Femmes artistes, animation numérique et performance : l'Art Fair Philippines place la barre haut en 2026

Pour la neuvième année de l'initiative 10 Days of Art, qui débute le 30 janvier, une série d'événements sera disséminée dans tout le quartier central des affaires de Makati, menant jusqu'au Circuit Makati. La célèbre modiste Mich Dulce présentera son exposition, Nagsasalitang Ulo, à la galerie Greenbelt 5, aux côtés du conteur et designer Joel Wijangco avec son exposition Art 2 Wear. Le collectif de photographie Fotomoto PH transforme une fois de plus le Paseo Underpass avec sa série de photographies évocatrices. Alfredo et Isabel Aquilizan présenteront leur exposition, Signs and Intimations, dans la zone de la fontaine de l'Ayala Tower One. La célèbre œuvre sculpturale fantaisiste Carousel de Ronald Ventura sera à nouveau accessible au public à l'Ayala Malls Circuit. Enveloppant des sites clés de Makati, tels que le terminal One Ayala Mall, le cinéma Glorietta 4, le Glorietta Activity Center, Greenbelt 4 et l'Ayala Malls Circuit, se trouvent les œuvres numériques séduisantes d'Isaiah Cacnio, collectivement intitulées Magkahiwalay, Magkaugnay. De plus, les amateurs d'art sont invités à visiter les vernissages des galeries participantes du 30 janvier au 1er février, qui constituent le Gallery Weekend de l'Art Fair Philippines.

Alors que nous attendons l'édition de cette année de l'Art Fair Philippines, voici une liste d'artistes que vous ne devriez pas manquer de découvrir dans la section Projects.

Imelda Cajipe Endaya est une artiste visuelle, graveuse et militante philippine prééminente, connue pour son rôle central dans l'art contemporain philippin et le féminisme. Sa carrière, qui s'étend sur plus de cinq décennies, se caractérise par une intégration profonde du réalisme social, de la recherche historique et d'un langage visuel distinctement féminin exprimé à travers son imagerie et les médias choisis. En 1987, elle a cofondé Kasibulan, un collectif d'artistes femmes influent qui a fourni une plateforme aux femmes artistes dans une scène dominée par les hommes et a élevé l'artisanat traditionnel au rang de grand art. Ses distinctions incluent le CCP Thirteen Artists Award (1991), les Centennial Honors for the Arts (1999) et l'Ani ng Dangal (2009).

En savoir plus : L'histoire de Kasibulan, une sororité de femmes artistes

Reconnue pour sa maîtrise de la gravure, en particulier de la xylogravure, Ambie Abaño s'est fait connaître grâce à son approche multidisciplinaire innovante qui relie les techniques traditionnelles à la sculpture et à l'installation. Formée à l'origine comme architecte, Abaño s'est orientée vers les arts visuels, développant une carrière qui met l'accent sur les couches physiques et conceptuelles de ses médias de prédilection. Elle est largement connue pour ses gravures sur bois à grande échelle où elle traite les blocs de bois sculptés comme des sculptures à part entière. Elle imprime souvent sur des surfaces malléables non traditionnelles telles que le spandex, la dentelle, le caoutchouc et le rembourrage matelassé. Son travail explore fréquemment l'autoréflexion, l'identité et le regard féminin.

Max Balatbat est un artiste contemporain philippin très acclamé, connu pour son abstraction architecturale, un style qui mêle la précision de sa formation d'architecte aux réalités brutes et vibrantes de la vie urbaine philippine. Son processus est tactile et exigeant. Il cuit souvent la peinture jusqu'à ce qu'elle se solidifie, puis la découpe en formes pour l'appliquer sur la toile. Ses matériaux comprennent la peau acrylique, la corde, le ciment, la toile de jute et la résine, reflétant la nature patchwork (barong-barong) des établissements informels. Son travail se concentre fréquemment sur l'Avenida (une artère historique de Manille) et les quartiers chauds de Caloocan. Il explore l'intersection du sacré et du profane, documentant la vie des membres invisibles de la société — tels que les vendeurs, les ouvriers et les prostituées — avec empathie et sans jugement didactique.

L'une des figures les plus cruciales de l'art abstrait est Constancio Bernardo, un étudiant favori de Fernando Amorsolo qui s'est ensuite aventuré dans l'abstraction après avoir étudié aux États-Unis. Le début de carrière de Bernardo était ancré dans la tradition classique, avec une carrière prometteuse dans la peinture de genre. Lorsqu'il est entré à l'Université de Yale, il a été encadré par le légendaire maître du Bauhaus, Josef Albers. Sous sa direction, Bernardo a abandonné la représentation au profit d'une théorie des couleurs rigoureuse et de structures géométriques.

Brenda Fajardo était une artiste visuelle, graveuse et éducatrice philippine aux multiples facettes. Sa carrière se distingue par un engagement profond envers la culture populaire, le réalisme social et l'autonomisation des femmes, fusionnant souvent le mystique et le sociopolitique. Fajardo était surtout connue pour son utilisation pionnière des cartes de tarot comme cadre pour des récits historiques et sociaux. Dans cette série phare, elle a réimaginé le jeu de tarot traditionnel pour qu'il soit lu comme une critique de l'histoire des Philippines. Avec Cajipe Endaya, elle a cofondé Kasibulan.

L'artiste philippino-américain Ged Unson Mariño, spécialisé dans les techniques mixtes et le textile, mène une carrière définie par une exploration des objets, de la mémoire et de l'“archivage de la sentimentalité” par l'utilisation de matériaux et de textiles jetés. Son travail est profondément enraciné dans le concept de migration et d'établissement. Il collectionne des objets qui ont été jetés — intentionnellement ou accidentellement — et les intègre dans son art pour tisser ensemble biographie et histoire de l'art. Il est un pionnier de l'art textile contemporain et de l'art du fil, utilisant souvent du tissu, de la laine et des chutes de textiles pour créer des sculptures douces et des installations immersives. Il considère son processus comme une façon de “tisser des souvenirs” de relations, de lieux et d'objets. Son travail aborde souvent l'incongruité historique entre l'expérience vécue et ce qui est remémoré.

