La regina del sitar Anoushka Shankar racconta come Joe Hisaishi e Björk l'abbiano ispirata, il suo ritorno a Hong Kong e le collaborazioni con Norah Jones

Bentornata a Hong Kong. È passato molto tempo dalla sua ultima esibizione qui. Cosa può aspettarsi il pubblico da questo concerto e in cosa differirà dalla sua precedente visita?
L’unica volta che mi sono esibita a Hong Kong è stato oltre 20 anni fa, come parte dell’ensemble di mio padre. Fu un concerto di musica classica indiana molto tradizionale e non ho mai tenuto un mio spettacolo da protagonista lì. Da allora, c’è stata un’enorme evoluzione nel mio stile e nella mia identità sonora.

Questa performance imminente è uno spettacolo orchestrale, il che lo rende radicalmente diverso. Presentiamo un adattamento sinfonico unico dei miei ultimi tre album, intrecciati in tre distinti movimenti invece del formato standard di canzoni singole. Il primo movimento traccia una transizione delicata da un evento importante della vita; il secondo si concentra su uno spazio notturno profondamente intimo di guarigione e riflessione; il terzo esplode in un nuovo giorno pieno di energia.

Quali sono le sfide creative e tecniche nel coniugare il sitar con un’orchestra occidentale come la City Chamber Orchestra of Hong Kong?
Quando si riducono entrambe le grandi tradizioni ai minimi termini, si affronta una tavolozza molto limitata poiché la musica indiana opera sul sistema dei raga. Si basa interamente su forme melodiche complesse piuttosto che sull’armonia e il contrappunto occidentali. Pertanto, l’orchestrazione richiede un equilibrio attento affinché non suoni come un semplice spettacolo “pop” arricchito da un sottofondo. Lavorando con il nostro direttore e arrangiatore Robert Ames, siamo riusciti a usare l’orchestra per raccontare la storia in un modo completamente nuovo.

L’ostacolo tecnico principale è l’accordatura. Il sitar è stato progettato per spazi classici indiani. Sotto il nostro ponte principale abbiamo 13 corde di risonanza simpatica che creano quel ronzio shimmer del sitar immediatamente riconoscibile. Devono essere accordate con precisione sulla scala specifica del brano. Poiché un’orchestra cambia tonalità rapidamente, devo strutturare i pezzi in modo intelligente per poter riaccordare sotto la copertura dell’orchestra, usando un pedale di muting per sentirmi senza infliggere il processo al pubblico.

Nel caso ve lo foste perso: Il violinista vincitore del Grammy Charles Yang sul lavoro con il compositore di ‘Bridgerton’ Kris Bowers, l’esplorazione dell’IA nella musica e altro ancora

Il suo lavoro fonde radici classiche antiche con stili contemporanei. Come ha iniziato a oltrepassare questi confini di genere?
Fin dall’inizio della mia carriera come compositrice, ho semplicemente voluto scrivere musica che riflettesse onestamente chi sono e il mondo cosmopolita che vivevo. Mentre ho passato la mia infanzia immersa nell’antica cultura indiana e nella musica con la mia famiglia, stavo crescendo simultaneamente in tre diversi continenti: vivendo a Londra, in una metropolitana New Delhi e in California. Muovermi fluidamente tra queste culture ha reso lo stile crossover naturale per me.

Quali artisti o generi al di fuori dell’ambito classico hanno plasmato la sua prospettiva musicale durante gli anni della formazione?
Da adolescente negli anni Novanta, mi allontanavo dall’intenso addestramento classico per ascoltare hip-hop, trip-hop e musica elettronica pesante. Sono stata profondamente influenzata dai suoni avanguardistici di Björk, Massive Attack, Portishead, Nine Inch Nails e Rage Against the Machine. Quella musica mi permetteva di essere una teenager scatenata prima di rientrare nelle formali sale da concerto. Ero anche affascinata dal soul, dal folk e dalla pura scrittura melodica degli anni Sessanta e Settanta.

È interessante notare come l’ascesa del movimento neoclassico moderno negli ultimi 15 anni abbia creato un bellissimo parallelo per quello che faccio. Ha mostrato al pubblico che la musica classica non è un pezzo da museo stagnante; dovrebbe evolversi per riflettere la nostra epoca attuale.

