Ratu sitar Anoushka Shankar tentang bagaimana Joe Hisaishi dan Björk menjadi inspirasinya, kunjungan ke Hong Kong serta kolaborasi bersama Norah Jones

Selamat kembali ke Hong Kong. Sudah agak lama sejak persembahan terakhir anda di sini. Apakah yang boleh diharapkan oleh audiens daripada konsert akan datang ini, dan bagaimana ia berbeza daripada kunjungan anda sebelum ini?
Satu-satunya waktu saya pernah membuat persembahan di Hong Kong adalah lebih 20 tahun lalu sebagai sebahagian daripada ensembel bapa saya. Itu merupakan konsert klasik India yang sangat tradisional, dan saya tidak pernah mengadakan persembahan solo utama di sana. Terdapat evolusi yang besar dalam gaya permainan dan identiti bunyi saya sejak itu.

Persembahan akan datang ini merupakan konsert orkestra, yang menjadikannya berbeza secara fundamental. Kami mempersembahkan adaptasi simfoni unik daripada tiga album terakhir saya, yang dijalin bersama ke dalam tiga pergerakan berbeza berbanding format lagu demi lagu yang standard. Pergerakan pertama mencatat peralihan lembut daripada peristiwa besar dalam hidup; yang kedua menumpukan pada ruang waktu malam yang intim untuk penyembuhan dan refleksi; dan yang ketiga meledak menjadi hari baharu yang sangat bertenaga.

Apakah cabaran kreatif dan teknikal dalam menggabungkan sitar dengan orkestra Barat seperti City Chamber Orchestra of Hong Kong?
Apabila anda meneliti kedua-dua tradisi hebat ini ke tahap asas, anda berdepan dengan palet yang sangat minimum kerana muzik India beroperasi pada sistem raga. Ia sepenuhnya berasaskan bentuk melodi yang kompleks dan bukannya harmoni Barat, dan kami cenderung untuk tidak melakukan modulasi. Oleh itu, orkestrasi memerlukan keseimbangan yang teliti supaya ia tidak sekadar kedengaran seperti konsert “pop” standard yang ditambah dengan latar bunyi yang lebih besar. Bekerja dengan konduktor dan penyusun muzik kami, Robert Ames, kami berjaya menggunakan orkestra tersebut untuk menyampaikan cerita dengan cara yang benar-benar segar.

Cabaran teknikal utama ialah penalaan. Sitar direka secara fizikal untuk ruang klasik India. Di bawah jambatan utama, kami mempunyai 13 tali resonansi yang mencipta drone sitar yang berkilauan dan mudah dikenali. Ia perlu ditala dengan tepat mengikut skala khusus karya tersebut. Kerana orkestra menukar nada dengan cepat, saya harus menyusun karya itu dengan bijak agar saya dapat menala semula di bawah perlindungan muzik orkestra, menggunakan pedal senyap untuk mendengar diri sendiri tanpa mengganggu pengalaman audiens.

Jika anda terlepas: Pemain violin pemenang Grammy, Charles Yang, tentang bekerja dengan komposer ‘Bridgerton’ Kris Bowers, meneroka AI dalam muzik dan banyak lagi

Karya anda menggabungkan akar klasik purba dengan gaya kontemporari. Bagaimanakah anda mula merentas sempadan genre ini?
Sejak permulaan kerjaya saya sebagai komposer, saya hanya mahu menulis muzik yang mencerminkan diri saya secara jujur dan dunia kosmopolitan yang saya lalui. Walaupun saya menghabiskan zaman kanak-kanak tenggelam dalam budaya dan muzik India purba bersama keluarga, saya membesar di tiga benua berbeza—hidup di London, New Delhi yang sangat metropolitan, dan California. Bergerak secara fleksibel antara budaya-budaya ini menjadikan gaya muzik silang ini terasa sangat organik bagi saya.

Artis atau genre manakah di luar alam klasik yang membentuk perspektif muzik anda pada tahun-tahun pembentukan anda?
Sebagai remaja pada tahun sembilan puluhan, saya sering meluangkan masa daripada latihan klasik yang intensif untuk mendengar hip-hop, trip-hop dan muzik elektronik berat. Saya sangat dipengaruhi oleh bunyi avant-garde Björk, Massive Attack, Portishead, Nine Inch Nails dan Rage Against the Machine. Muzik itu membolehkan saya menjadi remaja yang bebas sebelum melangkah masuk ke dewan konsert formal. Saya juga terpikat dengan soul, folk dan penulisan lagu melodi tulen tahun enam puluhan dan tujuh puluhan.

Menariknya, kebangkitan gerakan neoklasik moden sejak 15 tahun lalu telah mewujudkan selari yang indah dengan apa yang saya lakukan. Ia telah menunjukkan kepada orang ramai bahawa muzik klasik bukanlah karya muzium yang kaku—ia sepatutnya berkembang untuk mencerminkan era kita sekarang.

