La reina del sitar, Anoushka Shankar, sobre su inspiración en Joe Hisaishi y Björk, su visita a Hong Kong y su colaboración con Norah Jones

Bienvenida de nuevo a Hong Kong. Ha pasado tiempo desde su última actuación aquí. ¿Qué puede esperar el público de este próximo concierto y cómo diferirá de su visita anterior?
La única vez que actué en Hong Kong fue hace más de 20 años como parte del conjunto de mi padre. Fue un concierto clásico indio muy tradicional, y nunca había realizado mi propio espectáculo principal allí. Ha habido una evolución masiva en mi estilo de interpretación e identidad sonora desde entonces.

Esta próxima actuación es un espectáculo orquestal, lo que la hace fundamentalmente diferente. Presentamos una adaptación sinfónica única de mis tres últimos álbumes, entretejidos en tres movimientos distintos en lugar de un formato estándar. El primer movimiento marca una transición tierna tras un evento vital importante; el segundo se centra en un espacio nocturno íntimo de sanación y reflexión; y el tercero estalla en un nuevo día cargado de energía.

¿Cuáles son los desafíos creativos y técnicos de combinar el sitar con una orquesta occidental como la City Chamber Orchestra of Hong Kong?
Al reducir ambas tradiciones a sus denominadores comunes, te enfrentas a una paleta muy minimalista porque la música india opera bajo el sistema raga. Se basa completamente en formas melódicas complejas en lugar de la armonía y el contrapunto occidentales, y tendemos a no modular. Por lo tanto, una orquestación requiere un equilibrio cuidadoso para que no parezca solo un espectáculo “pop” estándar con fondo. Trabajando con nuestro director Robert Ames, logramos utilizar la orquesta para contar la historia de una forma completamente nueva.

El principal obstáculo técnico es la afinación. El sitar fue diseñado para espacios clásicos indios. Bajo nuestro puente principal, tenemos 13 cuerdas resonantes que crean ese zumbido característico del sitar. Deben afinarse precisamente según la escala de la pieza. Como una orquesta cambia de tono rápidamente, debo estructurar las piezas de forma inteligente para poder reajustar mi instrumento mientras la orquesta toca, usando un pedal de silencio para no incomodar a la audiencia.

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Su obra mezcla raíces clásicas antiguas con estilos contemporáneos. ¿Cómo empezó a cruzar estos límites de género?
Desde el comienzo de mi carrera, simplemente quería escribir música que reflejara honestamente quién soy y el mundo cosmopolita en el que vivía. Mientras pasaba mi infancia inmersa en la cultura y música india antigua con mi familia, crecía simultáneamente en tres continentes diferentes: Londres, un Nueva Delhi metropolitano y California. Moverme entre estas culturas hizo que un estilo de fusión fuera algo totalmente orgánico para Anoushka Shankar.

¿Qué artistas o géneros fuera del ámbito clásico moldearon su perspectiva musical durante sus años de formación?
Como adolescente en los noventa, me alejaba del entrenamiento clásico intensivo para escuchar hip-hop, trip-hop y música electrónica. Me influyeron profundamente los sonidos de vanguardia de Björk, Massive Attack, Portishead, Nine Inch Nails y Rage Against the Machine. Esa música me permitía ser una adolescente salvaje antes de regresar a las salas de concierto. También me cautivó el soul de los sesenta y setenta, el folk y la composición melódica pura.

Curiosamente, el auge del movimiento neoclásico moderno en los últimos 15 años ha creado un paralelo hermoso con mi trabajo. Ha demostrado al público que la música clásica no es una pieza de museo estancada: está hecha para evolucionar y reflejar nuestra época actual.

Tras visitar lugares como Hong Kong, ¿la ciudad o la región de Asia inspiran su música?
Absolutamente. Mi hijo me presentó hace poco a una maravillosa banda japonesa llamada Lamp, que tiene unas melodías pentatónicas hermosas arraigadas en tradiciones japonesas antiguas. Pero las composiciones de Joe Hisaishi son especiales. Hubo un periodo mientras escribía nuevo material en el que escuchaba su banda sonora para El cuento de la princesa Kaguya, del Studio Ghibli, constantemente. La música del desfile celestial al final de la película es tan simple, emocionalmente pura y devastadoramente bella. La inspiración creativa puede surgir de los lugares más inesperados para Anoushka Shankar.

El sitar ha sido percibido históricamente como un instrumento dominado por hombres. ¿Ha visto que la industria sea más inclusiva para las instrumentistas?
Históricamente, nunca ha habido reglas culturales que prohibieran a las mujeres dominar el sitar. Si observamos nuestra genealogía musical, nuestro linaje fue fundado equitativamente por el hijo y la hija de nuestro gurú; esta última sigue siendo una figura musical profundamente venerada.

El desequilibrio no es específico de la música; es un reflejo de estructuras sociales más amplias. Conozco innumerables estudiantes excepcionales que tocan el sitar maravillosamente. Sin embargo, al pasar al circuito profesional de giras internacionales, las cifras caen. Las giras son un estilo de vida exigente que requiere dejar el hogar por largos periodos. Las sociedades patriarcales tradicionales están configuradas para proporcionar al artista masculino una estructura de apoyo doméstico, mientras que las artistas femeninas rara vez gozan de ese mismo lujo.

Sus colaboraciones con su hermana, Norah Jones, son adoradas por los fans. A pesar de trabajar en géneros distintos, ¿qué hace que su relación musical funcione tan bien?
Irónicamente, más allá de nuestros estilos, la habilidad que compartimos es un amor profundo por el arte de la colaboración. Norah tiene una mente increíblemente abierta, y yo he pasado más de dos décadas colaborando en diversos géneros, desde el flamenco y el jazz hasta artistas como Jacob Collier y los Gorillaz. Cuando entramos a un estudio, aprovechamos esa complicidad colaborativa y nuestra profunda conexión familiar. No hay proyectos concretos en papel ahora mismo, pero por ser hermanas, esa curiosidad mutua siempre nos une. Más colaboraciones en el futuro para Anoushka Shankar son una certeza.

Mirando hacia el futuro, ¿qué puede revelar sobre sus próximos proyectos creativos?
Este ha sido un año increíblemente satisfactorio. Tras este capítulo orquestal, iniciaré una gira por Asia Oriental en octubre con mi cuarteto instrumental, incluyendo mis primeros espectáculos en China continental, además de regresos a Japón, Malasia y Tailandia. A diferencia de la gran arquitectura del espectáculo orquestal, el cuarteto nos permite tocar este repertorio con un estilo más salvaje e improvisado.

Más allá de las giras, estoy componiendo para proyectos ajenos a álbumes, incluyendo una serie de televisión y una pieza de teatro musical, antes de volver al estudio para grabar mi próximo disco el año que viene.

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