Agenda Art Février 2026 : tour d'horizon des expositions vues et des incontournables en cours

Un autre spectacle interdisciplinaire notable fut l'événement de mode majeur du designer Bang Pineda, tenu à Tower One et Exchange Plaza dans les jardins d'Ayala Triangle, Makati. Le spectacle présentait trois actes—“White Noise”, “In The Gray” et “Off Grid”—mettant en avant un streetwear élevé, du denim et des thèmes existentiels. L'installation de Sandino Martin intitulée Reflexiones Curiosi, où des figures en miroir s'élevaient de l'eau, se tenant entre présence et absence pour signaler des vies restées invisibles, a ajouté à la conversation.

Coïncidence, Martin faisait partie de l'exposition de la Qube Gallery pour le Tops Art Fest à Cebu, où il a exposé ses œuvres sculpturales plus distinctives basées sur son visage et son corps, s'appropriant l'iconographie religieuse et le folklore.

Tenu dans les hautes terres pittoresques de Cebu, le Tops Art Fest s'est imposé comme une destination culturelle majeure en dehors de la métropole de Manille. Pour sa deuxième année en 2025, le festival a adopté le thème de “Legacy”, déplaçant son attention d'une célébration générale du présent vers un hommage respectueux aux pionniers artistiques de Cebu, notamment Martino Abellana, Julian Humalon et Jose Joya. Organisé par Enzo Dino, l'événement a transformé le lieu perché sur la colline en une vaste galerie présentant plus de 200 artistes et 1 000 œuvres de 30 galeries participantes. Au-delà du spectacle visuel, le festival a favorisé un engagement communautaire profond grâce à un “Legacy Tour” qui a éduqué les visiteurs sur l'histoire de l'art de la région et une vente aux enchères silencieuse au profit de la Fondation Cristina Lee Dino.

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En parlant d'héritage, les lauréats du prix des Treize Artistes 2024 ont tenu leur exposition du 7 octobre au 12 janvier au Sandiganbayan Reception Hall du Musée national. Curatée par Mervy C Pueblo, l'exposition historique a honoré une nouvelle avant-garde d'artistes visuels philippins : Catalina Africa, Denver Garza, Russ Ligtas, Ella Mendoza, Henrielle Baltazar Pagkaliwangan, Issay Rodriguez, Luis Antonio Santos, Joshua Serafin, Jel Suarez, Tekla Tamoria, Derek Tumala, Vien Valencia et Liv Vinluan. Utilisant divers médias, y compris la vidéo, l'installation sculpturale, la tapisserie et l'aquarelle, les lauréats ont répondu avec audace aux réalités contemporaines urgentes, explorant des thèmes de mémoire, d'effondrement environnemental et de soin collectif. Comme l'a noté la présidente du CCP, Kaye C Tinga, la cohorte a été méticuleusement choisie pour “redéfinir et provoquer l'ordre social”, transformant la galerie en un espace puissant où les histoires fragmentées et les identités marginalisées sont rendues visible avec insistance contre l'effacement.

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De retour dans la métropole de Manille, l'artiste verrier Marge Organo a présenté une exploration raffinée de la lumière et de la forme dans son exposition solo, A Look into the Prism, à la Galerie Joaquin à Rockwell. Servant de compagnon visuel à sa monographie nouvellement lancée, l'exposition a retracé son parcours, de ses premières explorations à son équilibre caractéristique entre fragilité et permanence. Un élément marquant était le passage d'Organo vers un langage visuel plus contemporain, souligné par des sculptures Balloon Dog inspirées par Jeff Koons et des pièces spirituelles qui transformaient l'imagerie mariale en formes lumineuses.

