Cómo las perlas “imperfectas” inspiraron al artista de cerámica Kansai Noguchi a crear los jarrones rotos que le dieron fama

Sus formas irregulares tienden un puente entre la creación intencional y el azar orgánico. Reflexiona sobre el proceso de cocción: “La rotura no es intencional; suele ocurrir durante la cocción. Es algo parecido a una obra de la naturaleza, mientras que la reparación es lo que yo hago artificialmente”.

Un ejemplo destacado en la exposición es Apollo Yakshi, una vasija que se asemeja a un corazón, pero que en realidad está modelada abstractamente a partir del torso del corcel del dios del sol Apolo de la mitología griega. Moldear formas tan fluidas y asimétricas presenta un desafío mental. Noguchi dice que, aunque hacer vasijas simétricas y ordenadas es técnicamente más exigente, “mentalmente hablando, es más fácil porque tengo un objetivo claro; solo hay un resultado que aspiro lograr”. Con sus piezas de cerámica irregulares, en cambio, se adentra en lo desconocido.

Otra pieza notable en la planta superior de la exposición muestra la técnica de kasugai, sujetadores metálicos en forma de U utilizados históricamente en Japón y China para unir madera o restaurar cerámica. Noguchi aplicó los grapas de metal sobre fracturas deliberadas junto con laca de savia de árbol Urushi, dejando grietas que parecen heridas abiertas bien selladas. Aunque el jarrón no presenta una simetría perfecta, las grietas reparadas y las puntadas intrincadas crean una especie de vulnerabilidad, sirviendo como recordatorio de que “nada es un desperdicio en la vida” y “existe valor en la imperfección”.

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Este espíritu de residuo cero se extiende más allá de la arcilla hacia la obtención de materiales tradicionales. Noguchi incorpora gelatina natural derivada de ciervos salvajes en Japón, animales que a menudo sufren de sobrepoblación y son desechados. Mezcla este pegamento animal con hollín oscuro recogido de las chimeneas de sus hornos de cerámica para crear su propia tinta tradicional, que utiliza en sus paneles de caligrafía y cerámica.

El camino de Noguchi hacia la escultura fue poco convencional. Hasta los 30 años, trabajó como un exitoso músico profesional de R&B firmado con una importante discográfica en Japón. Agotado por la presión de componer diez canciones a la semana, viajó a EE. UU. para poner a prueba su talento en la raíz del género. Allí, quedó fascinado por cómo Isamu Noguchi (sin parentesco) combinaba disciplinas diversas en una visión artística unificada. Inspirado por cómo los artistas japoneses dejaban una huella significativa en el escenario artístico mundial, Noguchi decidió hace 10 años cerrar su capítulo musical y adoptar una práctica más calmada: la creación de cerámica. Regresó a Japón, donde aprendió escultura y cerámica, y comenzó a practicar la caligrafía.

Aunque cambió los estudios de grabación por hornos de cerámica, la música continúa influyendo profundamente en su práctica visual. Siente un flujo rítmico distinto al crear caligrafía, escuchando a menudo música que informa la emoción en la página. Una pieza de caligrafía en la exposición, que presenta los caracteres japoneses para Kotoba (intención de las palabras), toma su título directamente del lema de un grupo de hip-hop al que escuchaba durante su creación. Noguchi se siente atraído por el concepto de la “intención de las palabras” porque deja espacio a los espectadores para interpretar lo que hay más allá del significado literal, tratando el arte visual como una canción donde la audiencia completa la melodía.

Esta continua evolución creativa se ancla en la exposición con una pieza de caligrafía monumental de siete metros titulada Hifumiya. Usando pinceles masivos y tinta de hollín pesada, el pergamino presenta motivos circulares repetidos que varían intencionalmente en tamaño y grosor, como si fueran huellas de un individuo en crecimiento. Esta obra representa sus pasos en la vida y su afán por afrontar desafíos. El pergamino monumental se erige como una promesa personal de seguir superando límites, demostrando que en el arte y en la vida, la cerámica y la forma siguen la capacidad de ver belleza en el “fracaso” y la “imperfección”.

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