Bagaimana mutiara “tidak sempurna” mengilhamkan seniman seramik Kansai Noguchi untuk mencipta pasu pecah yang mengangkat namanya

Bentuknya yang tidak sekata secara aktif merapatkan jurang antara penciptaan sengaja dan kebetulan organik. Beliau merenung proses pembakaran dalam relau. Katanya, “Keretakan bukanlah disengajakan; ia biasanya berlaku semasa proses pembakaran. Ia seolah-olah hasil kerja alam semula jadi, manakala pembaikan adalah apa yang saya lakukan secara buatan.”

Contoh utama yang dipamerkan ialah Apollo Yakshi, sebuah bekas yang menyerupai bentuk hati tetapi sebenarnya dimodelkan secara abstrak berdasarkan tubuh kuda kepada tuhan matahari Apollo daripada mitologi Yunani. Membentuk reka bentuk asimetri yang cair seperti ini memberikan cabaran mental. Noguchi berkata bahawa walaupun menghasilkan pasu yang kemas dan simetri lebih menuntut dari segi teknikal, “dari segi mental, ia lebih mudah kerana saya mempunyai matlamat yang jelas; hanya ada satu hasil yang ingin saya capai.” Dengan karya yang tidak sekata, bagaimanapun, beliau melangkah ke alam yang tidak diketahui tanpa mengetahui ke mana bentuk itu akan membawa.

Satu lagi karya penting di tingkat atas pameran mempamerkan teknik kasugai, iaitu pengikat logam berbentuk U yang digunakan secara bersejarah di seluruh Jepun dan China purba untuk menyambung kayu atau memulihkan seramik. Noguchi menggunakan stapler logam tersebut di atas retakan yang disengajakan bersama lakuer getah pokok Urushi untuk ekspresi estetik semata-mata, meninggalkan celah dan retakan yang kelihatan seperti luka terbuka yang dijahit dengan rapi. Walaupun pasu itu tidak menampilkan simetri yang sempurna, retakan yang dibaiki dan jahitan yang rumit mencipta sejenis kerapuhan dan kelembutan, berfungsi sebagai peringatan bahawa “tiada apa yang sia-sia dalam hidup secara amnya” dan “terdapat nilai dalam ketidaksempurnaan”, menurut kata seniman tersebut.

Baca lebih lanjut: Lebih daripada mitos: Panduan pakar terhadap mutiara moden

Etos sifar pembaziran ini melangkaui tanah liat kepada pemerolehan medium tradisional. Noguchi menggabungkan gam gelatin semula jadi yang diperoleh daripada rusa liar yang dikawal populasinya di Jepun—haiwan yang sering kali dibuang selain daripada dagingnya. Beliau mencampurkan gam haiwan ini dengan jelaga gelap yang dikumpul terus dari serombong relau seramiknya untuk menghasilkan dakwat tradisionalnya sendiri, yang digunakan dalam kaligrafi dan panel seramiknya.

Laluan Noguchi untuk menjadi seorang pengukir jauh daripada konvensional. Sehingga usia 30 tahun, beliau bekerja sebagai pemuzik R&B profesional yang berjaya di bawah label rakaman utama di Jepun. Setelah keletihan akibat tekanan tinggi menulis sehingga sepuluh lagu seminggu, beliau mengembara ke AS—tempat kelahiran muzik R&B—untuk menguji bakatnya di punca genre tersebut.

Semasa di AS, beliau menemui karya pereka dan seniman Jepun-Amerika yang terkenal, Isamu Noguchi (tiada hubungan keluarga) melalui beberapa rakan yang meminati seni. Beliau sangat terpesona dengan cara Isamu Noguchi, yang dikenali kerana menggabungkan kraf tradisional Jepun dengan abstraksi barat, menyatukan elemen daripada pelbagai budaya, zaman, dan disiplin di seluruh dunia ke dalam satu visi artistik yang utuh. Diilhamkan oleh cara seniman Jepun memberikan kesan besar di pentas seni global, Noguchi, 10 tahun lalu, memutuskan untuk menutup lembaran muziknya dan menceburi bidang yang lebih tenang: pembuatan seramik. Sekembali ke Jepun, beliau mempelajari arca dan seramik daripada pengukir Takuya Yoshida dan ahli seramik Ikuko Hiyoshi. Selama bertahun-tahun, beliau juga mula mempraktikkan kaligrafi.

Walaupun beliau menukar bilik rakaman dengan relau seramik dan studio lukisan, muzik terus menyerap ke dalam amalan artistik visual Noguchi secara mendalam. Beliau merasai aliran irama yang berbeza ketika melukis dan menghasilkan kaligrafi, sering mendengar muzik yang secara langsung memaklumkan emosi pada halaman tersebut. Satu karya kaligrafi dalam pameran itu, yang menampilkan aksara Jepun untuk Kotoba (niat kata-kata), mengambil tajuknya secara terus daripada moto kumpulan hip-hop/rock Jepun, Tick—kumpulan yang beliau dengari semasa penghasilannya. Noguchi tertarik dengan konsep “niat kata-kata” kerana ia meninggalkan ruang penting untuk penonton mentafsir apa yang ada di luar makna literal kata-kata, memperlakukan seni visual seperti lagu di mana penonton melengkapkan melodinya.

Evolusi kreatif yang berterusan ini diukir dalam pameran tersebut oleh karya kaligrafi monumental sepanjang tujuh meter bertajuk Hifumiya (mewakili aksara Jepun “satu, dua, dan tiga”). Menggunakan berus besar dan dakwat jelaga berat, skrol yang tersapu itu menampilkan motif bulat berulang yang sengaja berbeza dari segi saiz, penjajaran, dan ketebalan, seolah-olah ia adalah jejak kaki individu yang sedang membesar.

Karya tersebut, sebuah hasil baharu untuk pameran di Hong Kong, mewakili langkahnya dalam kehidupan dan kesungguhannya untuk mendepani cabaran. Berfungsi sebagai bukti semangat rintisannya, skrol monumental itu berdiri sebagai janji peribadi untuk terus menolak sempadan, membuktikan bahawa dalam seni dan kehidupan, bentuk benar-benar mengikut keupayaan untuk melihat keindahan dalam “kegagalan”, “ketidakbiasaan” dan “ketidaksempurnaan”.

BACA SEKARANG

“Mesin tidak mempunyai cita rasa”: Bagaimana David Salle mengganggu sejarah seni dengan AI di Venice Biennale 2026

Bagaimana seni menyembuhkan trauma sejarah: Pakatan Korea-Jepun yang belum pernah berlaku sebelum ini di Venice Biennale 2026

Wolfe von Lenkiewicz, cicit kepada pelukis mahkamah Raja Swan, menggunakan AI untuk melukis—dan beliau adalah juara teknologi itu. Inilah sebabnya