《草間彌生：一九四五年至今》展覽經歷了四年的時間籌備，終於敲定在今年的11月12日開幕。展覽由Doryun Chong和Mika Yoshitake（吉竹美香）策展，而Mika是一位專門研究戰後日本藝術的獨立策展人，也是草間彌生的藝術專家。Mika表示：「本次展覽的形式、範圍和新委託項目都跟曾經舉辦過的草間彌生展覽很不同。」 她補充說：「許多其他回顧展覽都是按時間順序排列的，但是我們會以一種非常開放、隨機的形式帶領觀眾體驗這個展覽。」

Doryun和Mika將展覽分為六個主題，這些主題和概念在草間彌生的創作中也是不可或缺的：包括「無限」、「積累」、「全面連結」、「生物宇宙」、「死亡」和「生命的力量」。展覽展出超過200件作品，包括三件於M+展廳中首次亮相的全新作品。

對於新作《圓點執念──渴望天堂的愛》（Dots Obsession—Aspiring to Heaven Loves）（2022）、以及兩件名為《南瓜》（Pumpkin）（2022）的大型雕塑融合了天地主題，探索了人與自然的融合；而另一件嶄新的大型裝置《神經的死亡》（Death of Nerves）（2022）色彩絢麗，名稱取自藝術家於1976年曾創作的同名作品，立體地詮釋了草間的經典主題「無限的網」。Mika形容《神經的死亡》為一個跨越多個樓層的糾纏網絡，它將成為展覽中較大的裝置之一。許多前所未見的作品也將展出，尤其是1970年代和1980年代的作品，兩位策展人都表示，在草間彌生的職業生涯中，這段時間藝術家的創作是鮮為人知。Doryun說：「關於她的生活和藝術的敘述，將集中在她於1960年代在紐約的歲月，而不是她在日本的生活，至少於我們的展覽不是這樣。」

同時展出的還有《自我消融》（Self Obliteration）（1966-1974），這是她職業生涯中過渡時期的象徵。這個罕見的雕塑作品將雕塑與繪畫融為一體，六個不同顏色的女性人體模型被草間彌生的標誌性「無限的網」覆蓋著，並圍繞餐桌上演。Doryun說這個作品特別重要，因為這是草間彌生從紐約帶回日本為數不多的作品之一，也是她開始藝術創作的地方。

草間彌生1960年代於在紐約生活與創作，在嬉皮文化的鼎盛時期展示了她大膽、具表演性的一面。M+展覽的「全面連結」部分，展示了其中一些作品的文檔。除了有她參加反越戰示威外，她還上演裸體抗議和顛覆性表演，其中包括在她身上經常塗上的波卡圓點，又或將陰莖填充織物繫於自己身上。

對於草間彌生作品中不斷重複的主題，無論是波點、南瓜還是男性生殖器官，它們背後的創作理念的另一種解釋是：「自我消融」或是將自尊捨棄。Mika說：「你擺脫了自我的束縛，能夠平等看待彼此；不管你是女人、同性戀、亞洲人還是黑人。這是草間彌生寄望透過作品實現公平、理解和同理心的巨大推動力，也是她藝術創作的基礎。」

「草間彌生是一個矯小的亞洲女性，她知道自己比那些佔據藝術市場主導地位的白人男性藝術家更好，並不斷在突破界限。」Doryun補充道。「草間彌生對自己有一種強烈的、不可動搖的信念。她作品中具備的開創性從一開始就存在。」

或許正是這種堅持不懈的信念，驅使這位藝術家在1966年威尼斯雙年展上採取了某種干預現場的手段，部分原因是藉此回應沒有被邀請參加雙年展，以及為了挑戰藝術的商品化。在朋友和著名藝術家Lucio Fontana的幫助下，草間彌生設置了一個名為《Narcissus Garden》（1966）的表演和裝置，藝術家穿上一件金色和服，站在一個寫著「出售你的自戀」的標語下，以每個2美元的價格向觀眾出售這1,500個銀色球體。最終，她被警察驅逐了出來。草間彌生當時所選擇的服裝，是她刻意地突出她作為西方藝術界少有的亞洲女性的「他者」。正如Mika所言：「穿著那件金色和服，她就清楚地知道自己在做什麼。」

