinto tácito hacia la resistencia y la supervivencia más que hacia la reflexión emocional. Trabajar en esta serie me obligó a afrontar una gran incomodidad, pero también me dio una comprensión más profunda de los sacrificios silenciosos que llevaron las generaciones anteriores. Llegué a ver cómo el amor, el deber y la incomprensión pueden existir simultáneamente dentro de una familia. La exposición no intenta reconciliar esas contradicciones; simplemente crea espacio para que existan con honestidad.

Alisan Fine Arts tiene una historia de defensa de la diáspora china y del arte asiático contemporáneo. ¿Qué se siente al anclar su trabajo dentro de una galería que tiene tanto peso cultural?
Se siente increíblemente significativo. Alisan Fine Arts ha dedicado décadas a crear un espacio para que los artistas asiáticos y de la diáspora sean vistos con matices y seriedad. Hay un sentido de linaje y continuidad cultural allí que respeto profundamente. Es especial colocar este trabajo en un contexto que entiende tanto las capas personales como las culturales. La galería tiene un legado muy reflexivo de honrar la complejidad dentro de la identidad asiática, y estoy agradecida de ser parte de esa conversación.

Desde una perspectiva curatorial, ¿cómo eligió el espacio y la disposición de estas piezas específicas de la serie What Was para guiar al espectador a través del terreno emocional y psicológico de su memoria?
Quería que la exposición mostrara una sensación de evolución entre las obras. Algunas de las pinturas están conectadas con piezas anteriores de series previas, por lo que los espectadores pueden ver dónde se originaron las obras más nuevas y cómo ciertas ideas continuaron desarrollándose con el tiempo. También hay rastros de pinturas que fueron cubiertas o pintadas encima, lo cual se volvió importante para el proceso porque reflejan la forma en que la memoria y la experiencia se acumulan en capas. Las obras más recientes se sienten más reductoras y expuestas; despojadas de una manera que revela algo más sin resolver.

¿Cómo logra equilibrar mentalmente el aislamiento del estudio con las exigencias de alta energía de Hollywood?
En realidad, se equilibran maravillosamente. Los sets de filmación son colaborativos y orientados hacia el exterior, mientras que mi estudio trata más sobre la disciplina personal y la introspección. Pintar me da una forma de metabolizar la experiencia en privado antes de volver a la intensidad de la producción.

¿Qué espera que la generación más joven de creativos asiático-estadounidenses extraiga de su trayectoria multidisciplinaria?
Espero que los creativos más jóvenes se sientan empoderados para no limitarse a un solo camino. No tienen que elegir entre disciplinas o identidades. La creatividad es expansiva y su perspectiva es valiosa precisamente porque es única.

Como actriz y cineasta, ¿qué roles le gustaría interpretar en el futuro?
Me interesan los papeles que sean complejos y evolutivos; mujeres que no tengan miedo de ser contradictorias y estar en búsqueda constante. Cada vez me siento más atraída por la complejidad que por la perfección.

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