Une autre exposition de la Galerie Joaquin qui a laissé une forte impression était la célébration du 40e anniversaire de la pratique artistique de Carlo Magno. Tenue à la succursale de Power Plant Mall, l'exposition Beyond the Muse : A 40-Year Artistic Journey a défié les normes de beauté conventionnelles en célébrant la “Filipina non conventionnelle”—dépeignant les femmes non pas comme des muses passives mais comme des figures autonomes et confiantes. À travers une fusion de formes figuratives et d'abstraction, Magno a présenté 40 œuvres originales utilisant des couleurs vibrantes et des compositions affirmées pour explorer la résilience et l'identité.

Suite au décès du lauréat de la Médaille présidentielle du mérite Juvenal Sansó le 28 mars 2025, la Fundacion Sansó a clôturé l'année avec un hommage monumental. Intitulée Prized and Personal : The Legacy, cette exposition s'est tenue à Art Lounge Manila pour contextualiser le lancement du livre le plus complet jamais produit sur l'artiste. La publication de 464 pages présente plus de 600 images en couleur et des interviews rares de personnalités culturelles comme Ambeth Ocampo et Cid Reyes. Elle couvre toute son évolution, de sa période noire à ses paysages emblématiques de Bretagne, offrant un regard intime sur l'homme qui considérait les Philippines comme sa véritable maison.

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Un autre spectacle passionnant qui est resté dans nos esprits jusqu'à sa fermeture le 11 février dernier était l'exposition Dialogo : Manuel Ocampo x Ronald Ventura de la Cloudgrey Gallery. Ce fut une collision historique entre deux des artistes contemporains les plus internationalement acclamés du pays, qui a ouvert ses portes le 9 décembre dernier. Le spectacle n'était pas simplement une présentation côte à côte, mais une fusion radicale où Ocampo et Ventura ont travaillé directement sur les mêmes surfaces—principalement des œuvres à grande échelle sur papier. Curatée par Ruel Caasi, l'exposition a été décrite par la galerie comme un “moment Frankenstein” où une “troisième présence” émerge de la tension entre le chaos viscéral influencé par le punk d'Ocampo et la précision virtuose hyper-polie de Ventura.

Le processus derrière l'exposition impliquait un va-et-vient unique à la galerie, où un artiste déposait une impression numérique ou une couche initiale, et l'autre réagissait, construisait dessus ou l'oblitérait, aboutissant à des œuvres qu'aucun des deux artistes n'aurait pu produire seul. La galerie a comparé cette énergie visuelle à “Dead Kennedys jamment avec Dream Theater”, créant une “zone instable” d'esthétiques conflictuelles—l'imagerie pop-surréaliste élégante de Ventura aux prises avec les symboles bruts anti-establishment et l'iconographie religieuse d'Ocampo. Située au Grand Hyatt Manila Residences à Taguig, Dialogo s'est dressée comme une provocation défiant la “logique du marché” en divisant la paternité et en invitant les spectateurs à témoigner d'une conversation volatile et stratifiée sur la vie contemporaine, l'histoire et l'identité.

Pendant ce temps, Silverlens Manila a lancé l'année avec deux puissantes expositions personnelles simultanées. Dans Kahapon Muli Bukas, l'artiste féministe pionnière Imelda Cajipe Endaya a présenté sa deuxième exposition solo avec la galerie, ancrée par le retour de son installation pivot de 1995, Filipina DH. Exposée pour la première fois il y a près de 30 ans à la NCCA Gallery, l'installation présente des objets personnels donnés—tels que des valises cabossées et un chemisier froissé portant l'inscription “dignidad”—pour confronter les réalités épuisantes et les sacrifices des travailleuses domestiques migrantes philippines. L'exposition situe cette pièce historique aux côtés de ses œuvres récentes en techniques mixtes, qui abordent des problèmes contemporains comme le changement climatique et l'oppression religieuse tout en plaçant les femmes marginalisées, des prêtresses précoloniales aux femmes transgenres, fermement au centre de l'imagination nationale.