Setelah melawat tempat seperti Hong Kong, adakah bandar ini atau rantau Asia yang lebih luas memberi inspirasi kepada muzik anda?
Sudah tentu. Anak saya baru-baru ini memperkenalkan saya kepada sebuah band Jepun yang indah bernama Lamp, yang menampilkan melodi pentatonik cantik berakar umbi dalam tradisi Jepun yang lebih lama. Tetapi komposisi Joe Hisaishi sangat istimewa. Terdapat satu tempoh ketika saya menulis bahan baharu dan mendapati diri saya mendengar skor beliau untuk filem Studio Ghibli, The Tale of the Princess Kaguya, secara berulang kali. Muzik perarakan syurgawi di akhir filem itu, apabila puteri dibawa kembali ke syurga, sangat ringkas, suci secara emosi dan sangat indah. Inspirasi kreatif boleh datang dari tempat yang paling tidak disangka.

Sitar secara sejarah dianggap sebagai alat muzik yang didominasi lelaki. Adakah anda melihat industri menjadi lebih inklusif untuk pemain wanita?
Secara sejarah, tidak pernah ada peraturan budaya yang melarang wanita menguasai sitar. Jika anda melihat salasilah muzik saya sendiri beberapa abad yang lalu, legasi kami diasaskan sama rata oleh anak lelaki dan anak perempuan guru kami, yang mana anak perempuan itu kekal sebagai tokoh muzik yang sangat dihormati.

Ketidakseimbangan itu bukan khusus untuk muzik itu sendiri; ia adalah cerminan struktur masyarakat yang lebih luas. Saya bertemu ramai pelajar wanita luar biasa yang bermain sitar dengan sangat baik. Walau bagaimanapun, sebaik sahaja anda beralih ke litar jelajah antarabangsa profesional, jumlahnya menurun dengan ketara. Jelajah adalah gaya hidup yang sangat menuntut yang memerlukan seseorang meninggalkan rumah untuk tempoh yang lama. Masyarakat tradisional patriarki disediakan untuk memberikan artis lelaki struktur sokongan domestik di rumah, manakala artis wanita jarang diberikan kemewahan yang sama. Penyelesaiannya memerlukan platform peringkat industri bersama-sama perubahan domestik peribadi.

Kolaborasi anda bersama kakak, Norah Jones, digemari oleh peminat di seluruh dunia. Walaupun bekerja dalam genre yang berbeza, apakah yang membuatkan hubungan muzik anda berfungsi dengan begitu indah?
Ironinya, walaupun gaya muzik kami sangat berbeza, kemahiran tepat yang kami kongsi bersama adalah kecintaan mendalam terhadap seni kolaborasi. Norah mempunyai telinga dan minda yang sangat terbuka, dan saya telah menghabiskan lebih dua dekad berkolaborasi merentas genre, daripada flamenco dan jazz hingga bekerjasama dengan ikon pop seperti Jacob Collier dan Gorillaz. Apabila kami melangkah ke studio bersama, kami boleh bergantung pada bahasa kolaborasi yang dikongsi itu di samping hubungan keluarga yang mendalam. Tiada projek konkrit di atas kertas sekarang, tetapi kerana kami adalah adik-beradik, rasa ingin tahu bersama itu sentiasa menarik kami untuk kembali bekerjasama. Kolaborasi masa depan adalah satu kepastian.

Melihat ke hadapan, apakah yang boleh anda dedahkan mengenai projek kreatif masa depan anda?
Tahun ini sangat memuaskan. Selepas bab orkestra ini, saya akan memulakan siri jelajah Asia Timur pada bulan Oktober bersama kuartet instrumental utama saya, termasuk siri persembahan pertama saya di tanah besar China, di samping kembali ke Jepun, Malaysia dan Thailand. Berbeza dengan seni bina konsert orkestra yang besar dan tertentukur, kuartet membolehkan kami memainkan repertoir ini dalam gaya yang lebih liar, tidak terkawal dan penuh dengan improvisasi.

Di luar jelajah, saya kini sedang menggubah muzik untuk beberapa projek bukan album, termasuk siri televisyen dan karya teater muzikal, sebelum masuk ke studio rakaman untuk menyiapkan album studio seterusnya tahun depan.

BACA SETERUSNYA

Lucy Liu menukar kamera dengan kanvas untuk pameran seni New York baharu yang meneroka keluarga dan warisan budaya

5 perkara perlu diketahui tentang konduktor bintang Hong Kong, Elim Chan

Pakatan bersejarah: Meninjau perkongsian strategik antara M+ dan Centre Pompidou