Come le perle “imperfette” hanno ispirato l’artista ceramista Kansai Noguchi a creare i vasi rotti che lo hanno reso celebre

Le sue forme irregolari colmano attivamente il divario tra creazione intenzionale e caso organico. Riflettendo sul processo di cottura, afferma: “La rottura non è intenzionale; accade solitamente durante la cottura. È come se fosse opera della natura, mentre la riparazione è il mio intervento artificiale”.

Un esempio eccellente in mostra è Apollo Yakshi, un vaso che ricorda un cuore ma che è modellato in modo astratto sul busto del destriero del dio del sole Apollo, tratto dalla mitologia greca. Modellare forme così asimmetriche e fluide rappresenta un ostacolo mentale. Noguchi afferma che, sebbene realizzare vasi simmetrici e ordinati sia tecnicamente più impegnativo, “mentalmente parlando, è più facile perché ho un obiettivo chiaro; c’è solo un risultato che cerco di ottenere”. Con i pezzi irregolari, invece, si addentra nell’ignoto senza sapere dove la forma lo condurrà.

Un altro pezzo degno di nota all’ultimo piano della mostra mette in luce la tecnica del kasugai, graffette metalliche a forma di U storicamente utilizzate in Giappone e nell’antica Cina per unire il legno o restaurare pezzi in ceramica. Noguchi ha applicato le graffette metalliche sopra fratture deliberate, insieme alla lacca naturale della pianta Urushi, per scopi puramente estetici, lasciando spazi e crepe che sembrano ferite aperte sigillate con cura. Sebbene il vaso non presenti una simmetria perfetta, le crepe riparate e le intricate cuciture creano un senso di vulnerabilità e delicatezza, ricordando che “niente è uno spreco nella vita” e che “esiste valore nell’imperfezione”, secondo le parole dell’artista ceramista.

Per saperne di più: Più di un mito: una guida per intenditori alla perla moderna

Questo approccio a spreco zero si estende oltre l’argilla fino al reperimento dei materiali tradizionali. Noguchi incorpora una colla gelatinosa naturale derivata da cervi selvatici abbattuti in Giappone—animali in soprannumero destinati allo scarto oltre al consumo alimentare. Miscela questa colla animale con fuliggine scura raccolta direttamente dai camini dei suoi forni per creare il proprio inchiostro tradizionale, utilizzato nelle sue calligrafie e nei pannelli in ceramica.

Il percorso di Noguchi per diventare scultore non è stato affatto convenzionale. Fino all’età di 30 anni, ha lavorato come musicista R&B professionista di successo, sotto contratto con un’importante etichetta discografica in Giappone. Esausto per le pressioni legate alla composizione di dieci canzoni a settimana, ha viaggiato negli Stati Uniti—patria del genere R&B—per testare la sua arte alle origini.

Negli Stati Uniti, ha scoperto il lavoro del celebre designer e artista nippo-americano Isamu Noguchi (nessuna parentela) grazie ad alcuni amici interessati all’arte. È rimasto profondamente affascinato dal modo in cui Isamu Noguchi, noto per aver unito l’artigianato tradizionale giapponese con l’astrazione occidentale, combinasse elementi provenienti da culture, epoche e discipline diverse in una visione artistica unificata. Ispirato da come gli artisti giapponesi stessero lasciando un segno significativo sulla scena artistica globale, Noguchi ha deciso 10 anni fa di chiudere il capitolo musicale per dedicarsi a una pratica più calma: la creazione di ceramica. Tornato in Giappone, ha studiato scultura e ceramica con lo scultore Takuya Yoshida e la ceramista Ikuko Hiyoshi, iniziando col tempo anche a praticare la calligrafia.

Sebbene abbia sostituito le sale di registrazione con forni per ceramica e studi di pittura, la musica continua a infondere profondamente la pratica artistica visiva di Noguchi. Percepisce un distinto flusso ritmico mentre dipinge o crea calligrafia, spesso ascoltando brani che informano direttamente l’emozione sulla carta. Un’opera calligrafica in mostra, che presenta i caratteri giapponesi per Kotoba (intento delle parole), prende il titolo direttamente dal motto del gruppo hip-hop/rock giapponese Tick—una band che ascoltava durante la creazione. Noguchi è attratto dal concetto di “intento delle parole” perché lascia spazio cruciale agli spettatori per interpretare ciò che va oltre il significato letterale, trattando l’arte visiva come una melodia in cui il pubblico completa l’opera di ceramica.

Questa continua evoluzione creativa è ancorata nella mostra da un monumentale pezzo calligrafico lungo sette metri intitolato Hifumiya (che rappresenta i caratteri giapponesi per “uno, due e tre”). Utilizzando pennelli massicci e inchiostro di fuliggine pesante, il rotolo presenta motivi circolari ripetuti che variano intenzionalmente per dimensione, allineamento e spessore, come le orme di un individuo in crescita.

L’opera, realizzata appositamente per la mostra di Hong Kong, rappresenta i suoi passi nella vita e il desiderio di accettare le sfide. Testimonianza del suo spirito pionieristico, il rotolo monumentale si pone come una promessa personale di continuare a superare i confini, dimostrando che nell’arte e nella vita, la forma segue davvero la capacità di vedere la bellezza nel “fallimento”, nell’ “anticonformismo” e nell’ “imperfezione” della ceramica.

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