Parallèlement se tenait Merging, la troisième exposition solo de Lou Lim à Silverlens, qui a défié et effondré les frontières traditionnelles entre peinture et sculpture. La pratique de Lim traite une toile finie comme un “champ à miner”, employant une méthodologie hautement physique et axée sur le processus. En appliquant puis en décollant des pochoirs en vinyle découpés à la machine qui imitent les lignes entrecroisées de la peau humaine sur des ciels peints, elle crée une troisième œuvre d'art distincte à partir des couches retirées, laissant les toiles originales porter les cicatrices physiques de leur fabrication. L'exposition résultante offrait une réflexion profonde sur la matérialité et le processus, naviguant dans la tension entre des forces opposées telles que l'additif contre le soustractif, et le corps sur le paysage.

Une autre collaboration qui a attiré notre attention était le festival d'art de la performance de Triangulum au musée Ayala du 26 janvier au 8 février, qui coïncidait avec les 10 Days of Art d'Ayala Land. Curatée par Vanini Belarmino, l'exposition Mothering/Unmothering au musée Ayala a offert une exploration profonde des soins maternels qui transcende les définitions biologiques traditionnelles. L'exposition a rassemblé 13 projets de 8 artistes divers—dont Jane Jin Kaisen, Lynn Lu et Lilibeth Cuenca Rasmussen—qui ont utilisé la performance, la vidéo et l'installation pour interroger les cycles complexes de l'éducation, de l'épuisement et de la libération. Plutôt que de présenter un portrait idéalisé de la maternité, la vitrine a examiné les réalités fluides et souvent contradictoires de la prestation de soins, honorant le travail vital effectué par les parents célibataires, les grands-mères et les travailleuses domestiques migrantes. Simultanément, elle a mis en lumière le concept de ‘dématernage’, qui englobait des moments nécessaires de détachement, de refus et de lâcher-prise. En transformant des espaces publics familiers en sites intimes de rencontre, le projet a invité le public à réfléchir sur l'immense travail physique et émotionnel ancré dans les actes universels de tenir bon et de relâcher.

Maintenant, faisons le tour des expositions actuelles que vous ne devriez pas manquer et d'autres nouvelles récentes de la scène alors que nous continuons à célébrer la nouvelle année et le Mois national des arts :

Inaugurant l'année lunaire 2026 du Cheval, le Conrad Manila présente Spectrum of Abundance, une exposition solo opportune de Lizanne Uychaco à la Gallery C. Reconnue comme la première et unique artiste feng shui des Philippines, Uychaco dévoile une collection de 24 pièces curatée par l'estimé connaisseur d'art Nes Jardin dans le cadre de la série signature de l'hôtel Of Art and Wine. Se déroulant jusqu'au 21 mars, l'exposition présente des œuvres en techniques mixtes richement texturées qui fusionnent l'ancien symbolisme oriental avec des pratiques artistiques modernes. Puisant dans son héritage sino-philippin et sa vaste formation multidisciplinaire, Uychaco utilise abondamment le cheval—une représentation de la liberté, de la persévérance et de l'élan vers l'avant—associé à son motif signature de la pièce de monnaie orientale auspicieuse, qui symbolise l'équilibre entre le ciel et la terre. Ensemble, ces éléments transforment l'espace de la galerie en une célébration contemplative de l'harmonie, de la chance et de la prospérité, offrant aux spectateurs un début visuellement frappant et spirituellement édifiant pour la nouvelle année lunaire.

Ouverte jusqu'au 21 février, Aurae II marque une profonde exposition pour l'abstractionniste vétéran Augusto “Gus” Albor. Organisée dans le cadre d'un partenariat spécial avec Bocca et WWRS Philippines, la vitrine repousse les limites de l'art minimaliste vers une rencontre multisensorielle, associant la retenue visuelle d'Albor à des expériences culinaires curatées. Avec un texte d'accompagnement de la curatrice Carina Gaskell, le spectacle explore le concept d'“aurae”—les champs d'énergie mentale, émotionnelle et spirituelle invisibles qui entourent les personnes, les lieux et les objets. Albor distille magistralement ces énergies sur la toile en utilisant des couleurs et des textures sourdes, créant des œuvres qui fonctionnent comme des fractales émettant leurs propres auras distinctes. Décrivant son processus d'expérimentation ludique comme une forme de méditation, Albor invite les spectateurs à entrer dans sa pratique contemplative, offrant un espace calme pour refaire surface et sentir leurs propres énergies changer en réponse au monde qui les entoure.