雖然草間彌生在海外的曝光率與知名度與日俱增，但她在1970年代回日本時卻仍然是默默無聞。「每個人都會經歷中年危機，但很典型的是，在中年藝術家當中，尤其是女性藝術家，大多數都會被忽視了。」Doryun說。直到1980年代後期，這位藝術家的作品才開始在日本更頻繁地展出。

1970年代也是草間彌生陷入低潮的時候，可能是因為她被日本藝術界視為「另類」的存在。在此期間，她開始轉為以寫作的方式創作，尤其是寫小說，而不僅只是創作藝術。「有很多黑暗的意象、對死亡的色情描寫；謀殺、自殺等題材。」Mika談到草間彌生創作小說內容時表示。「這是屬於超現實、深刻和怪誕的文學為主。」Doryun表示。「草間彌生通過寫作加深了自身對想像力的探索。」他又補充說。

很多人都曾聽聞，草間彌生在小時候被她母親告知要監視其有婚外情的父親，之後這位藝術家就從未想過要結婚或有任何性關係。「草間彌生不想與任何人建立聯繫，並且失去了所有對人的信任。」Mika說。「她對跟男人發生異性關係完全不感興趣。」雖然草間彌生曾與某些男性有往來，包括與男性藝術家Joseph Cornell建立了密切的關係，但他們似乎一直能夠保持柏拉圖式的友誼。

草間彌生的藝術創作，成為了她從小就經歷了各種心理健康問題的一種應對機制：她的雕塑幫助她面對對性的擔憂，而她的無限之網和波卡圓點圖案，則反映了她具有強迫性和重複性的想法，這是強迫症行為的已知特徵。Mika說：「她內心不斷有一個重複的幻象，她需要離開那裡。」更重要的是，她的雕塑和油畫畫布上的每一個標記都具有意義。「這個展覽深入探討了這些主題是如何變成多樣化的作品；兩個波卡圓點拼一起，代表了兩個人之間的聯繫，而一個波卡圓點則意味著孤立。」

在大多數情況下，草間彌生的作品被視為非常適合發佈到Instagram上「打卡」，並且受惠於社交媒體而開拓了新的觀眾群。Mika將草間彌生的創作以「預言」來形容。而Doryun則說：「無可否認，絕大多數的觀眾只是覺得草間彌生的作品好『可愛』。」他繼續說道：「不過這是一種流於膚淺的認識，否則她的作品不會持續到這麼久，反而會成為轉瞬即逝的趨勢。」她的藝術創作實際上是圍繞人類心理學。她的作品所提供的視覺和感官體驗，那就像是一種轉移的感覺，或者將觀眾傳送到一個不同的領域。」無論是看到一大片陽具時所產生的不適感，還是沉浸在無限鏡子的房間裡所感到的驚奇，她的藝術作品幾乎都能引起觀者產生發自內心的感受。

草間彌生的藝術作品中，結合了脆弱與大膽的元素，也可能會引起觀眾的共鳴。「她從一開始就坦誠面對自己的挑戰。」Doryun說草間彌生從創作初時已大膽地公開談論心理健康的問題，這是直到近年才不再被視為禁忌的話題，特別是在亞洲地方。

草間彌生今年已經93歲，自1977年以來一直住在精神病院，她仍然每天都去她的工作室。隨著疫情的爆發，她的作品變得更有意義。曾多次與草間彌生合作的Mika說，她對這位藝術家的作品解讀在過去幾年中發生了變化。「自疫情大流行以來，這真的影響了草間彌生的想法。她所經歷的痛苦和情感上的創傷並不再是假設或抽象的主題，更多的是關於她當天的感受，以及她為了生存所做的事情。她的作品充滿了再生的力量，作為一種強大的治療方式，這正好呼應著我們現在的時刻。」

「這感覺與我們的日常生活息息相關。」Doryun談到草間彌生的藝術作品時表示。「這不只是關於草間彌生和她的創傷，還有藝術在作為療癒的作用中所扮演的角色。」在現今的這個世界，似乎比以往都更需要療癒的時候，草間彌生象徵著永恆的藝術作品就發揮了最好的作用。

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