Olafur Eliasson sobre el arte, la tecnología y el lujo de la incertidumbre

En la presentación de Padimai, no obstante, la experiencia conlleva una capa adicional: los visitantes pueden elegir almacenar su viaje a través del reino virtual (su “visión”) y volver a visitarlo más tarde en la plataforma de Padimai como parte de un archivo evolutivo de datos generados por los participantes (la “materia”). Con el tiempo, estos viajes individuales se acumulan en un archivo compartido en la plataforma basada en blockchain de Padimai, convirtiendo la experiencia de cada espectador en parte de un registro colectivo creciente de la obra de Eliasson.

El interés de Eliasson por la percepción se remonta a sus primeros años. Nacido en Copenhague en 1967 y criado entre Dinamarca e Islandia, Eliasson pasó largos periodos de su infancia en este último país. Como adolescente en Copenhague, participó activamente en el breakdance, actuando con el Harlem Gun Crew antes de matricularse en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca.

Tras graduarse en 1995, se trasladó a Berlín, donde estableció el Studio Olafur Eliasson en un vasto edificio industrial. Hoy en día, el estudio funciona casi como un laboratorio, reuniendo a arquitectos, ingenieros, programadores y artesanos para realizar ambiciosas instalaciones artísticas.

La trayectoria de Eliasson hacia el arte nunca fue del todo convencional. A lo largo de los años, se ha movido con fluidez a través de diversos medios, experimentando con la música, el cine y las publicaciones, incluso produciendo Studio Olafur Eliasson: The Kitchen, un libro de cocina basado en las comidas vegetarianas preparadas diariamente en su estudio de Berlín.

Su avance internacional llegó en 2003 con The Weather Project en la Tate Modern de Londres. Un sol artificial monumental instalado en la sala Turbine Hall transformó el espacio industrial en un horizonte naranja brillante. Los visitantes se recostaban en el suelo bajo el disco luminoso, observando sus reflejos multiplicarse en un techo espejado. De construcción sencilla pero efecto profundo, la obra de Eliasson convirtió a los espectadores en participantes.

Muchas de las obras notables de Eliasson siguen esta misma lógica. Uno de sus experimentos perceptivos más conocidos, Room for one colour, que construyó en 1997 y que llegó a Singapur en 2018 como parte de la exposición Minimalism: Space. Light. Object en la National Gallery Singapore, sumerge a los visitantes en una cámara iluminada por luz amarilla monofrecuencia que suprime el espectro cromático completo, tiñendo todo y a todos en tonos amarillos y negros. El efecto desorientador altera sutilmente cómo el ojo registra el color, haciendo que los espectadores sean nuevos conscientes de la mecánica de la visión de Eliasson.

Ya sea a través de niebla, espejos, luz coloreada o intervenciones arquitectónicas, sus instalaciones invitan al público a ser consciente de su propio acto de ver. “Siempre utilizo la palabra ‘visión’ para descentralizar al artista”, afirma Eliasson. “He creado una máquina. Usar la máquina crea la obra de arte”. El espectador, en otras palabras, nunca es un observador pasivo, sino un colaborador esencial.

Fue también a través de Sundaresan que Eliasson se sintió atraído por un nuevo tipo de diálogo. Se conocieron poco antes de la pandemia en su estudio de Berlín. Luego, ambos comenzaron una serie de conversaciones semanales que se extendieron durante un año, discutiendo sobre arte, tecnología y las infraestructuras que estaban dando forma al mundo digital. Estos intercambios conducirían eventualmente a la presentación de Your view matter en Padimai.

Sin embargo, Eliasson aborda la experimentación tecnológica con un sentido de moderación más que con entusiasmo evangélico. Para él, la incertidumbre no es una debilidad, sino una condición productiva. “Disfruto del lujo de permitirme ser incierto”, declara. “Creo que puede ser una posición de fortaleza admitir que tengo dudas”, enfatiza Eliasson.

Esta declaración va en contra de las expectativas que a menudo se depositan en artistas que operan a la escala de Eliasson, donde la confianza y la claridad se equiparan frecuentemente con la autoridad. En cambio, él plantea la duda como una forma de permanecer abierto a nuevas formas de conocimiento, nuevos colaboradores y nuevas formas de observar de Eliasson. En una era definida por la aceleración tecnológica y la certidumbre económica, el artista propone una postura más pausada y reflexiva.

Durante las últimas tres décadas, Eliasson ha construido un cuerpo de trabajo que abarca desde experimentos perceptivos íntimos hasta monumentales intervenciones públicas. En el corazón de estas obras de Eliasson subyace una propuesta coherente: que el arte puede remodelar la forma en que las personas experimentan el mundo que las rodea.

Al manipular la luz, la atmósfera y la percepción espacial, Eliasson revela los sistemas invisibles (naturales, sociales y tecnológicos) que moldean nuestra comprensión de la realidad.

Sus exploraciones continúan evolucionando en Your curious journey, su gran exposición individual en el Museo MACAN (Museo de Arte Moderno y Contemporáneo en Nusantara) de Yakarta, que se extiende hasta el 12 de abril de 2026. La exposición reúne entornos inmersivos que sitúan al visitante en el centro de la experiencia de Eliasson, invitando al público a navegar por paisajes cambiantes de luz, color y reflexión.

Entre las obras se encuentran instalaciones como Your spiral view, donde las superficies espejadas fragmentan y multiplican la imagen del espectador de Eliasson, y Your uncertain shadow, que convierte la silueta de cada persona en campos cambiantes de luz coloreada. Junto con otros entornos sensoriales, estas piezas alientan a moverse, observar y cuestionar cómo se despliega la percepción misma.

En las instalaciones de Eliasson, el espectador nunca es un mero espectador, sino un participante activo. Como él mismo señala: “Si te quedas quieto, no ocurre nada. Si te mueves un poco, todo ocurre”.

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