L'exposition multi-galeries inaugurale d'Art Lounge Manila, Buhay Pinoy, a été bien accueillie à Art Lounge Manila au Podium (du 3 au 13 février), à la Galerie Francesca au Festival Mall (du 5 au 18 février) et à la Galerie Joaquin à BGC (du 7 au 17 février). Elle continue de se dérouler à la Galerie Joaquin au Podium (jusqu'au 22 février) et à la Galleria Nicolas à Greenbelt (jusqu'au 24 février). Buhay Pinoy est une série d'exposition expansive célébrant l'héritage durable et l'évolution joyeuse de la peinture de genre philippine. Retraçant ses racines depuis les premiers maîtres comme Damián Domingo et Fernando Amorsolo, le langage visuel de l'expérience quotidienne philippine est réimaginé par plus de quatre-vingts artistes contemporains—dont Lydia Velasco, Michael Cacnio, Norma Belleza et Francis Nacion. À travers une collection vibrante de peintures et de sculptures, l'exposition capture des scènes familières de famille, de foi, de travail et de communauté, servant d'affirmation puissante de fierté culturelle et de résilience.

Dans le cadre de la transformation de Makati en une “galerie vivante” pour le Mois national des arts, l'“Art Walk par Ayala Land” a prolongé ses installations d'art public gratuites jusqu'à la fin février. Rendue possible par une collaboration entre Ayala Land, Inc., Ayala Foundation, Inc., Make It Makati, Circuit Makati, Ayala Malls et Art Fair Philippines, l'initiative à l'échelle de la ville transforme les espaces urbains quotidiens en moments immersifs de créativité et de réflexion. Le public peut déambuler à travers le quartier central des affaires de Makati (MCBD) et Circuit Makati pour découvrir une gamme diversifiée d'œuvres. Dans le MCBD, les points forts incluent Underground de Fotomoto PH au passage souterrain Paseo, et Between Thoughts numérique d'Isaiah Cacnio à Glorietta et au terminal de transport One Ayala. Du côté de Circuit Makati, l'empreinte créative s'étend avec Carousel de Ronald Ventura, Untitled de Leeroy New, Taga Sta. Ana Ka Kung… d'Isabel et Alfredo Aquilizan, et l'exposition collaborative PROTEGERI: Creating Today, Protecting Tomorrow de Leeroy New, Solenn Heussaff et Vito Selma, qui restera visible au Samsung Performing Arts Theater jusqu'au 30 mars 2026.

Le Metropolitan Theater ouvre la première de ses expositions d'artistes nationaux de l'année, intitulée Portraits of a National Artist as Kultur Warrior, mettant en lumière l'Artiste national pour le cinéma Kidlat Tahimik. Se déroulant jusqu'au 28 février à la MET Gallery, elle rend hommage à la vie, au plaidoyer et à l'influence culturelle durable du cinéaste et conteur Kidlat Tahimik, un champion passionné de l'identité indigène et de la décolonisation. Connu pour son personnage distinct d'“artiste fou”—avec des dreadlocks, un bouc effilé et sa caméra en bambou emblématique—Tahimik a servi de muse convaincante à des générations de créatifs bien avant sa nomination officielle. L'exposition retrace un récit visuel remarquable de 50 ans à travers des portraits créés par divers artistes. Les œuvres présentées incluent une peinture de 1973 de sa défunte épouse, Katrin de Guia ; un dessin éditorial de 1983 de Nonoy Marcelo ; des photographies des années 1990 de Boy Yñiguez ; des boiseries du sculpteur Ifugao Chris Atiwon ; et même des croquis ludiques de 2025 de ses petits-enfants. Ensemble, la collection reflète non seulement l'interprétation artistique mais aussi un profond respect pour un mentor affectueusement appelé ‘Tatay’ ou ‘Kuya’, dont le travail continue de défier les récits coloniaux et de célébrer l'identité philippine.