Jon et Tessy Pettyjohn sont largement reconnus comme les pionniers et les figures centrales de la poterie d'atelier contemporaine aux Philippines. Depuis plus de 40 ans, ils ont comblé le fossé entre la poterie populaire traditionnelle et l'art céramique contemporain, établissant un langage visuel sophistiqué qui mélange l'esthétique asiatique avec des matériaux indigènes philippins. Les Pettyjohn opèrent depuis leur atelier, Pansol Pottery, situé au pied du mont Makiling à Laguna. Leur travail est un dialogue constant entre fonction et sculpture. Les Pettyjohn sont célèbres pour leur alchimie — le processus scientifique et artistique de création de leurs propres émaux et argiles.

Fondé en 2020 par la commissaire Anna Bernice delos Reyes et l'artiste Augustine Paredes, Sa Tahanan Co. est un collectif d'arts contemporains basé aux Émirats arabes unis, qui sert de plateforme vitale pour les créatifs philippins à travers le Golfe et la diaspora mondiale. Le collectif est né pendant la pandémie, initialement comme une réponse à la dévastation du typhon Ulysses (Goni) aux Philippines. Ses fondateurs ont cherché à créer un espace qui perturbait les récits artistiques centrés sur l'Occident et abordait le fossé d'accessibilité pour les artistes philippins au Moyen-Orient. Le nom est un jeu sur la phrase tagalog sa tahanan ko (“dans ma maison”). Il tire son origine de la racine tahan, qui signifie cesser de pleurer ou trouver du réconfort, reflétant le rôle du collectif comme lieu de répit et d'endurance pour les corps migrants. Sa mission est de faciliter la représentation diasporique, en utilisant l'art pour explorer les thèmes de la migration, de la mémoire, du désir et des récits invisibles des travailleurs philippins d'outre-mer (OFW).

Solomon Saprid était un maître de la sculpture moderne philippine, surtout connu pour son style brutaliste de travail du métal et ses représentations emblématiques du folklore philippin. Sa carrière a été marquée par un passage de l'illustration à une forme unique de sculpture expressionniste. Saprid est célèbre pour son approche anti-classique de la sculpture. Il a développé une technique signature utilisant un chalumeau pour souder ensemble des éclats et des bandes de métal (principalement du bronze et du laiton). Le processus de soudure créait des coutures dentelées et des textures escarpées qu'il utilisait pour capturer ce qu'il appelait le mouvement figé. Ce style suggère une énergie arrêtée et une grâce cinétique plutôt que des poses statiques. Ses œuvres sont souvent aériennes ou creuses, utilisant l'espace entre les bandes de métal pour permettre à la lumière et à l'air de se faufiler à travers la figure, donnant au métal lourd un sentiment de légèreté et de vie.

Romeo Tabuena était un peintre et graveur philippin de renommée mondiale, célébré comme l'une des figures pionnières du mouvement néo-réaliste philippin. Sa carrière est définie par une fusion unique de racines philippines et de traditions artistiques mexicaines, s'étendant sur six décennies et plusieurs continents. Le parcours multidisciplinaire de Tabuena a influencé la nature structurée mais fluide de son art. Il a étudié l'architecture à l'Institut de technologie Mapúa et la peinture à l'Université des Philippines. Au début des années 1950, il a élargi ses horizons à l'Art Students League de New York et à l'Académie de la Grande Chaumière à Paris. Avant son déménagement à l'étranger, il était une figure clé du cercle de la Philippine Art Gallery (PAG). En 1955, Tabuena s'est installé à San Miguel de Allende, au Mexique, un déménagement qui a radicalement transformé son langage visuel alors qu'il a notoirement conservé sa citoyenneté philippine tout au long de sa vie. Au début de sa carrière, il a développé un style caractérisé par des lavis translucides aux tons de bijoux et des formes cubistes imbriquées. Ses sujets préférés comprenaient des huttes nipa, des carabaos (buffles d'eau) et des paysages éthérés rappelant les peintures verticales chinoises. Influencé par l'école d'art mexicaine (plus précisément Rufino Tamayo et Diego Rivera), son travail ultérieur est devenu plus opaque et prismatique. Il a commencé à dépeindre le peuple mexicain ordinaire — vendeurs de rue, blanchisseuses et vendeurs de bougies — en utilisant des couleurs vibrantes et une qualité géométrique stylisée.

En partenariat avec l'Instituto Cervantes et l'ambassade d'Espagne aux Philippines, l'Art Fair Philippines fait venir Ampparito, un artiste contemporain espagnol éminent de Madrid connu pour son approche subversive de la réalité, utilisant des peintures murales à grande échelle et des interventions urbaines pour remettre en question la fonction et la signification des objets du quotidien. Ampparito est connu pour ses œuvres in situ qui utilisent l'ironie, l'humour et la critique sociale. Son style signature consiste à prendre des objets omniprésents — comme un capuchon de stylo, un ticket de métro ou une allumette — et à les agrandir ou à les déplacer pour inviter à la réflexion. Au début de sa pratique, il a manipulé des publicités dans les espaces publics pour défier les messages corporatifs. Il simplifie intentionnellement des idées complexes pour que le public puisse se faire sa propre opinion. Son travail vise à provoquer une gamme de réactions, “de l'indifférence absolue à la réflexion la plus profonde”, comme décrit par la publication internationale Street Art News.

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