Avendo visitato luoghi come Hong Kong, la città o la regione asiatica ispirano la sua musica in qualche modo?
Assolutamente. Mio figlio mi ha recentemente fatto scoprire una band giapponese meravigliosa chiamata Lamp, che presenta splendide melodie pentatoniche radicate nelle antiche tradizioni giapponesi. Ma le composizioni di Joe Hisaishi sono profondamente speciali. C’è stato un periodo in cui scrivevo materiale nuovo e mi ritrovavo ad ascoltare la sua colonna sonora per La storia della Principessa Splendente dello Studio Ghibli in loop. La musica della processione celestiale alla fine del film, quando la principessa viene riportata in paradiso, è così semplice, emotivamente pura e devastantemente bella. L’ispirazione creativa può arrivare dai luoghi più inaspettati.

Il sitar è stato storicamente percepito come uno strumento dominato dagli uomini. Ha visto l’industria diventare più inclusiva per le strumentiste?
Storicamente, non ci sono mai state regole culturali che proibissero alle donne di padroneggiare il sitar. Se guardate alla mia genealogia musicale secoli fa, la nostra stirpe è stata fondata equamente dal figlio e dalla figlia del nostro guru, la quale rimane una figura musicale profondamente venerata.

Lo squilibrio non è specifico della musica stessa; è un riflesso di strutture sociali più ampie. Incontro innumerevoli studentesse eccezionali che suonano il sitar meravigliosamente. Tuttavia, una volta passati al circuito professionale dei tour internazionali, i numeri calano drasticamente. I tour sono uno stile di vita incredibilmente impegnativo che richiede di lasciare casa per lunghi periodi. Le società patriarcali tradizionali sono strutturate per fornire a un artista maschile una struttura di supporto domestico, mentre alle artiste viene raramente concessa la stessa opportunità. La soluzione richiede piattaforme che abbraccino l’intero settore, insieme a cambiamenti profondi nella sfera privata e domestica.

Le sue collaborazioni con sua sorella, Norah Jones, sono amate dai fan di tutto il mondo. Nonostante lavoriate in generi completamente diversi, cosa rende il vostro rapporto musicale così bello?
Ironicamente, nonostante i nostri stili musicali decisamente differenti, l’esatta abilità che abbiamo in comune è un profondo amore e maestria nell’arte della collaborazione. Norah ha un orecchio e una mente incredibilmente aperti, e io ho trascorso oltre due decenni a collaborare tra generi, dal flamenco al jazz, fino a lavorare con icone pop come Jacob Collier e i Gorillaz. Quando entriamo in uno studio insieme, possiamo contare su quella sorta di linguaggio collaborativo condiviso, oltre alla nostra profonda connessione familiare. Non ci sono progetti concreti sulla carta al momento, ma essendo sorelle, quella curiosità reciproca ci riporta sempre l’una all’altra. Altre collaborazioni in futuro sono una certezza.

Guardando al futuro, cosa può rivelare sui suoi prossimi progetti creativi?
Questo è stato un anno incredibilmente appagante. Dopo questo capitolo orchestrale, intraprenderò un tour in Asia orientale a ottobre con il mio quartetto strumentale principale, che includerà la mia prima serie di spettacoli in Cina, oltre ai ritorni in Giappone, Malesia e Thailandia. A differenza della grande architettura calibrata dello spettacolo orchestrale, il quartetto ci permette di suonare questo repertorio in uno stile più selvaggio, sregolato e fortemente improvvisato.

Oltre ai tour, sto attualmente componendo per alcuni progetti non legati ad album, tra cui una serie televisiva e un pezzo di teatro musicale, prima di immergermi nello studio di registrazione per plasmare il mio prossimo album l’anno prossimo.

LEGGI ANCHE

Lucy Liu scambia la macchina fotografica con la tela per la sua nuova mostra d’arte a New York che esplora la famiglia e l’eredità culturale

5 cose da sapere sulla stella della direzione d’orchestra a Hong Kong, Elim Chan

Un’alleanza storica: all’interno della partnership strategica tra il museo M+ e il Centre Pompidou