Ouverte le 16 janvier—alors que le pays célébrait ses festivals annuels nationaux centrés sur le Santo Niño—Balaang Bata à la NCCA Gallery à Intramuros présente une exposition profonde de la dévotion philippine durable envers ce titre christologique. Dirigée par le président de la Commission nationale pour la culture et les arts (NCCA), Eric B Zerrudo, l'exposition rassemble une sélection diversifiée d'images et de sculptures du Saint Enfant provenant de tout le pays. Présentant des pièces—dont beaucoup ont plus d'un siècle et sont sculptées dans le bois—provenant de collectionneurs privés tels que Claude Tayag et Francis Ong, le spectacle met en lumière comment un objet de conquête est devenu un symbole de foi intime et quotidienne. Il invite les visiteurs à voir le Santo Niño non seulement comme une icône religieuse, mais comme une présence tendre et accessible profondément tissée dans le tissu des foyers et des traditions philippines. L'exposition est ouverte jusqu'au 28 février.

Marquant son 50e anniversaire, la Galleria Duemila—la plus ancienne galerie d'art commerciale des Philippines—présente Avanti Sempre Avanti (Forward Always Forward), une exposition célébrant le profond héritage et la vision intuitive de sa fondatrice et directrice artistique, Silvana Ancellotti Diaz. Curatée par Angel Velasco Shaw, l'exposition est prolongée jusqu'au 28 mars et présente 47 œuvres rarement vues extraites de la vaste collection et des archives de la galerie. Allant de 1957 à 2018, les peintures, sculptures et œuvres en techniques mixtes sélectionnées représentent 37 artistes, dont 12 membres du légendaire Saturday Group, tels que les Artistes nationaux Benedicto Cabrera, Jose Joya et Cesar Legaspi, pour n'en nommer que quelques-uns. L'exposition retrace l'immersion culturelle profonde de Diaz depuis son arrivée d'Italie dans les années 1970, mettant en valeur son attirance précoce pour l'art abstrait, minimaliste et expressionniste philippin. Classées chronologiquement, les œuvres agissent comme des “notes musicales dans une composition lyrique”, transcendant la catégorisation rigide pour refléter une camaraderie d'esprit et l'engagement indéfectible de la galerie envers un art qui “parle à l'âme” plutôt qu'à la simple valeur marchande.

Pour célébrer le Mois national des arts, le Purita Kalaw-Ledesma (PKL) Center et Tin-aw Art Management co-présentent imposed imperative, archival insistence: Brenda V. Fajardo in the scrapbooks of Purita Kalaw-Ledesma. Se déroulant jusqu'au 8 mai, l'exposition explore les héritages entrelacés de la défunte artiste philippine hautement décorée Brenda Villanueva Fajardo (1940–2024) et de la mécène d'art pionnière Purita Kalaw-Ledesma. À travers une curation captivante de cartes de tarot, de textes et d'albums, le spectacle retrace les chemins bien usés des femmes qui ont cherché à historiciser l'art philippin, guidées par l'éthique de Fajardo de “rien en excès, travailler de manière créative avec ce que nous avons”. Fajardo, dont les œuvres ont été exposées internationalement et profondément engagées dans l'histoire, la mythologie et les questions socio-politiques philippines, a également été honorée simultanément à l'Art Fair Philippines 2026. Sa présentation, “manifest,” qui figurait dans la section curatée ArtFairPH/Projects au Circuit Corporate Center One du 6 au 8 février, a reçu beaucoup d'attention et est devenue un point culminant majeur pour les visiteurs de la foire. Le public captivé par sa vitrine très commentée à l'Art Fair peut désormais approfondir son expérience de son profond héritage en visitant l'exposition en cours au PKL Center jusqu'au 8 mai.

