Anoushka Shankar, reine du sitar : ses inspirations, de Joe Hisaishi à Björk, son retour à Hong Kong et sa collaboration avec Norah Jones

Bienvenue à Hong Kong. Cela fait longtemps depuis votre dernière prestation ici. À quoi le public doit-il s’attendre et en quoi ce concert diffère-t-il de votre précédente visite ?
La seule fois où je me suis produite à Hong Kong, c’était il y a plus de 20 ans, au sein de l’ensemble de mon père. C’était un concert de musique classique indienne très traditionnel, et je n’y ai jamais donné mon propre concert. Mon style de jeu et mon identité sonore ont connu une évolution massive depuis lors.

Ce spectacle est une performance orchestrale, ce qui le rend fondamentalement différent. Nous présentons une adaptation symphonique unique de mes trois derniers albums, articulée autour de trois mouvements distincts. Le premier mouvement trace la transition douce après un événement majeur ; le second se concentre sur un espace nocturne intime de guérison et de réflexion ; le troisième éclate en un jour nouveau hautement énergique.

Quels sont les défis créatifs et techniques du mariage entre le sitar et un orchestre occidental comme le City Chamber Orchestra of Hong Kong ?
Lorsque vous réduisez ces deux grandes traditions à leurs dénominateurs communs, vous faites face à une palette très restreinte, car la musique indienne repose sur le système des râgas. Elle est fondée sur des mélodies complexes plutôt que sur l’harmonie et le contrepoint occidentaux. L’orchestration exige un équilibre précis pour ne pas paraître comme un simple concert pop avec un fond sonore étoffé. En travaillant avec notre chef d’orchestre Robert Ames, nous avons utilisé l’orchestre pour raconter l’histoire d’une manière totalement nouvelle.

Le principal obstacle technique est l’accordage. Le sitar a été conçu physiquement pour des espaces indiens classiques. Sous notre chevalet principal, nous avons 13 cordes sympathiques qui créent ce drone de sitar chatoyant si reconnaissable. Elles doivent être accordées précisément sur la gamme de la pièce. Comme un orchestre change rapidement de tonalité, je dois structurer les pièces intelligemment pour me réaccorder à couvert, en utilisant une pédale de sourdine pour m’entendre sans imposer ce processus au public.

Si vous l’avez manqué : Le violoniste récompensé aux Grammy Charles Yang sur sa collaboration avec Kris Bowers, compositeur de “Bridgerton”, son exploration de l’IA en musique et plus encore

Votre travail mêle racines classiques anciennes et styles contemporains. Comment avez-vous commencé à franchir ces frontières de genre ?
Dès le début de ma carrière de compositrice, j’ai simplement voulu écrire une musique qui reflétait honnêtement qui je suis et le monde cosmopolite que je parcourais. Alors que j’ai passé mon enfance immergée dans la culture et la musique indiennes anciennes avec ma famille, j’ai grandi sur trois continents différents, vivant à Londres, dans la métropole de New Delhi et en Californie. Passer fluidement entre ces cultures a rendu ce style métissé totalement organique pour moi.

Quels artistes ou genres hors du domaine classique ont façonné votre perspective musicale durant vos années de formation ?
Adolescente dans les années 90, je m’éloignais de ma formation classique intensive pour écouter du hip-hop, du trip-hop et de la musique électronique lourde. J’étais profondément influencée par les sons avant-gardistes de Björk, Massive Attack, Portishead, Nine Inch Nails et Rage Against the Machine. Cette musique m’a permis d’être une adolescente sauvage avant de retourner dans les salles de concert formelles. J’étais également captivée par la soul des années 60 et 70, le folk et la composition mélodique pure.

Il est intéressant de noter que l’émergence du mouvement néoclassique moderne ces 15 dernières années a créé un beau parallèle avec mon travail. Cela a montré au public que la musique classique n’est pas une pièce de musée stagnante ; elle est censée évoluer pour refléter notre époque actuelle.

Après avoir visité des lieux comme Hong Kong, la ville ou la région de l’Asie inspire-t-elle votre musique ?
Absolument. Mon fils m’a récemment fait découvrir un merveilleux groupe japonais appelé Lamp, qui propose de magnifiques mélodies pentatoniques ancrées dans les traditions japonaises anciennes. Mais les compositions de Joe Hisaishi sont vraiment spéciales. Il y a eu une période où, alors que j’écrivais, j’écoutais en boucle sa partition pour le film du Studio Ghibli, Le Conte de la princesse Kaguya. La musique de la céleste parade à la fin du film, quand la princesse retourne au ciel, est si simple, émotionnellement pure et terriblement belle. L’inspiration créative peut surgir des endroits les plus inattendus.

Le sitar a été perçu historiquement comme un instrument dominé par les hommes. Avez-vous vu l’industrie devenir plus inclusive pour les instrumentistes féminines ?
Historiquement, il n’y a jamais eu de règles culturelles interdisant aux femmes de maîtriser le sitar. Si vous regardez notre propre généalogie musicale, notre lignée a été fondée également par le fils et la fille de notre gourou, cette dernière restant une figure musicale profondément vénérée.

Le déséquilibre n’est pas spécifique à la musique elle-même ; il reflète des structures sociétales plus larges. Je rencontre d’innombrables étudiantes exceptionnelles qui jouent magnifiquement du sitar. Cependant, une fois que l’on passe au circuit international professionnel, les chiffres chutent de manière significative. Les tournées sont un mode de vie incroyablement exigeant. Les sociétés patriarcales traditionnelles sont configurées pour fournir à l’artiste masculin une structure de soutien domestique, alors que les artistes féminines bénéficient rarement de ce même luxe. La solution exige des plateformes à l’échelle de l’industrie parallèlement à des changements domestiques privés.

Vos collaborations avec votre sœur, Norah Jones, sont adorées par les fans du monde entier. Malgré des genres différents, qu’est-ce qui rend votre relation musicale si belle ?
Ironiquement, malgré nos styles musicaux radicalement différents, la compétence exacte que nous partageons est une passion profonde pour l’art de la collaboration. Norah a une oreille et un esprit incroyablement ouverts, et j’ai passé plus de deux décennies à collaborer à travers les genres, du flamenco au jazz, en passant par des collaborations avec des icônes pop comme Jacob Collier ou les Gorillaz. Quand nous entrons en studio ensemble, nous pouvons nous appuyer sur ce raccourci collaboratif partagé en plus de notre lien familial profond. Il n’y a pas de projets concrets sur papier pour le moment, mais parce que nous sommes sœurs, cette curiosité mutuelle nous rapproche toujours. D’autres collaborations sont une certitude.

Quels sont vos projets créatifs futurs ?
Cette année a été incroyablement épanouissante. Après ce chapitre orchestral, j’entamerai une tournée en Asie de l’Est en octobre avec mon quatuor instrumental, y compris ma première série de concerts en Chine continentale, ainsi que des retours au Japon, en Malaisie et en Thaïlande. Contrairement à l’architecture calibrée du spectacle orchestral, le quatuor nous permet de jouer ce répertoire dans un style plus sauvage et fortement improvisé.

Au-delà des tournées, je compose actuellement pour quelques projets, notamment une série télévisée et une comédie musicale, avant de plonger en studio pour façonner mon prochain album l’année prochaine.

À LIRE ÉGALEMENT

Lucy Liu troque la caméra pour la toile lors d’une nouvelle exposition new-yorkaise explorant la famille et l’héritage culturel

5 choses à savoir sur Elim Chan, la chef d’orchestre star de Hong Kong

Une alliance historique : au cœur du partenariat stratégique entre le M+ et le Centre Pompidou