Au Pinto Art Museum, les œuvres de Mark Justiniani continuent de servir de pièce maîtresse époustouflante, défiant les visiteurs de questionner la nature même de la perception et de la réalité. Connu pour sa maîtrise du “réalisme magique” et ses racines avec l'influent collectif Salingpusa—soutenu très tôt par le fondateur du musée, le Dr Joven Cuanang—les installations de Justiniani utilisent souvent des miroirs, de la lumière et des espaces profonds et reculés pour créer l'illusion de vides infinis. Son art transforme la galerie en un labyrinthe de profondeur spatiale, attirant les spectateurs dans des “tunnels” qui semblent s'étendre sans fin dans le sol ou les murs, brouillant la ligne entre l'objet physique et l'abîme virtuel. Ces pièces immersives ancrent non seulement la collection contemporaine du musée, mais invitent également le public à s'engager dans un dialogue viscéral sur l'histoire, la mémoire et les “zones instables” de la vérité, en faisant une étape essentielle de toute exposition pour quiconque navigue sur la scène artistique de Manille ce mois-ci. L'exposition se poursuit jusqu'au 24 mai.

Actuellement visible au Museo Pambata, l'exposition Dwellings est une installation participative à grande échelle des artistes contemporains philippins de renommée internationale Alfredo et Isabel Aquilizan. Dans le cadre de la série de longue date des artistes In-Habit (Project Another Country)—qui a débuté à Sydney en 2010 et a depuis voyagé en Chine, aux Pays-Bas, à Singapour et en Corée du Sud—l'exposition souligne l'importance des voix des enfants dans le façonnement des conversations sur le foyer, le lieu et notre avenir commun. Présentée dans le cadre du programme VIP de l'Art Fair Philippines 2026, l'installation évolutive est hébergée dans la salle Hiraya rouverte du musée, la transformant en un espace dynamique pour l'imagination, la narration et la co-création. Pour s'engager davantage avec la communauté, le Museo Pambata organise l'atelier Dwellings Cardboard Home le samedi 28 février, de 14h à 16h. Pour un tarif raisonnable, qui couvre l'entrée au musée et le matériel, les enfants (âgés de 6 ans et plus, avec la supervision d'un adulte) et leurs familles peuvent concevoir et construire leurs propres maisons, arbres et structures en carton à ajouter directement à la “ville vivante” toujours croissante de l'exposition.

Après près de trois décennies à façonner le discours sur l'art contemporain en Asie du Sud-Est à travers Singapour, Jakarta et Yogyakarta, la Gajah Gallery a officiellement planté son drapeau aux Philippines. Ouvrant ses portes le 28 novembre dernier, le nouvel espace de Manille marque une étape importante dans la mission de la galerie d'approfondir les réseaux artistiques et de favoriser les échanges interculturels au sein de la région.

Située au cœur de Manille—une ville reconnue pour son énergie créative vibrante—la nouvelle galerie vise à servir de plateforme dynamique pour des conversations critiques, connectant les artistes régionaux avec le public international.

Pour célébrer ce nouveau chapitre, Gajah Gallery Manila a inauguré son espace avec Confabulations : A Fantasy of the Real. Curatée par Joyce Toh, l'exposition de groupe marquante a présenté une liste exceptionnelle de 17 artistes renommés que la galerie a représentés ou avec lesquels elle a collaboré au fil des ans. La liste prestigieuse comprenait des piliers de l'art philippin tels que l'Artiste national BenCab, Mark Justiniani, Charlie Co, Marina Cruz, Kiri Dalena, Kawayan de Guia et Leslie de Chavez, aux côtés de poids lourds régionaux comme Jane Lee, Erizal As, I Gusti Ayu Kadek Murniasih et Suzann Victor.

Confabulations s'est délectée des formes multiformes de la réalité et du réalisme, sondant une question centrale : “Quel genre de réalisme peut vraiment dépeindre ‘le réel’ ?” L'exposition a exploré comment les artistes réinterprètent et réimaginent le monde à travers des approches variées—du surréel à l'hyperréel, et du social au spéculatif. S'appuyant sur la définition psychiatrique de “confabulation”—inventer des expériences qui ne se sont jamais produites mais qui sont ressenties comme vraies—le spectacle a présenté une métaphore puissante de la façon dont les artistes naviguent entre perception et vérité dans un monde post-vérité. Comme l'a noté la galerie, citant le célèbre dicton, “L'art est le mensonge qui dit la vérité”, l'exposition invitait le public dans un terrain mouvant de perception, où des vérités plus profondes sont souvent illuminées par le surréalisme, l'abstraction ou la fiction.

Suite au succès de son spectacle inaugural de groupe, Gajah Gallery Manila présente actuellement Halik Sa Lupa (A Kiss on the Ground), la dernière exposition solo de l'artiste philippin Leslie de Chavez. Se déroulant jusqu'au 1er mars, l'exposition voit de Chavez retourner dans sa province natale de Quezon en tant que témoin et interlocuteur.

Également curatée par Joyce Toh, Halik Sa Lupa se déploie comme un tableau vibrant d'installations en techniques mixtes, de sculptures et de peintures. Les œuvres s'inspirent fortement des célèbres fêtes de Lucban, y compris le festival de la récolte Pahiyas, les rites de la Semaine sainte et les parades de Higantes (géants). À travers ces pièces culturellement enracinées et visuellement somptueuses, de Chavez explore l'entrelacement de la foi, de l'excès et de l'endurance au sein d'une psyché collective façonnée à la fois par l'abondance et l'iniquité. L'exposition sonde les paradoxes au cœur de la dévotion philippine : révérence et indulgence, sacrifice et spectacle, piété et performance. De Chavez séduit les spectateurs par la splendeur—utilisant des surfaces dorées, des teintes vives et des formes monumentales—tout en dévoilant simultanément les tensions entre foi et pouvoir, richesse et besoin. Sa vision acérée et empathique expose la dissonance entre l'abondance de la terre et la privation de ceux qui y travaillent.

Connu pour ses critiques incisives des héritages coloniaux et de la corruption institutionnelle, de Chavez considère les rituels et les rites comme des ancres et des miroirs—des moyens de négocier la continuité tout en révélant les contradictions humaines sous-jacentes. Notamment, plusieurs œuvres ont été créées en collaboration avec les habitants de Lucban, impliquant grands-parents et enfants dans la fabrication et la dorure des Higantes et d'un taureau d'or. D'autres pièces ont été réalisées grâce à une collaboration transfrontalière au Yogya Art Lab (YAL), élargissant le vocabulaire matériel de l'artiste. Ces actes collectifs de fabrication et de réimagination deviennent eux-mêmes des rituels contemporains, réaffirmant la communauté et ré-enchantant le sol dont ils jaillissent. Dans Halik sa Lupa, le rituel devient résistance, et la création devient communion.

Nous terminons notre tour d'horizon en revenant sur la célébration mondiale du 100e anniversaire de l'Art déco. Cette année, la NCCA rend hommage à l'impact du mouvement stylistique influent sur le mode de vie du pays en publiant le calendrier A Century of Art Deco in the Philippines. Conceptualisé, conçu et écrit par le journaliste et chercheur culturel Roel Hoang Manipon, le calendrier met en lumière 12 structures notables—une pour chaque mois—qui illustrent l'impact durable de l'Art déco sur les bâtiments civiques, les établissements d'enseignement et les résidences à travers l'archipel. Du Daku Balay à Bacolod City au Metropolitan Theater à Ermita (qui célèbre également son 95e anniversaire cette année), la publication sert à la fois d'outil de mesure du temps et de référence culturelle accessible. La curation de Manipon souligne comment l'Art déco a non seulement embelli le paysage philippin, mais a également joué un rôle crucial dans le façonnement de la vision de la modernité du pays au tournant du 20e siècle.

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